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Dr. Frank-N-Furter (Rocky Horror Picture Show) 👄
Estou aqui pagando uma dívida que tenho há anos com um dos meus filmes favoritos (embora eu ainda tenha dívidas com Jovens Bruxas e Entrevista com o Vampiro, por exemplo). Rocky Horror Picture Show é um dos poucos musicais que gosto, e tudo nessa produção de baixo orçamento (mas muita alma!) me encanta. Da primeira vez que vi quase não entendi nada kkkkk, mas já me apaixonei por todas as personagens. Com o tempo, fui entrando naquela atmosfera e foi um caminho sem volta.
Além da Magenta e da Columbia, o Dr. Frank-N-Furter (interpretado pelo Tim Curry) sempre foi uma referência, com aquela maquiagem ousada e toda a expressividade, que o tornam reconhecível até mesmo por quem nunca assistiu ao filme.
Esse trabalho surgiu de forma bastante espontânea, eu estava passando pelo Pinterest, quando algumas imagens do filme apareceram no meu feed. Então, decidi que sairia do meu cronograma de catrinas e outros trabalhos, para me dedicar a uma fanart. Não fiz registros, além do que postei nos stories do Instagram, e fui acrescentando os elementos e decidindo os materiais na hora, de um jeito bem aleatório, bem Rocky Horror.
La Catrina #1
Quem me acompanha há algum tempo deve se lembrar da época em que eu desenhava muitas catrinas, ou caveiras mexicanas, ou sugar skulls, como preferir. Cheguei a fazer uma exposição sobre o assunto e, por muitos anos, foram as minhas ilustrações mais vendidas em lojas virtuais. As pessoas viam qualquer coisa de caveira e já me mandavam, pois lembravam de mim na hora.
O tempo foi passando e eu, naturalmente, fui explorando outros temas, outras formas de me expressar no campo da figura feminina. As caveiras continuaram presentes, porém, em menor número. Só que, para muitas pessoas, eu havia abandonado as catrinas, havia renegado a minha história com elas, tanto é que cheguei a receber mensagens furiosas, perguntando quando eu ia voltar a desenhá-las. Só que elas sempre estiveram aqui, diluídas entre séries, desafios, trabalhos avulsos. Eu me questionei muito sobre não estar fazendo apropriação cultural também, e fui estudar sobre isso, sobre essa figura tão presente quando as datas de halloween, día de los muertos/finados vão se aproximando. E fui tocando a vida.
No início do ano, eu havia me proposto um pequeno desafio, antes da pandemia levar todos os planos por água abaixo: redesenhar um trabalho antigo, com os olhos e a técnica de agora. E pensei demais em fazer isso com a primeira catrina, lá de 2011. São quase 10 anos separando aquele trabalho divisor de águas, do que eu tenho hoje. E por vários momentos me perguntei como iria fazer isso acontecer.
Quando me mudei e coloquei os lindos quadros que ganhei da Thay Santiago na parede, bem ao lado de onde passo o dia trabalhando, comecei a pensar que, talvez, um só redesenho não comportaria toda a importância que essas mulheres belas e mórbidas têm para mim. Por isso, decidi que não me restringiria a refazer a Sugar Skull I, mas em dar um reboot em toda a série de catrinas, fazendo algo na linha das Botânicas, que são bastante recorrentes por aqui. Não sei quantas ilustras serão, mas já estou me preparando para que seja uma série fechadinha, com álbum próprio no Behance e tudo mais.
O processo de pintura não foge muito do que eu sempre faço, só que agora tenho escolhido as paletas de cores previamente, através do Coolors. Aprendi no curso da Isadora e levei pra vida, e isso facilita demais as coisas. Com a paleta definida, eu pinto o rascunho com lápis de cor, só para marcar os locais onde as cores vão e melhorar a composição. Ainda vou explicar esse processo melhor em outro post, pois foi uma adição valiosa ao meu trabalho. Também optei por cores bem fantasia, que fossem uma mistura de Hera Venenosa com Zumbi. O resultado:
Materiais utilizados
- papel para aquarela linha Harmony Hahnemühle 300g, grana fina;
- aquarelas Van Gogh;
- pincéis Keramik;
- Marcadores metálicos Sakura;
- Lápis de cor SuperSoft Faber-Castell.
A foto que usei para referência é da linda @st.meow. Estou muito animada com esse reboot da série de catrinas, e espero inseri-las de maneira mais regular no meu portfólio, assim como fiz com outras ilustras.
Para comprar meus trabalhos: Colab55
Para encomendas: lidiane@lidydutra.com
Minha experiência: curso da Isadora Zeferino para o Domestika
Assim que a Isadora Zeferino, uma artista que sigo há bastante tempo, divulgou seu curso para o Domestika, corri para fazer a minha inscrição. Comecei o curso final de maio, mas só entreguei o projeto final agora, pois tive minha mudança no meio, e não gosto de fazer curso de qualquer jeito, só pra constar.
Sei que muitas pessoas ficam com o pé atrás em relação a esses cursos rápidos, mas a minha experiência foi muito positiva. Além do Domestika ser muito intuitivo e fácil de navegar, o preço do curso foi bastante acessível, e a experiência da Isadora me ajudou muito a reciclar conceitos e revitalizar meu trabalho. A seguir, mostro um pouquinho do meu projeto final e conto como foi o curso.
