Eu aceitei a condição de que não consigo andar com um sketchbook comigo, e que funciono muito melhor com folhas soltas do que com as ideias concatenadas num caderno. Prefiro usar o sketchbook para um projeto limitado (é meu pensamento para o Inktober deste ano) e, sim, gosto de ver tudo bem arrumadinho. Deixo a bagunça para essas folhas, que ficam organizadas numa prancheta, na minha parede. É ali que me abasteço de ideias e registro thumbnails e esboços do que virá a ser uma ilustração.

Também são raros os momentos em que a ideia surge e já coloco no papel. Geralmente separo um tempo para fazer vários rascunhos e dali tirar algo mais tarde. Mas esse trabalho não se enquadra nesta categoria. Eu estava no banho quando ela surgiu e não perdi a oportunidade de já deixar registrada.

Embora ainda não tenha postado nada, esse ano resolvi participar do #agostodoartista, projeto da Dessamore, e uma das categorias é filme (devemos desenhar uma cena ou personagem). Resolvi fazer a Éowyn, de O Senhor dos Anéis, pois acho uma das personagens mais fodásticas e chutadora de bundas de toda a trilogia. Rabisquei a ideia inicial, mas enquanto estava no banho resolvi desdobrá-la até a cena icônica em que a guerreira derrota o Rei Bruxo de Angmar [toda a perspectiva de trabalho que adotei é baseada no FILME O Retorno do Rei, não no livro, só para deixar claro].

Faz muito tempo (muito mesmo, acho que a última postagem desse tipo é de 2016) que não faço resenhas de materiais. Há alguns anos adotei a prática de falar sobre o que estou usando de maneira contextualizada, geralmente quando produzo uma ilustração e mostro o passo-a-passo. Acredito que, dessa forma, quem me lê pode ver o material em ação, com um propósito específico determinado e, a partir da minha experiência, decidir se é algo que ela quer experimentar também. Quando esses materiais vão se repetindo, faço uma postagem atualizada com meus favoritos, e daí especifico marcas e outras características, mas tudo dentro da minha esfera pessoal de vivências.

O mesmo acontece com tutoriais. Embora a galáxia em aquarela seja o post mais acessado do blog, não me sinto mais confortável para chegar aqui e dizer como fazer um desenho, mesmo que eu reforce que é da minha maneira, e que ela não é a única. Também prefiro contextualizar dentro de um trabalho autoral, mostrando como pintei a pele, como fiz o cabelo de uma figura, como cheguei na mistura desejada.

Indo um pouco além, também deixei de mostrar muitas coisas do meu espaço de trabalho, principalmente livros. Prefiro trazer para cá coisas significativas, como o livro Pequeno Guia de Incríveis Artistas Mulheres, ou os que uso em sala de aula, pois são obras que vão instigar a pesquisa e o crescimento de quem, por acaso, venha cair aqui.

Todas essas posturas vêm de uma série de confluências: a responsabilidade que é falar sobre algo na internet; a exposição que isso traz; o cenário político atual; o consumismo desenfreado que isso pode gerar; a ideia de que precisamos saber tudo, o tempo todo.

Quando alguém comenta num post antigo desse tipo, dizendo que veio parar no blog por causa de uma resenha ou de um tutorial, e gostaria de ver mais, fico feliz mas não me prendo a isso para continuar escrevendo aqui. Vou mostrando meu trabalho, contando sobre o que acho ser relevante na minha vida docente, mas deixo todo mundo livre para ler ou não ler o blog.

É claro que AMO resenhas, e acompanho blogs que fazem trabalhos maravilhosos, desde produtos para pele até filmes, mas, especificamente em relação a materiais e técnicas artísticas, não pretendo mais dispender tempo e energia para testar, fotografar, organizar e me expor por um produto que pode ter funcionado muito para mim, mas que pode ter sido uma dor de cabeça para outra pessoa. Ou mostrar como fazer um determinado efeito e tempos depois descobrir que existe um jeito muito mais fácil de fazer a mesma coisa, e que fiquei ensinando "errado".

