Faz pouco mais de um ano que comecei a desenhar digitalmente, de forma autodidata, olhando tutoriais pela internet. Não acho que evoluí tanto quanto gostaria, me vejo hoje num platô de aprendizado que me incomoda um pouco, mas mesmo assim já é um percurso que me orgulha demais. Eu não sabia nada! Por isso, nunca pare de estudar. Fiz um speed painting desse desenho, que compartilhei nas redes:

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Uma publicação compartilhada por Lidiane Dutra ✨ (@lidydutra)

Para o Mermay desse ano, pensei em algo temático como o Calendário do Advento que fiz ano passado. Sereias podem ser um assunto bem batido, mas depois que li o maravilhoso livro A Deusa Tríplice: em busca do feminino arquetípico, do Adam Mclean, tive a ideia de representar as Fórcidas, que são grupos de deusas tríplices, nascidas das antigas divindades do mar, Fórcis e Ceto.

Além desses seres mitológicos, a inspiração também veio das cerâmicas gregas, mais precisamente dos vasos de figuras vermelhas sobre fundo preto. Acho bem difícil trabalhar com uma cartela tão reduzida assim, por isso acabei pegando algumas referências para me auxiliar, como esta:

Na semana 03 ilustrei as Harpias, palavra que significa “arrebatadora”. As harpias são seres com corpo de pássaro e cabeça de mulher. Estão relacionadas com o elemento ar e são a personificação dos ventos tempestuosos. As três harpias são Aelo, Celeno e Ocípete.

Por fim, na semana 04, cheguei nas Sereias, nomenclatura derivada de uma raiz grega que significa “prender ou vincular”. Seus nomes diferem, de acordo com a história de origem. Aqui adotei a versão italiana: Partênome, Leucósia e Lígia. As sereias são servas de Perséfone e levam as almas até o submundo, atraindo marinheiros para os rochedos com seu canto arrebatador.

Todas as definições e nomes foram retiradas do supracitado livro, e sei que existem outras fontes, com outros mitos de origem e outras interpretações. Estas foram as que adotei criativamente para a série de ilustrações. A partir de agora, pretendo me dedicar mais ao estudo da ferramenta digital, e não focar tanto em trabalhos acabados.

Após representar por duas vezes uma jovem mulher (aqui e aqui), decidi resgatar o rascunho de uma anciã e me voltar para os lápis de cor. Não estou conseguindo fazer nada com aquarela, nada que remeta levemente à água. Quando terminei esse trio de mulheres, concluí que estava diante das deusas Perséfone e de sua mãe, Deméter.

No curso As chaves de Hekate, a Márcia C. Silva fala da confusão que fazemos ao associar Hekate com a anciã no mito de Perséfone. Se analisarmos a tragetória das deusas, Hekate seria a virgem, Perséfone a mãe e Deméter a anciã. E faz todo o sentido quando estudamos os mitos com um olhar mais cuidadoso. Deméter é a deusa grega da colheita e da agricultura. Quando sua filha foi raptada por Hades, fez a terra mergulhar no inverno, impedindo que as plantas crescessem. 

Embora a descrição da deusa fale de seus cabelos loiros, essa representação traz consigo o prata azulado de uma cabeleira grisalha. 

Tomei o cuidado de fazer as linhas com grafite vermelho, para não ficar uma marcação feia ao final. Não usei canetas para os contornos (com excessão dos olhos), tudo foi feito com lápis de cor, para manter a suavidade.

É impossível não lembrar de outro trabalho meu, de oito anos atrás: a Sereia que fiz para um projeto chamado Ilustraday. As duas figuras estão praticamente na mesma posição e com o mesmo olhar, é bonito pensar que está acontecendo uma passagem de tempo no meu trabalho, assim como na vida, abraçando todas as idades da mulher.

Os materiais utilizados foram o papel Concept da Hahnemühle, e os lápis de cor Vibes da Tris. Novamente, a edição está mais crua, mostrando todas as texturas do papel e dos lápis.

Em mais um dos sinais que o universo me manda, acabei contemplando os Mistérios de Elêusis nessas três figuras, e nessa semana de lua cheia. Khaire! 