O tema do curso é bem específico: retrato ilustrado com elementos botânicos, e é uma jornada pelo trabalho e pela experiência da própria Isadora. E isso foi uma das coisas que eu mais gostei: ela não inventou nada mirabolante, e buscou na história dela todos os elementos para as aulas. Desde as referências florais, até como montar a paleta de cores e editar a imagem para as redes sociais, é tudo muito particular e bonito de ver. Ela foi muito carismática em todas as aulas e de uma humildade que, convenhamos, anda em falta.
O curso é dividido em módulos, e vamos caminhando desde a busca por referências, a estilização do traço, composição, peso e hierarquia, montagem da paleta e desenvolvimento do projeto. Mesmo com a Isadora trabalhando no digital, consegui acompanhar tudo no papel sem dificuldades. Como falei lá em cima, eu consegui me reciclar ao rever esses conceitos, que vou deixando pelo caminho com o tempo.
Um dos meus maiores medos foi, na hora de fazer o projeto final - o meu retrato, com as minhas referências - que tudo ficasse muito parecido com o que a Isadora faz, e que eu não conseguisse me colocar, visto que não costumo estilizar muito meu traço. Mas fui fazendo tudo no meu tempo, montei a biblioteca visual, consegui enxergar quais plantas são recorrentes nos meus trabalhos, depois quebrei a cabeça montando paletas no Coolors, e talvez essa tenha sido a maior dificuldade, pois vou muito na intuição, não costumo pensar nas cores com tanta antecedência. Quando chegou a hora de fazer o retrato estilizado, já tinha passado um tempo, eu já havia digerido o que queria ou não, então foi muito fácil e agradável finalizar. O resultado:
Materiais utilizados
- Papel para aquarela Hahnemühle 300g;
- Aquarelas Van Gogh;
- Pincéis Keramik;
- Caneta Stabilo azul;
- Caneta Sakura branca.
Sinceramente, acho que esse foi meu melhor autorretrato até agora (isso que recentemente já havia feito um). Fiquei até pensando em fazer um post revendo todas as vezes que me retratei e o que mudou em cada uma delas. A minha dica para quem quer fazer o curso, não só da Isadora, mas qualquer um disponível em plataformas online é: faça no seu tempo, focando no seu resultado. Esqueça as comparações com os outros, pense em você.
Desenhando o vestido da Lirika Matoshi 🍓
Já faz um bom tempo que esse vestidinho de morangos, que veste bem em todos os tipos de corpos, circula pela internet. Eu havia salvo algumas imagens de referência no Pinterest por ter achado fofo, mas de uns dias pra cá ele praticamente viralizou. Trata-se de um vestido da marca Lirika Matoshi, que faz roupas super delicadas. Decidi fazer um rascunho sem pretensão, baseado numa foto da Bree Kish, e consegui um resultado super legal e diferente do que ando criando.
Geralmente, meu estilo de traço não é algo cute, mas acho que a foto e o tema ajudaram bastante. A escolha pelo lápis de cor em tons pastéis se deu por dois motivos: eu demoro menos para colorir com lápis e acho que chegaria a um melhor resultado com esse material do que com a aquarela. Fico assim:
Materiais utilizados
- Papel Canson 180g;
- Lápis de cor tons pastéis Tris;
- Canetinha com glitter Giotto.
O que eu mais gostei nesse trabalho foi a espontaneidade que o envolve, certamente vou querer comprar uma moldurinha e colocá-lo na parede do meu ateliê.
Hoje é 24 de agosto, dia das e dos artistas, aproveito para deixar meu abraço quentinho para todos nós, que nem sempre somos valorizados em nossa profissão, mas que estamos segurando essa barra que é gostar de você levar arte e cultura para quem precisa. 💓
Feérica
Mais um trabalho que estava no limbo do mês de abril, e que acabei retomando para me sentir mais confortável no novo ateliê. Eu falei sobre algumas sensações que têm passado pela minha cabeça num episódio super gostosinho do podcast We can be readers (#16 - Literatura e ilustração), mas também vou falar mais a respeito disso por aqui, assim que puder.
Aqui já me sinto bem mais leve e à vontade com os materiais, algo que ficou um pouco truncado em Mariposa. Achei que a pintura fluiu com mais leveza, e o tom de pele bastante uniforme da figura comprova isso. Tentei trabalhar com uma paleta de cores bastante reduzida e também com tons próximos no círculo cromático (influência do curso da Isadora Zeferino). Novamente não tirei fotos do processo, prometo que vou melhorar nisso.
feérico - pertencente ao mundo da fantasia; mágico.
Tudo seguiu o caminho de sempre: marcação dos valores (dessa vez com azul índigo), pintura da pele (em tonalidades avermelhadas), cabelos e detalhes. O resultado:
Materiais utilizados
- Papel para aquarela Harmony Hahnemühle;
- Aquarelas Van Gogh;
- Pincéis Karamik;
- Marcadores Sakura.
- Lápis de cor Polycolor.
Cada vez tenho economizado mais na edição da imagem, deixando alguns aspectos como granulação bem crus, e só me preocupando com a nitidez e harmonia dos matizes. Além de tomar menos tempo, também é bastante libertador, e deixa a imagem final muito mais próxima da original no papel do que quando eu gastava horas no Photoshop.