Mas o mais importante de tudo, e o ponto onde realmente quero chegar, é o fator viva a sua experiência. Eu sou o tipo de pessoa que compra muita coisa por impulso, ou por achar a embalagem bonita, ou por decidir tentar uma técnica nova (oi, pastel oleoso!), e sai cada lambança que me deixa dias pensando na quantidade de prestações que ainda vou pagar por algo que achei péssimo, ou no porquê de não ter comprado logo uma coleção inteira do que mais amei testar. E é essa experiência que vejo faltar nos artistas, atualmente.

Todo mundo está tão preocupado em postar seu trabalho da melhor forma possível que acaba perdendo oportunidades extraordinárias de se jogar em coisas novas e absurdas. Picasso foi um artista reconhecido pelo incontável número de experimentações durante sua longa carreira, criando novas técnicas de fazer, apreciar e se relacionar com a arte. Hoje estamos todos preocupados com likes e no melhor que podemos mostrar. Só que nem sempre este melhor é o que realmente queremos mostrar, ou ainda, se realmente queremos mostrar.

Ontem li uma publicação da Brunna Mancuso sobre querer dar novos rumos para a carreira dela, experimentar coisas novas e parar de se importar com números. E acho que todo artista deveria seguir os passos dela. É legal pesquisar sobre materiais novos e marcas confiáveis? Nossa, se é. É legal ter muita gente reconhecendo nosso trabalho? Puxa, nem me fale! Mas também é bom se permitir: experimentar, errar, errar bastante, fazer absolutamente nada, errar mais um pouco, testar novamente aquele tubo de tinta perdido dentro da gaveta, esvaziar todas as gavetas e partir para algo totalmente novo e inóspito.

A experimentação aguça a curiosidade, que anda de mãos dadas com a nossa criatividade. Mesmo que nossos feeds mostrem coisas interessantes e criativas, ou que o blog mais completo ofereça todo conteúdo para começar a desenhar do zero, é só na prática e na tentativa e erro que o trabalho realmente emerge.  

Mais uma para a série de deusas do arco-íris, com seus cabelos coloridos, que tenho feito para me manter produtiva. Tecnicamente, a série terminaria aqui, com a deusa de cabelos verdes, mas decidi fazer uma última ilustração, uma deusa negra de cabelos roxos, então aguardem o número 4. Veja todas as ilustrações aqui.

Para essa ilustra, resolvi usar outros lápis de cor que estavam guardados há muito tempo, os maravilhosos Karat, da Staedtler. São lápis aquareláveis, mas que não deixam a pintura pastosa. Senti que o material que eu vinha usando não daria o tom de verde desejado ao cabelo, por isso troquei. Utilizei somente dois tons de verde, e já consegui esse degradê maravilhoso (nas áreas escuras, usei preto).

O processo de pintura é praticamente o mesmo das outras deusas, começo pelo cabelo e depois vou construindo as camadas de pele. Aqui, novamente usei o Polycolor. O resultado:

Não é de hoje que as discussões sobre mudanças no algoritmo do Instagram tomam conta das redes sociais e grupos dedicados à arte. Muitos artistas, principalmente aqueles com menor visibilidade, estão preocupados com o alcance dos seus posts e possível queda no número de encomendas por conta disso.

Engajamento virou pauta, muito mais do que estudar os fundamentos do desenho, redigir um bom contrato, compreender o processo criativo ou como abrir um MEI. E isso passou a me preocupar, em muitos níveis. Primeiro, porque cada vez mais jovens estão começando a ilustrar, pessoas na faixa dos 15-17 anos, em idade escolar. Segundo, porque o número virou ponto de chegada, e não o trabalho em si. Por isso, gostaria de abrir um espaço para reflexão sobre todas essas questões.

Se você olhar minha última foto na conta artística que mantenho no Instagram, o número de curtidas é pífio. Minha conta estacionou em número de seguidores no começo de 2018 e, de lá pra cá, só cai. Tudo começou a cair quando não tive mais tempo para me dedicar àquela rede social. Dispender vários minutos por dia para seguir, curtir, comentar e compartilhar virou luxo na minha rotina, o máximo que consigo fazer é, duas vezes por semana, curtir tudo o que posso dos meus contatos e postar alguns stories. Foto no feed é raridade ainda maior, visto que também produzo pouco. Somado a isso, deixei de seguir em torno de 500 contas, entre perfis inativos e artistas que já não rolava tanta identificação assim com o trabalho. Acabei criando uma conta pessoal para seguir amigos e postar fotos aleatórias, sem pressão, e desopilei ainda mais daquela rede.