Essa ilustração é uma variação feita logo depois da primeira Perséfone, publicada aqui ontem. A única diferença é que usei uma caneta nanquim para fazer a cobertura do manto, e um lápis branco para as dobras do tecido. De resto, tudo igual.

Novamente a edição está com bastante ruído, mostrando todos os detalhes da folha, propositalmente. Em tempo: hoje é celebrado O Rito de Seus Fogos Sagrados, dedicado à Hekate. A Deusa tem papel fundamental no mito de Perséfone, ao mostrar para Deméter o que havia acontecido com sua amada filha.   

As últimas semanas têm sido de uma espera estranha. Esperamos a água baixar, esperamos o vento virar, esperamos a água descer do Guaíba e olhamos nos mapas as áreas que vão alagar. E seguindo os passos da Sue, não serei testemunha da enchente, não vou poetizar em cima da tragédia de tantas pessoas, no alto do privilégio que tenho neste momento. Acredito que a arte precisa ser política, consciente, social e, agora, temos várias ações acontecendo para que os artistas e profissionais criativos do RS mantenham seu sustento, como a Contrate RS. 

Lá pela 43ª ilustração do cavalo caramelo em cima do telhado, fiquei me questionando se a arte está sendo mesmo política, de denúncia, ativista, ou apenas entrando na onda em busca de visualizações (tenho a mesma sensação com artista que publica caricatura instantaneamente após a morte de algum famoso). E nada contra quem está fazendo isso, se no final estão ajudando quem precisa com pix, cesta básica, cobertor, abrigo.  

Neste momento, arte para mim significa fuga. Da realidade, dos problemas, desse cotidiano que já vinha massacrando desde antes (2024 tem sido especialmente difícil para qualquer professor). Então fugi para aquele meu lugar seguro, com lápis e papel na mão, uma profusão de figuras e cabelos que me acalmam enquanto espero. E ninguém melhor para representar do que a deusa do submundo e da primavera: Perséfone.

Perséfone, para mim, é o epítome da fuga consciente em direção ao inconsciente. Só descendo ao submundo dos nossos medos, e passando uma temporada com eles, é que podemos emergir com plena consciência de quem somos e do que queremos. Nem sempre a beleza está no lado primaveril da vida, o inverno também ensina lições sobre recolhimento, autoaceitação e o movimento de deixar algo morrer para renascer de outro jeito.

O material utilizado foi o papel Concept da Hahnemühle e o lápis 5B Bruynzeel da Sakura. Deixei a edição da imagem propositalmente menos polida, para mostrar as texturas do papel e do lápis.

E assim que comecei a pintar, não parei até terminar toda a base. Como está fazendo um clima muito quente, a tinta seca bem rápido, então para evitar manchas, as aguadas precisavam ser bem generosas - e ao mesmo tempo precisas, pois como já falei, não podia errar hehehehe. Foi um desafio e tanto! Depois de feito todo o fundo, passei uma segunda demão onde precisava e passei aos detalhes dos rostinhos e também os ornamentos, que fiz com caneta dourada.

Optamos também por fazer um sombreado no chão, para que a matrioska não ficasse "voando" no papel. Usei pouquíssimos recursos adicionais à tinta, apenas um lápis de cor para conferir profundidade em algumas partes do rosto e a caneta naquim para o contorno dos olhos e detalhes muito miúdos. De resto, confiei na tinta e confiei no processo.

Detalhe do ornamento, que é igual em todas as matrioskas, para evitar poluição visual. Abaixo, uma foto minha com o trabalho já finalizado para vocês terem uma ideia do tamanho do papel, bem diferente do que estou acostumada a trabalhar.

Materiais utilizados

• Papel para aquarela Arches 100% algodão;
• Aquarelas Talens e White Nights;
• Guache Talens;
• Marcadores Derwent e Sakura para os detalhes;
• Lápis Koh-I-Noor para os detalhes;
• Pincéis sortidos;
• Spray fixador.