Para acompanhar mais trabalhos e também ver meus gatinhos nos stories, é só me seguir no Instagram @lidydutra. Nos próximos dias, vou atualizar minhas lojas na Colab55 e INPRNT. Lembrando que também estou aceitando encomendas.
Mariposa 🐛
Finalmente consegui parar - não só para finalizar uma ilustração, como também para escrever um post. Tenho andado bastante afastada do blog, não por falta de assunto, mas por falta de tempo. Completei minha mudança há pouco, e estou me adaptando ao novo espaço e à nova rotina. Todo dia é um aprendizado diferente. Por isso, para marcar essa fase, resolvi resgatar algumas artes que tinha deixado só na linha lá em abril, e inaugurar meu novo ateliê (em breve falo mais sobre ele, mas já dá pra conferir um pedacinho aqui) aquarelando uma moça mariposa.
As mariposas têm simbologias muito interessantes. Acredito que uma das mais populares esteja ligada ao fogo da transformação. A Caroline Jamhour, uma das artistas que mais admiro, fez um post sobre o simbolismo da mariposa, que acabou viralizando (e começou a ser compartilhado sem os créditos). Sugiro a leitura do original, pois é uma reflexão muito valiosa. Aqui onde moro agora, é comum aparecer mariposas, dessas mais simples, que ficam na volta da lâmpada à noite. Em 2017 eu já havia ilustrado uma actias luna, então não é de hoje meu fascínio por esses seres.
Acredito que veio bem a calhar escolher esse trabalho, dentre outros que eu já tinha preparado, pois toda mudança é uma transformação enorme na vida. É como sair de um casulo quente e seguro para um mundo novo e, muitas vezes, hostil. Bate uma série de inseguranças e incertezas, de repente estamos aprendendo coisas banais, como regular a nova máquina de lavar. Ainda quero falar mais sobre essas experiências mas, por enquanto, vou me concentrar em mostrar essa ilustra:
Comecei a pintura da mesma maneira que começo todas as outras: marcando os valores com lápis, depois com cinza payne, e fui colocando as cores. Para o tom da pele, trabalhei com alguns tons avermelhados e terrosos, fiz uma misturinha para chegar a essa cor, que curti bastante. Para as asas, imprimi algumas imagens de mariposas e fui pegando um pouco de cada e estilizando, ou seja, não é nenhuma espécie em específico e tomei a liberdade artística de não estar biologicamente fidedigno a nenhum inseto. O resultado:
Materiais utilizados
- Papel para aquarela Harmony Hahnemühle;
- Aquarelas Van Gogh;
- Pincéis Karamik;
- Marcadores Sakura.
- Lápis de cor Polycolor e Faber-Castell metático.
Espero que vocês tenham curtido essa ilustra e, em breve, eu volto aqui para contar mais sobre meu novo ateliê. Por enquanto, tenho postado lá nos stories e no feed do Instagram. Em tempo: participei de uma live muito legal com a Andréia Pires, no perfil da Concha Editora, sobre ilustração e docência. Dá pra assistir a parte 1 aqui e a parte 2 aqui.
Meu autorretrato versão 2020
Retrato e autorretrato é uma das atividades que mais peço para meus alunos. Gosto da dinâmica, principalmente com os pequenos, de reconhecer as particularidades dos amigos, aquilo que nos torna únicos, seja um sinal, a cor dos olhos, o jeito de pentear o cabelo. Só que eu mesma não costumo me autorretratar muito, tanto que fujo dos meet the artist na grande maioria das vezes. Tenho tendência a ressaltar todos os pontos negativos do meu rosto, principalmente a falta de simetria.
Porém, como (ainda) estou fazendo o curso da Isadora Zeferino, cujo foco é no retrato estilizado, resolvi fazer alguns estudos extra-classe para me familiarizar com a ideia. Esse retrato acabou sendo catalisador de muitos sentimentos: me olhar com mais carinho, reduzir minha paleta de cores definir um novo avatar para as redes e, talvez, me despedir do meu quarto e do lugar que por tantos anos foi meu ateliê, visto que estou de mudança, já com várias coisas encaixotadas. Queria que essa despedida fosse num tom olha só tudo o que me tornei aqui, um agradecimento, uma lembrança feliz.
Como mencionei acima, um dos objetivos era reduzir minha paleta de cores o máximo que pude, e acredito ter conseguido. Trabalhei com verde, vermelho e marrom, e fui variando entre tons mais quentes e mais frios. Também trabalhei muitos detalhes com a própria aquarela, somente no rosto que usei caneta para delinear, além dos detalhes metalizados. Somente para o sombreado usei roxo, voltarei nesse ponto mais adiante.
Eu também queria que as folhas e flores estivessem no meu cabelo, mas nada muito incorporado/ emoldurado. Preferi guardar essa ideia para o projeto final do curso mesmo. Tudo o que pude resolver somente com a tinta, tentei resolver, e acho que estou indo por um bom caminho. O resultado:
Materiais utilizados
- Papel para aquarela Moulin DuRoy 300g, grana fina;
- Aquarelas Van Gogh e pincéis Keramik pelo sintético;
- Multiliner Derwent na cor sépia e marcadores metálicos Sakura, Posca e Cis.