Foi libertador não ter que me preocupar em postar e parar de achar que meu trabalho era medido pelo número de curtidas. Num primeiro momento, a leitura que vocês podem fazer é que hoje eu não vivo de freela e posso me dar ao luxo de não me preocupar em manter redes sociais ativas, mas a realidade é que, mesmo quando eu pegava trabalhos comissionados, raramente eles vinham de redes sociais, mas sim daqui do blog e de indicações. E até hoje, quando surge uma proposta, é porque a pessoa me encontrou pelo blog, ou porque um amigo encomendou algo comigo há alguns anos e me recomendou.

A Camis Gray, ilustradora que adoro, compartilhou um tweet sensato esses dias, que diz:

as vezes to mexendo no behance e vejo uns ilustradores muuuito fodas, e qdo vou ver o instagram tem 300 seguidores... mas tão cheio de projetos incríveis e clientes grandes. é bom ver isso pra tirar um pouco a importância daquela rede que as vezes faz muito mal.

— Tears for Spears (@camisgray) 6 de junho de 2019

É realmente interessante dar uma olhada no Behance para comprovar o que a Camis falou. Tem muitos ilustradores que sequer possuem conta no Instagram, mas estão consolidados no mercado de trabalho, realizando projetos em grandes empresas. Outros tantos usam as redes como forma de divulgar trabalhos pessoais, despretensiosos, pois em alguns casos, a confidencialidade faz parte do contrato, e só depois de finalizada é que a peça pode ser divulgada em portfólio.

Quando vejo postagens em grupos de arte e ilustração, nas quais as pessoas estão arrancando os cabelos por engajamento e criando grupos onde tem hora pra postar, curtir e comentar, fico bastante desconfortável. É como se existisse uma ansiedade coletiva para atualizar o feed e receber curtidas; como se isso fosse medir a importância de um trabalho e gerar dinheiro. Vejo até artistas fazendo "estudo de caso" de profissionais com grande número de seguidores (como o Gabriel Picolo, que tem mais de 2 milhões de seguidores no Instagram e hoje trabalha para a DC), esquecendo-se que quem está no "topo" é porque escreveu uma trajetória de muito trabalho até chegar lá. Não existe fórmula pronta.

E dá-lhe reclamação por não ter visibilidade, por ter muita gente que "não merece" e consegue trabalhos legais, e a pessoa ali, imersa naquele círculo vicioso de tomar os outros como exemplo, sem olhar com carinho para o próprio trabalho, sem enxergar o propósito daquilo que faz. Na minha opinião, é isso que tem matado a capacidade criativa de uma geração inteira de jovens artistas. Ter reconhecimento é legal, receber feedback de um grande público é muito bom, mas saber porque você realmente está ilustrando e aonde quer chegar com seu trabalho é melhor ainda, pois é algo permanente.

Vai chegar um dia em que as redes sociais como conhecemos vão desaparecer. Surgirão outras e, com elas, diferentes formas de compartilhar e consumir arte. Pode ser que toda a internet mude a qualquer instante, e não são as pessoas com o maior número de visualizações que vão sobreviver, mas sim aquelas que realmente amam o que fazem e se dedicam a sempre estudar, aprimorar e buscar parcerias de trabalho sólidas que, independentemente do meio, vão buscá-las quando precisarem de alguém para um projeto bacana.

Arte não é um algoritmo, e a nossa vida também não é.

Photo by Prateek Katyal on Unsplash

Depois de fazer um post atualizado com meus materiais favoritos, chegou a vez de comentar sobre os meus papéis prediletos. Gosto muito de testar coisas novas, algumas vezes me dou bem e descubro materiais realmente interessantes, e em outras fico com o gosto amargo do fracasso e o bolso vazio.

Resolvi dividir esse post em: papéis para aquarela, papéis para desenho a lápis e papéis para marcadores diversos (álcool e água). Vou colocar os links de onde encontrar estes produtos, para que vocês tenham uma média de preço, porém, esta não é uma publicação patrocinada por nenhuma loja, estou dando minha opinião sincera e recebendo 0 centavos por isso.