Acima, eu feliz com o resultado de um trabalho tão bonito e que adorei fazer. Agradeço à Rami por ter me indicado, à Gabi por confiar no meu trabalho, à outra Gabi, que gentilmente fez a ponte da entrega, e a todos que, de uma maneira ou de outra, continuam me apoiando para que, 14 anos depois, eu continue produzindo arte.

E se você quiser uma arte exclusiva, tradicional ou digital, para chamar de sua, estou com encomendas abertas. Todo o mês, abrirei quatro vagas na minha agenda para comissões de retratos e outros trabalhos que dialoguem com o meu estilo. Se você se interessou, basta mandar um e-mail para lidiane@lidydutra.com ou entrar em contato pelo direct do meu Instagram.

Ceto é a deusa grega associada ao perigos do mar, representando as baleias, tubarões e monstros marinhos. Gerou outros monstros conhecidos da mitologia, como a Equidna, Cilla e as Górgonas (dentre elas, está a Medusa).

Ceto associa-se à Hekate sob o epíteto Krataiis (forte, poderosa, rochosa), como mãe do monstro Cilla. No blog Singing for Her vocês podem encotrar uma explicação detalhada para essa associação.

Quando pensei nessa ilustração, me veio à mente, primeiramente, essa imagem de Ceto buscando suas filhas no mar profundo; imaginei essa mãe vigilante e atenta, procurando as filhas - vistas como monstros pela humanidade, mas ainda assim suas filhas. Também é uma referência aos tenomes, yokais japonses que possuem os olhos nas palmas das mãos (a inspiração mais famosa em um tenome é o Homem Pálido, do filme O Labirinto do Fauno), e também na Medusa de Caravaggio e sua expressão de assombro.

Tenho aproveitado as férias para voltar às origens do modo como pinto: marcando valores, fazendo primeiro a pele, depois acrescentando os detalhes... E para essa ilustra, o mar profundo também se confunde com o céu de tempestade. Acho que isso é um sinal para que eu volte a fazer mais galáxias. Um pouco do processo:

Materiais utilizados

• Papel para aquarela Strathmore;
• Aquarelas Whtite Nights;
• Pincéis da Shein;
• Lápis de cor Polycolor;
• Marcadores Pentel e Derwent para os detalhes.

Se você deseja um retrato no mesmo estilo dessa pintura ou em desenho digital, basta encaminhar um e-mail para lidiane@lidydutra.com ou entrar em contato pelo direct do meu Instagram ou TikTok.

Há algum tempo atrás, encontrei uma linda foto que mostrava a comunhão entre as três idades da mulher - a jovem, a mãe e a anciã - e guardei a referência para depois. Passado algum tempo, fiz um esboço e deixei na minha já famosa pasta dos projetos, aqueles trabalhos que um dia verão a luz, mas que eu deixo marinando para pegá-los no tempo correto. Acredito que todas as ideias nascem e demoram certo tempo para se desenvolverem, é como a semente germinando na terra até se tornar árvore. 

E chegou o momento dessa semente germinar. Hoje é um dia muito especial para uma libriana como eu, pois encerra-se um ciclo cármico de 14 anos! E nada melhor do que comemorar com uma aquarela com um forte simbolismo: o da Deusa Tríplice. É muito comum confundir a Deusa Tríplice com Hekate. Mas elas são diferentes. 

Hekate tem um aspecto triplo por ter parte nos três domínios (celeste/ terreno/ ctônico). Além disso, ela rege espaços liminares, como a encruzilhada tripla (em formato de Y). Na mitologia romana, Hekate é chamada de Trivia. Já a Deusa Tríplice, geralmente cultuada na Wicca, está associada à lua e suas fases: donzela (nova/crescente), mãe (cheia) e anciã (minguante). Então essa representação que trago hoje é a da Deusa Tríplice, não de Hekate. Eu também já cometi esse engano quando comecei a trabalhar com a Deusa, por isso gosto de explicar.

Essa ilustração foi feita bem do meu jeito mais tradicional, começando marcando as áreas de sombra com lápis e depois com tinta cinza, indo para o colorido da pele, e cada uma das deusas tem uma tonalidade de pele diferente. Depois fui para os cabelos, mantos e retornei para detalhes finos com tinta. Só aí passei para o lápis de cor e as finalizações com marcadores que gosto de fazer.