Esse sombreado roxo fiz depois de ter terminado praticamente toda a pintura e fez muita diferença. Geralmente eu faço a marcação dos valores com roxo, mas dessa vez optei por deixar marcado só com grafite, pintar normalmente e, por fim, fazer o sombreamento nas áreas que acho mais interessantes. Também deixei mais linhas e pontos de luz no rosto, e gostei muito de como ficou.
Os detalhes da granulação da tinta também ficaram muito interessantes, assim como o dourado da caneta. Fico feliz por ter feito as pazes com o scanner e conseguir obter esses resultados. Quem me segue por aí já pode ver o avatar em ação.
Apesar de não ter escrito nada no blog durante o mês de junho, fiquei bem ativa nas redes sociais e em outras plataformas. Criei uma nova conta no Twitter (mas mantive o mesmo user), pois queria voltar a compartilhar minhas artes de maneira aberta, e também recuperei o user antigo para o Instagram, e estou com uma conta só por lá.
Também participei de dois episódios do podcast We can be readers e amei a experiência, principalmente pelo fato de falar sobre literatura, que tanto amo. O primeiro foi sobre Amanda Palmer e o livro A arte de pedir, e o segundo foi sobre Neil Gaiman e O oceano no fim do caminho.
Da próxima vez que voltar com algum trabalho, talvez já seja na minha nova casa. Até lá, vou tentar me manter ativa pelo menos nas redes sociais e, quem sabe, tirar vários posts opinativos do modo rascunho.
MerMay 2020 | Semana 04
Essa é a última ilustra que fiz para o MerMay 2020. Comecei o desafio cheia de energia, vontade de experimentar coisas novas, mas estou terminando bem na minha zoninha de conforto, com grafite e cabelos esvoaçantes, pois fui cansando ao longo das semanas, como já havia dito nas postagens anteriores. Os desafios que estava habituada a fazer definitivamente não funcionaram comigo durante este período de distanciamento social.
Mas isso não quer dizer que tenha feito coisas ruins ou das quais não me orgulho. A primeira semana trouxe uma sereia plus size bem texturada com lápis de cor; a segunda semana uma selkie, que eu nunca havia desenhado antes; e a terceira semana mais uma figura gorda, com um trabalho de cores que comecei na anterior e aprimorei aqui.
Para a última semana, resolvi fazer aquilo que sempre faço quando vejo que estou começando a ficar desgastada com o trabalho: peguei uma folha lisa e um lápis 3B e desenhei cabelos. É a minha terapia e também a minha maneira de dizer que vai ficar tudo bem. É uma sereia bem sugestiva, já que não fiz a parte inferior do corpo. O resultado:
Materiais utilizados
- papel Bristol;
- lápis grafite 2B Stabilo Othelo e 3B Mars Lumograph;
- Marcadores metalizados, branco e preto Sakura.
Vale lembrar que sempre finalizo todos os meus trabalhos com verniz fixador fosco (uso o da Acrilex, mas tem de outras marcas).
Não fiz registros do processo dessa ilustra, pois como disse, já estava bem cansada, e me dediquei a desenhar esses fios dançando na água/ na folha em branco, para afastar qualquer pensamento ruim que porventura queira se instalar na minha cabeça.
Se mais alguém sentiu dificuldade em fazer o MerMay (ou qualquer outro trabalho durante este período) deixe um comentário e vamos falar um pouco sobre arte na quarentena.
Mermay 2020 | Semana 03
Cheguei na terceira semana do MerMay e, mesmo fazendo o desafio nos meus próprios termos, estou exausta e não aguento mais desenhar sereias. Quero que isso acabe de uma vez, para que eu possa me concentrar em outras coisas, incluindo o curso da Isadora Zeferino no Domestika.
Pela primeira vez desde que comecei a participar de desafios, me sindo cansada e desestimulada a continuar, estou farta da monotemática que cerca as semanas de trabalho. Pode ser efeito do isolamento social, ou simplesmente o formato de desafios mensais se esgotou para mim. Para ser bem sincera, não vejo mais sentido em participar de hashtags cujo fluxo de produção é tão grande que fica difícil acompanhar. Por isso, vou fazer as quatro semanas que já havia me comprometido e não contem mais comigo para desafios esse ano.
Esse é o segundo trabalho com a folha torchon, que não é a minha favorita, mas como ainda tinha algumas no bloco, resolvi gastar de uma vez, pois não pretendo comprar mais papeis com esse tipo de gramatura. Embora eu esteja bem cansada e desestimulada com o desafio, não deixei de fazer essa pintura com todo o carinho que sempre dedico aos meus trabalhos, e achei o resultado melhor que a anterior. Principalmente o acabamento das escamas e das pedras (eu amo pintar pedras). Gostei bastante da expressão da figura. O resultado:
Materiais utilizados
- papel para aquarela Britannia Hanehmühle 300g;
- aquarelas Van Gogh e Maimeri;
- pincéis Keramik;
- aquarelas peroladas Sakura Koi;
- marcadores Posca e Sakura.
Mermay 2020 | Semana 02
A segunda semana do Mermay quase não aconteceu, em decorrência de alguns contratempos, mas eu não me perdoaria se essa ideia não saísse do papel, de um jeito ou de outro. Mas antes de falar dela, gostaria de agradecer todo o feedback positivo que recebi pela primeira sereia, principalmente no que diz respeito à textura da figura. E acredito que o grande responsável, além da combinação entre lápis e papel, é o meu scanner que, depois de mais de dois anos, finalmente peguei o jeito. Ele capta muitas nuances, que consigo ressaltar na edição final.