Papéis para aquarela

Moulin DuRoy grana fina: todos nós sabemos que papéis para aquarela estão entre os mais caros, principalmente se a fibra for 100% algodão. Existem algumas opções no mercado, como este papel da Canson, linha Moulin DuRoy. Ele é um papel intermediário com textura muito boa e excelente absorção da tinta. Não vai ficar encharcado, mas também não vai secar em poucos segundos, permitindo trabalhar de maneira tranquila. O grana fina possui uma textura muito delicada, e não marca demais caso você desejar fazer acabamentos com caneta ou lápis de cor. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.
Arches grana fina: sem dúvidas, o melhor papel para aquarela que já usei. Além de ter uma das embalagens mais chiques e maravilhosas que exitem (sou dessas). Houve uma época que a Arches era distribuída pela Canson, e os preços estavam bem ok para a qualidade profissional do papel. Porém, depois que as empresas se separaram, o preço do Arches foi parar na estratosfera, e nunca mais consegui comprar um bloco para mim. Estou economizando tudo o que dá meu bloco A4 e os bloquinhos em formato de cheque que comprei há milênios por (hoje) irrisórios R$ 75,00. Sobre a qualidade, ele tem tudo o que já mencionei acima sobre o Moulin DuRoy, com o adicional de deixar a cor mais vibrante e uma textura incrível quando finalizamos o trabalho. Parece que você está pintando sobre um tecido caríssimo. E essa é uma característica de todos os papéis dessa marca, eles valorizam muito a sua pintura, e são muito gostosos de trabalhar. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.

Hahnemühle textura fina: esse papel foi uma descoberta e tanto. Ele é relativamente barato e com uma qualidade semelhante ao Arches. Pelo preço do bloco, vale muito a pena o investimento, principalmente se você não está com tanta grana para investir num papel mais caro. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.

Papéis para desenho a lápis

Nostalgie, da Hahnemühle: esse papel também faz parte das minhas descobertas acidentais, e curti muito usar. O bloco A4 vem com 50 folhas de 190g satinadas. O acabamento é liso, ideal para quem não gosta de textura marcada. Tanto o grafite quanto o lápis de cor funcionam bem nele. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.

Layout 180, da Canson: o Layout é outro ótimo papel para quem não curte deixar a textura marcada, sendo também uma boa alternativa para quem gosta de trabalhar com marcadores a base de álcool ou água. Por ser um papel para desenho técnico, até os lápis com as minas mais duras performam bem no Layout. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.

"C" à grain, da Canson: este é para quem gosta de papel texturizado, embora não seja uma superfície tão marcante a ponto de interferir na cobertura do grafite ou lápis de cor. Dá para fazer ótimos efeitos, embora eu ache que o lápis aquarelado fique um pouco embolotado nesse papel. Por ser da linha escolar, tem um bom preço. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.

Papel para marcadores (álcool e água)

Bristol, da Canson: além de ser um excelente papel para marcadores, o Bristol funciona também com lápis de cor e grafite. É uma relação custo/ benefício muito boa, principalmente para quem busca qualidade e economia. Ele suporta tanto os marcadores à base de álcool, como os da Copic, quanto os à base de água (hidrográficas comuns), sem chupar a tinta da caneta com o tempo, deixando o desenho todo manchado. Já aconteceu de um papel da Copic absorver tanto a tinta, que passou para o outro lado da folha e, em seguida, para o papel que estava atrás, estragando duas ilustrações. Aqui dá pra ver um trabalho feito com este papel.

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Para fazer rascunhos e estudos rápidos, qualquer papel sulfite já me serve. Até houve um tempo que eu comprava papéis especiais para sketch, mas não vale o preço, pois a grande maioria vai fora.

Claro que uso outros papéis no meu dia-a-dia, mas estes são os meus favoritos, e os que recomendo para quem está buscando alternativas de trabalho. Como disse anteriormente, os links redirecionam para várias lojas, só para que vocês tenham uma rápida noção de preço, mas garimpando sempre se acha um bom desconto. Espero ter ajudado! Se quiser ver outros posts assim, veja as tags dicas, materiais e também a seção FAQ do blog.