Esse trabalho me apresentou o desafio da anciã. E estou cheia de projetos envolvendo anciãs. Mas elas exigem um cuidado que ainda é muito novo para mim. Cada linha, cada ruga, a expressão dos olhos, dos lábios, é bem diferente e não pode ficar caricato. Então ainda quero me aperfeiçoar bastante na representação de mulheres mais velhas, para que elas se enxerguem nos meus trabalhos. O resultado:

Materiais utilizados

Sigo estudando desenho digital no Infinite Painter, e dessa vez quis fazer algo que fugisse um pouco da minha paleta de cores habitual. Durante os últimos anos, eu ouvi muito que deveríamos ter uma paleta de cores reduzida. Que isso imprimia personalidade ao nosso trabalho e auxiliava os clientes a nos distinguir dos demais artistas.

Ao longo do tempo, criei basicamente duas paletas: uma para trabalhar figura humana e elementos da natureza, e outra para tudo que envolvia galáxias. Praticamente aboli todas as cores "limão", que considero muito fora da curva, e fui neutralizando minhas cores, evitando algo muito discrepante. 

Porém, estou lendo o ótimo livro O ato criativo, do produtor musical Rick Rubin, e num dos capítulos ele foi certeiro: se você tem trabalhado sempre com a mesma paleta de cores, desconsidere-a ao começar um novo trabalho. Pois, ao longo do processo criativo, seguir sempre com o mesmo manual pode nos levar à insatisfação, e é da ordem natural do artista experimentar coisas novas. 

Aquilo foi um estalo e tanto na minha mente, e me dei conta que estava com a ferramenta perfeita em mãos para fazer esses experimentos de maneira livre e descompromissada. Por isso, tentei explorar nuances nessa figura que geralmente evito: cores mais blocadas, reduzi o esfumado às áreas de destaque, e escolhi cores mais vívidas, como o laranja em contraste com o verde, e o pêssego (cor do ano da Pantone). Também limpei outros elementos que gosto de exagerar, como cabelos, cílios, detalhes mínimos. O resultado:

Finalizando, coloquei a figura dentro de uma forma abstrata, achei que ficou um bom elemento de design para se aplicar a posters, bolsas, etc.

Quem quiser me acompanhar em tempo quase real, é só me seguir no Instagram, TikTok ou Pinterest.

You only see what your eyes want to see
How can life be what you want it to be?
You're frozen
When your heart's not open

Depois de muitas ilustrações digitais, retornei ao meu amado lápis de cor para o último trabalho de 2023 e primeira postagem de 2024. Para este ano, quero utilizar minhas técnicas favoritas, que são o lápis de cor, a aquarela e agora também o digital, para expressar diferentes tempos e espaços da minha vida e arte. Quero tirar mais projetos guardados do papel, e seguir com meus estudos, dentro do possível que posso estabelecer na minha rotina docente.

No início do ano passado, fizemos uma faxina na escola, e um dos materiais que seriam descartados era um antigo dicionário, acredito que da década de 1970, daqueles volumes que também são ilustrados e com verbetes mais extensos do que um dicionário comum, desses pequenos que costumamos usar. Só que vi uma possibilidade de criação naquelas páginas e peguei algumas, inspirada por artistas que ilustram sobre livros antigos e partituras musicais. Demorou, mas consegui dar o pontapé inicial, e pretendo dar sequência até completar as páginas que peguei.

Para este trabalho, usei somente lápis de cor (Staedtler e Faber-Castell). Fiz a figura da moça segurando costelas-de-adão sobre a página com o verbete "selva". Quero tomar esse cuidado, de sempre ilustrar algo que está relacionado a algum verbete da página em questão.

Na foto acima, a nova visão da minha área de trabalho, aproveitei a limpeza de final de ano para virar completamente minha mesa de frente para a janela. Agora, posso olhar para o pôr do sol, sinto meus pensamentos voando para fora da casa e tomando forma em outros lugares.