Para essa semana, fui atrás de alguns mitos e lendas, e resolvi representar uma selkie, que não é bem uma sereia, mas sim uma criatura que faz parte da mitologia escandinava. As selkies vivem em alto mar como focas, mas podem retirar suas peles animais para se tornarem humanas e andar sobre a terra. Caso um humano roube a pele de foca da selkie, passa a exercer poder sobre ela.
Para essa ilustração, continuei procurando referências de corpos que não fossem padrãozinho, com cintura de pilão e todos os estereótipos midiáticos. Até mesmo porque as focas são animais que possuem um corpo roliço. Acabou que a minha selkie ficou numa posição que lembra bastante o Abaporu, de Tarsila do Amaral, mas não foi a minha intenção hehehe.
Como a pele é algo muito presente na mitologia das selkies, resolvi ir contra a ideia de pele perfeita, leitosa, photoshopada, e ressaltei bastante as manchas, pintas, sardas, que são marcas pessoais de um indivíduo e, muitas vezes, alvo de bullying, principalmente na infância. Outro elemento que dei especial atenção foi o fundo, com esse céu crepuscular que se confunde com o mar. O tom azul da pele de foca e das pedras é para ressaltar a sensação de frio, em alusão à região de origem da lenda. O resultado:
Essa ilustra também ficou com as texturas bem marcadas, mas não pelo material, e sim pelos efeitos que procurei dar através da tinta. Trabalhei bastante a aguada e a granulação da aquarela, ajudada pela rugosidade do papel. As nuvens e pontos de luz foram feitos com guache branco. Tem bastante informação acontecendo, tudo é bem intenso, e talvez daqui a algum tempo eu ache excessivo demais, mas por enquanto está valendo.
materiais utilizados
- papel para aquarela Britannia Hanehmühle 300g;
- aquarelas Van Gogh e Maimeri;
- pincéis Keramik;
- Guache Talens;
- Marcadores Sakura.
Existe um conto no famoso livro Mulheres que Correm com os Lobos, da autora Clarissa Pinkola Estés, chamado Pele de Foca, Pele da Alma, que conta sobre o arquétipo da mulher selvagem e a capacidade de recuperar nossa verdadeira pele. Abaixo, transcrevo o texto:
Houve um tempo, que passou para sempre e que irá logo estar de volta, em que um dia corre atrás do outro, de céus brancos, neve branca e todos os minúsculos pontinhos escuros ao longe são pessoas, cães, ou ursos.
Nesse lugar, nada viceja gratuitamente. Os ventos são fortes, e as pessoas se acostumaram a trazer consigo seus parkas, mamleks e botas, já de propósito. Nesse lugar, as palavras se congelam ao ar livre, e frases inteiras precisam ser arrancadas dos lábios de quem fala e descongeladas junto ao fogo para que as pessoas possam ver o que foi dito. Nesse lugar, as pessoas vivem na basta cabeleira da velha Annuluk, a avó, a velha feiticeira que é a própria Terra. E foi nessa terra que vivia um homem, um homem tão solitário que, com o passar dos anos, as lágrimas haviam aberto fundos abismos no seu rosto.
Ele tentava sorrir e ser feliz. Ele caçava. Colocava armadilhas e dormia bem. No entanto, sentia falta de companhia. Às vezes, lá nos bancos de areia, no seu caiaque, quando uma foca se aproximava, ele se lembrava de antigas histórias sobre como as focas haviam um dia sido seres humanos e como o único remanescente daqueles tempos estava nos seus olhos, que eram capazes de retratar expressões, aquelas expressões sábias, selvagens e amorosas. Às vezes ele sentia nessas ocasiões uma solidão tão profunda que as lágrimas escorriam pelas fendas já tão gastas no seu rosto.
Uma noite ele caçou até depois de escurecer, mas sem conseguir nada. Quando a lua subiu no céu e as banquisas de gelo começaram a reluzir, ele chegou a uma enorme rocha malhada no mar e seu olhar aguçado pareceu distinguir movimentos extremamente graciosos sobre a velha rocha.
Ele remou lentamente e com os remos bem fundos para se aproximar, e lá no alto da rocha imponente dançava um pequeno grupo de mulheres, nuas como no primeiro dia em que se deitaram sobre o ventre da mãe. Ora, ele era um homem solitário, sem nenhum amigo humano a não ser na lembrança — e ele ficou ali olhando. As mulheres pareciam seres feitos de leite da lua, e sua pele cintilava com gotículas prateadas como as do salmão na primavera. Seus pés e mãos eram longos e graciosos.
Elas eram tão lindas que o homem ficou sentado, atordoado, no barco, e a água nele batia, levando-o cada vez mais para junto da rocha. Ele ouvia o riso magnífico das mulheres... pelo menos elas pareciam rir, ou seria a água que ria às margens da rocha? O homem estava confuso, por se sentir tão deslumbrado. Entretanto, dispersou-se a solidão que lhe pesava no peito como couro molhado e, quase sem pensar, como se fosse seu destino, ele saltou para a rocha e roubou uma das peles de foca ali jogadas. Ele se escondeu por trás de uma saliência rochosa e ocultou a pele de foca dentro do seu qutnquq, parka.
Logo, uma das mulheres gritou numa voz que era a mais linda que ele já ouvira... como as baleias chamando na madrugada... ou não, talvez fosse mais parecida com os lobinhos recém-nascidos caindo aos tombos na primavera... ou então, não, era algo melhor do que isso, mas não fazia diferença porque... o que as mulheres estavam fazendo agora?
Ora, elas estavam vestindo suas peles de foca, e uma a uma as mulheres-focas deslizavam para o mar, gritando e ganindo de felicidade. Com exceção de uma. A mais alta delas procurava por toda a parte a sua pele de foca, mas não a encontrava em lugar nenhum. O homem sentiu-se estimulado — pelo quê, ele não sabia. Ele saiu de trás da rocha, dirigindo um apelo a ela.
— Mulher... case-se... comigo. Sou um... homem... sozinho.
— Ah — respondeu ela. — Eu não posso me casar, porque sou de outra natureza, pertenço aos que vivem temeqvanek, lá embaixo.
— Case-se... comigo — insistiu o homem. — Em sete verões, prometo lhe devolver sua pele de foca, e você poderá ficar ou ir embora, como preferir.
A jovem mulher-foca ficou olhando muito tempo o rosto do homem com olhos que, se não fossem suas origens verdadeiras, pareciam humanos.
— Irei com você — disse ela, relutante. — Dentro de sete verões, tomaremos a decisão.
E assim, com o tempo, tiveram um filho a quem deram o nome de Ooruk. A criança era ágil e gorda. No inverno, a mãe contava a Ooruk histórias de seres que viviam no fundo do mar enquanto o pai esculpia um urso em pedra branca com uma longa faca. Quando a mãe levava o pequeno Ooruk para a cama, ela lhe mostrava pelo buraco da ventilação as nuvens e todas as suas formas. Só que, em vez de falar das formas do corvo, do urso e do lobo, ela contava histórias da vaca-marinha, da baleia, da foca e do salmão... pois eram essas as criaturas que ela conhecia.
No entanto, à medida que o tempo foi passando, sua pele começou a ressecar. A princípio, ela escamou e depois passou a rachar. A pele das suas pálpebras começou a descascar. O cabelo da sua cabeça, a cair no chão. Ela se tornou naluaq, do branco mais pálido. Suas formas arredondadas começaram a definhar. Ela procurava esconder seu caminhar claudicante. A cada dia seus olhos, sem que ela quisesse, iam ficando mais opacos. Ela passou a estender a mão para tatear porque sua vista estava escurecida.
E as coisas iam dessa forma até uma noite em que o menino Ooruk despertou ouvindo gritos e se sentou ereto nas cobertas de pele. Ele ouviu um rugido de urso, que era seu pai repreendendo a mãe. Ouviu, também, um grito como o da prata que ressoa com uma pedra, que era sua mãe.
— Você escondeu minha pele de foca há sete longos anos, e agora está chegando o oitavo inverno. Quero que me seja devolvido aquilo de que sou feita — gritou a mulher-foca.
— E você, mulher — vociferou o marido. — Você me deixará se eu lhe der a pele.
— Não sei o que eu faria. Só sei que preciso daquilo a que pertenço.
— E você me deixaria sem mulher, e a seu filho, sem mãe. Você é má.
Com essas palavras, o marido afastou com violência a pele da porta e desapareceu noite adentro.
O menino adorava a mãe. Ele tinha medo de perdê-la e, por isso, chorou até dormir... só para ser acordado pelo vento. Um vento estranho... que parecia chamá-lo.
— Oooruk, Ooorukkkk.
Ele pulou da cama, tão apressado que vestiu o parka de cabeça para baixo e só puxou os mukluks até a metade. Ao ouvir seu nome chamado insistentemente, ele saiu correndo na noite estrelada.
— Ooooooorukkk.
O menino correu até o penhasco de onde se via a água e lá, bem longe no mar encapelado, estava uma foca prateada, imensa e peluda... Sua cabeça era enorme. Seus bigodes lhe caíam até o peito. Seus olhos eram de um amarelo forte.
— Ooooooorukkk.
O menino foi descendo o penhasco de qualquer jeito e bem junto à base tropeçou numa pedra, não, numa trouxa, que rolou de uma fenda na rocha. O cabelo do menino fustigava seu rosto como milhares de açoites de gelo.
— Ooooooorukkk.
O menino abriu a trouxa e a sacudiu: era a pele de foca da sua mãe. Ah, ele sentia seu perfume na pele inteira. E, enquanto mergulhava o rosto na pele de foca e respirava seu cheiro, a alma da mãe penetrava nele como um súbito vento de verão.
— Ah — exclamou ele com alegria e dor, e levou novamente a pele ao rosto.
Mais uma vez, a alma da mãe passou pela dele. — Ah!!! — gritou ele de novo, porque estava sendo impregnado pelo amor infindo da mãe.
E a velha foca prateada ao longe mergulhou lentamente para debaixo d'água.
O menino escalou o penhasco, voltou correndo para casa com a pele de foca voando atrás dele e se jogou para dentro de casa. Sua mãe contemplou o menino e a pele e fechou os olhos, cheia de gratidão pelo fato de os dois estarem em segurança. Ela começou a vestir sua pele de foca.