Dia 01

A cada ano que passa, a tradição alemã do calendário do advento cresce mais em terras brasileiras. Basicamente, é um calendário para contagem regressiva até o Natal. Os mais tradicionais são 24 dias, e a cada dia é "revelado" um presente (pode ser uma mensagem, uma foto, um produto de beleza, um doce, etc.). Algumas pessoas fazem calendários de 12 dias, 10 dias... o que vale é esse fator surpresa de ir revelando algo até a noite de Natal.

Eu conheci essa tradição através dos calendários de beleza, que as blogueiras gringas gostam de mostrar. Ao longo do ano, fui acompanhando alguns vídeos sobre o assunto e, assim que acabei o Inktober, fiquei com vontade de fazer o meu próprio calendário do advento. Essa ideia surgiu pelo meu interesse em desenvolver um projeto de final de ano que gerasse engajamento nas redes sociais, através do compartilhamento diário de ilustrações, e também como uma forma de aprimorar minha técnica em desenho digital, criando uma rotina de trabalho que me permitiu explorar vários recursos do Infinite Painter, programa que estou usando para desenhar digitalmente. Estudar digital tem sido meu foco desde agosto, e após outubro senti que poderia melhorar ainda mais, para finalmente me sentir segura para abraçar trabalhos comissionados.

Escolhi um calendário de nove dias pois era o que eu tinha condições de fazer, visto que era final de ano letivo e eu estava sobrecarregada de trabalho escolar. A princípio, eu começaria no dia 8/12 e postaria dia sim, dia não. Porém, achei melhor começar direto no dia 16/12, sem parar até a véspera de Natal. Foi uma pequena loucura, pois somente os três primeiros consegui fazer com, em média, dois dias de antecedência, os demais foram feitos e postados no mesmo dia.

Fiquei muito orgulhosa dos saltos que dei em relação ao desenho e ao domínio do programa. A luminosidade da primeira ilustra, o efeito da madeira na segunda, os contornos faciais a partir da terceira, o efeito de algodão na máscara de Mamãe Noel da quinta, a sétima, tão linda quanto demoníaca, os pelinhos do capuz da oitava e o cabelo etéreo da última foram conquistas não só no que diz respeito à descoberta de novos pincéis (até mesmo porque trabalho quase sempre com os mesmos), mas de uma segurança em ousar, em me permitir experimentar coisas novas, em ser confiante para explorar meu trabalho em outros níveis. Agora já sei que posso personalizar os pincéis que mais curto, e assim que montar minha paleta básica, vou compartilhar por aqui, assim como gosto de compartilhar meus materiais tradicionais favoritos. O layout final do meu calendário do advento ficou assim:

Referências trabalhadas

Busquei referências não só em imagens clássicas do Krampus, principalmente de cartões vintage, ou em cosplayers e artes específicas da figura. Claro que essas imagens me auxiliaram muito, principalmente na elaboração da paleta de cores, mas o que me motivou a trabalhar o tema foi a cultura pop, os tutoriais de maquiagem, os personagens como Ele, do desenho Meninas Super Poderosas, a moda e toda uma cultura a estética sombria que eu já vinha trazendo desde o Inktober, e que permeia demais meu trabalho.

Algumas pessoas me perguntam porque eu opto por esses temas "demoníacos" (tudo o que não entendemos ou não está em nosso sistema de crenças automaticamente vira demônio rsrsrsrs) ao invés de algo fofo, que vai deixar as pessoas felizes, e que as estimule a comprar meu trabalho, e a resposta pessoal que tenho elaborado para isso é que eu gosto de tudo que está à margem;  gosto de ir na contramão do que agrada, do que seria facilmente colocado na sala de estar ao lado do sofá e combinando com o tapete; gosto de estudar culturas diferentes; gosto de fazer com que o processo de encontro da minha espiritualidade faça parte da minha arte, mostrando que há beleza no caos, no que muitos consideram sujo, mórbido ou bestial. Há beleza em encarar nossos desafios - e nossos demônios - de frente; abraçá-los e entendê-los como parte de nós, e não varrê-los para debaixo do tapete.

GRUSS VOM KRAMPUS!