— Ah, mãe, não! — gritou o menino. Ela apanhou o menino, ajeitou-o debaixo do braço e saiu correndo aos trambolhões na direção do mar revolto.
— Ai, mamãe, não me abandone! — implorava Ooruk. E logo dava para se ver que ela queria ficar com o filho, queria mesmo, mas alguma coisa a chamava, algo que era mais velho do que ele, mais velho do que ela, mais antigo que o próprio tempo.
— Ah, mamãe, não, não, não — choramingou a criança. Ela se voltou para ele com uma expressão de profundo amor nos olhos. Segurou o rosto do menino nas mãos e soprou para dentro dos pulmões do menino seu doce alento, uma vez, duas, três vezes. Depois, com o menino debaixo do braço como uma carga preciosa, ela mergulhou bem fundo no mar e cada vez mais fundo. A mulher-foca e seu filho não tinham dificuldade para respirar debaixo d'água.
Eles nadaram muito para o fundo até que entraram no abrigo subaquático das focas, onde todos os tipos de criaturas estavam jantando e cantando, dançando e conversando, e a enorme foca prateada que havia chamado Ooruk de dentro do mar da noite abraçou o menino e o chamou de neto.
— Como você está se saindo lá em cima, minha filha? — perguntou a grande foca prateada.
A mulher-foca afastou o olhar e respondeu.
— Magoei um ser humano... um homem que deu tudo para que eu ficasse com ele. Mas não posso voltar para ele, porque, se o fizer, estarei me transformando em prisioneira.
— E o menino? — perguntou a velha foca. — Meu neto? — Ele estava tão orgulhoso que sua voz tremia.
— Ele tem de voltar, meu pai. Ele não pode ficar aqui. Ainda não chegou o seu tempo de ficar conosco. — Ela chorou. E juntos eles choraram.
E assim passaram-se alguns dias e noites, exatamente sete, período durante o qual voltou o brilho aos cabelos e aos olhos da mulher-foca. Ela adquiriu uma bela cor escura, sua visão se recuperou, seu corpo voltou às formas arredondadas, e ela nadava com agilidade. Chegou, porém, a hora de devolver o menino à terra. Nessa noite, o avô-foca e a bela mãe do menino nadaram com a criança entre eles. Vieram subindo, subindo de volta ao mundo da superfície. Ali eles depositaram Ooruk delicadamente no litoral pedregoso ao luar.
— Estou sempre com você — afiançou-lhe sua mãe. — Basta que você toque algum objeto que eu toquei, minhas varinhas de fogo, minha ulu, faca, minhas esculturas de pedra de focas e lontras, e eu soprarei nos seus pulmões um fôlego especial para que você cante suas canções.
A velha foca prateada e sua filha beijaram o menino muitas vezes. Afinal, elas se afastaram, saíram nadando mar adentro e, com um último olhar para o menino, desapareceram debaixo d'água. E Ooruk, como ainda não era a sua hora, ficou.
Com o passar do tempo, ele cresceu e se tornou um famoso tocador de tambor, cantor e inventor de histórias. Dizia-se que tudo isso decorria do fato de ele, quando menino, ter sobrevivido a ser carregado para o mar pelos enormes espíritos das focas. Agora, nas névoas cinzentas das manhãs, ele às vezes ainda pode ser visto, com seu caiaque atracado, ajoelhado numa certa rocha no mar, parecendo falar com uma certa foca fêmea que freqüentemente se aproxima da orla. Embora muitos tenham tentado caçá-la, sempre fracassaram. Ela é conhecida como Tanqigcaq, a brilhante, a sagrada, e dizem que, apesar de ser foca, seus olhos são capazes de retratar expressões, aquelas expressões sábias, selvagens e amorosas.
Mermay 2020 | Semana 01
Chegamos a mais um MerMay. Desde 2016 tento participar desse desafio (da melhor forma possível). Em 2016 fiz apenas um trabalho; em 2017 fiz um por semana e em 2018 também. Ano passado fiquei um pouco cansada e resolvi fazer apenas um. Esse ano, quarentenada em casa, vou tentar fazer uma ilustração por semana. Mas não garanto que vá se concretizar, pois tenho demorado bastante para concluir meus desenhos, o contexto da pandemia não tem me deixado mais produtiva - e está tudo bem com isso.
Para 2020, resolvi passar meus desafios anteriores em revista. Fazer autocrítica é um exercício que melhora demais a nossa percepção sobre as coisas e, por mais que eu tenha melhorado em muitos aspectos meu trabalho, faltava representatividade nas figuras, e isso importa. Por isso, para este ano, decidi retratar sereias fora do padrão estético imposto pela mídia, a fim de que mais meninas e mulheres consigam se enxergar nas minhas ilustrações. E resolvi começar com uma sereia plus size, com seus cabelos curtos, subvertendo alguns estereótipos que rondam esses seres míticos.
A ideia original era deixar os seios completamente à mostra, mas acabei tomando um strike do TikTok por isso, então, prevendo que ia acontecer em outras redes, me auto-censurei, infelizmente. É horrível, mas os algoritmos já não entregam metade dos conteúdos, e eu não queria correr o risco de ter uma conta suspensa ou ser banida. Fica aqui o registro da ideia original, presente nos primeiros esboços.
Vou utilizar somente lápis de cor nessas ilustrações por uma questão logística, pois estou com pouco espaço para produzir, no momento. E também é uma maneira de tentar resolver com outros materiais algumas soluções que encontrei na aquarela, e ver se funciona. Acima, detalhe das escamas com caneta metalizada. Não fiz toda a parte da cauda dessa sereia, apenas sugeri que a parte inferior do corpo é coberta por escamas. Também tentei um efeito furta-cor com o lápis, que não deu muito certo.
Para a pele, trabalhei com azul escuro, laranja, marrom e vermelho. Lembrando que o fatídico "lápis cor de pele" (rosinha ou bege) não é a forma mais inclusiva de representar toda a gama de tons de pele que existe, e muitas outras cores podem suprir muito bem essa demanda, como as que eu utilizei. Ainda falando sobre lápis, utilizei os SuperSoft da Faber-Castell, tenho gostado bastante de trabalhar com eles, e também os tons pastéis da Cis, que são muito bons e entregam bastante pigmentação, realmente me surpreendi com a qualidade. O resultado:
Materiais utilizados
- Papel Concept Hahnemühle 200g;
- Lápis de cor SuperSoft Faber-Castell e tons pastéis Cis;
- Canetas metalizadas Cis, Giotto e Sakura.
Quem quiser acompanhar meu MerMay para além do blog, é só seguir pelo Instagram ou Facebook. Lembrando que a entrega de conteúdo varia de acordo com o que o algoritmo quer, às vezes não chega a 5% das pessoas que me seguem. Por aqui, vou tentar postar toda a semana, juntamente com os processos de criação. Sugiro também acompanhar o trabalho de outras ilustradoras que têm feito um lindo MerMay, como a Karina Beraldo.
E para quem curte acompanhar podcasts, vou deixar aqui o link para o We can be readers, da minha amiga Suellen Rubira, que também está com um blog, ambos dedicados à literatura. A arte ficou por minha conta, com uma das ilustras que mais amo:
Redesenhando: Pirata
Demorou um pouquinho, mas consegui fazer mais um trabalho do meu projeto pessoal para este ano: redesenhar algumas ilustrações antigas, que gosto muito, como parte da comemoração pelos 10 anos do blog. E a escolhida é uma das minhas favoritas, e também a de muita gente: Pirata, de 2013.
Na época, essa ilustra significou muito para mim, pois ela foi feita de uma maneira muito rápida, com um material que curto bastante (esferográfica) e conseguiu dar um fôlego na minha produção. Senti que conseguia ser criativa, despretensiosa e obter um bom resultado se eu curtisse mais o processo e simplificasse algumas coisas.
O que resolvi mudar
Quando decidi mexer nessa ilustração, pensei em não inventar muito, não sair demais da proposta inicial. Aí veio o coronavírus, a quarentena, e toda essa carga emocional que paira sobre as nossas cabeças desde então. Senti que se fosse refazer a pirata nesse momento, ela precisaria carregar uma mensagem a mais. Por isso tomei a liberdade de fazer alterações bem significativas.
A primeira coisa que acrescentei foi um braço. A pirata de 2020 não quer continuar com um dos olhos fechados, por isso ela está prestes a tirar o tapa-olho. Ela quer ver tudo, ela quer ver a verdade. Esse foi o ponto central que trabalhei: ela não está ali para entreter. Ela não sorri, está levemente curvada para frente, com uma expressão cansada. O barco que ela carrega na cabeça está mais elaborado, mais pesado, e dele sai o cordão com uma âncora. Os pássaros também tomam uma forma menos abstrata do que gaivotas infantis sobrevoando a cena.
Depois, a mudança mais radical foi com o material. Utilizei aquarela e, se antes a figura estava flutuando na folha, agora ela emerge da água. E é na direção da água que está o cordão com a âncora. O cabelo tem a mesma cor do líquido, mas continua com a mesma marca que torna a primeira ilustra tão marcante. É um cabelo-kraken. Em seguida, toda a figura ganha cor, o que também deixa bastante diferente da proposta original.
A caneta dourada aqui vem para trazer a ideia de tesouro, que pode ser algo que aprisiona (a corrente no pescoço, a âncora) ou que liberta (os pássaros). Finalizei a figura com lápis de cor e caneta nanquim, como de costume. O resultado:
Materiais utilizados
- Papel para aquarela grana fina Harmony Hahnemühle;
- Aquarelas Van Gogh;
- Pincel Keramik;
- Lápis de cor SuperSoft Faber-Castell;
- Canetas Sakura e Posca.
Acredito que a maior diferença está no espírito da figura: antes ela transmitia alegria, inocência, agora ela está afogada nesse mar de incerteza que o planeta se converteu, carregando seus próprios pesos, seus tesouros ou despojos de guerra, tentando não afundar, tentando equilibrar os sentimentos, mas com esse profundo desejo de liberdade, que está presente no movimento da mão prestes a retirar o tapa-olho.
Se antes o meio mal estava influenciando meu processo de criação, aqui ele está por todos os lados - até debaixo d'água. Deixe um comentário com a sua interpretação e o que você achou das mudanças. Em algum momento desse ano, volto com mais um redesenhando.
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