Esta postagem ia demorar um pouco mais para sair, mas como muita gente pediu e recebi mensagens com todo tipo de dúvida, resolvi sistematizar algumas dicas que me ajudaram até aqui a expor meus trabalhos. Já vou deixar bem sinalizado agora que a minha experiência se resume à uma cidade do interior do RS, e não a um grande centro, como São Paulo, por exemplo. Então o que se aplica aqui, pode não ser igual ao que rola em outros lugares. 

Eu comecei a expor ainda na faculdade. Logo no primeiro ano, participei da mostra cultural que acontecia em paralelo com a mostra de produção universitária. E até o final da graduação foi assim. Sempre que havia semana acadêmica, atividades complementares, palestras, qualquer oportunidade de mostrar o que fazia, eu aproveitava. Em 2007, inclusive, participei da etapa regional do Salão SESI Descobrindo Talentos, e todas as vezes que ministrei aulas, cursos e oficinas, incentivava meus alunos a expor.

Assim que saí da faculdade e comecei a investir no trabalho como ilustradora freelancer, continuei com essa mentalidade de expor em qualquer lugar que me oferecesse oportunidade, o que me fez entrar em muitas roubadas. Aqui em Rio Grande, existe uma coisa que apelidei de cultura do varal: a pessoa junta uma meia dúzia de trabalhos e monta um varal com cordinha e pregador de roupa, literalmente em qualquer lugar. Não importa se vai sujar, se vai bater um vento e levar tudo, se vai ficar feio. Isso começou a me incomodar profundamente, pois mesmo que eu creia que a arte deve ser acessível e estar em todos os lugares, por quê diabos tem que ser de qualquer jeito? Então, depois de alguns estresses, passei a recusar convites de última hora para montar exposições em locais que não garantiriam a integridade mínima dos meus trabalhos. Em outras palavras, comecei a selecionar. E, ao contrário do que se possa imaginar, isso não é ser metida: é ter respeito pelo que se faz, e mostrar aos outros como deve ser o tratamento correto com a arte.

1. Tenha algo concreto para expor, sejam conjuntos de ilustrações, séries temáticas, retrospectiva dos últimos anos, comissionados por tema/assunto ou encomenda específica para o local. Mulheres (2015) foi feita exclusivamente para a ocasião, enquanto Elementais (2017) foi uma seleção dos últimos dois anos de produção. Busque unidade;

2. Mantenha suas redes sociais ativas, organizadas e atualizadas, assim, é mais fácil encontrar você e ter o primeiro contato com seu trabalho. Uma dica que dou é ter o mesmo username para as redes principais (você me encontra como lidydutra em praticamente todos os lugares);

3. Mantenha um e-mail profissional e link para o portfólio atualizado e organizado. Muitos lugares fazem o primeiro contato por rede social, mas toda a tratativa é formalizada por e-mail, e é de bom tom você ter uma assinatura no rodapé, com link para seu site. Neste vídeo a Sula e a Ale dão dicas sobre montagem de portfólio;

4. Tenha contatos na imprensa local, centros culturais e museus. Fique de olho em editais de seleção, curadoria e ocupação e, periodicamente, mande um release para esses locais sobre seus projetos e interesse em firmar parceria. Também é legal fazer parte de grupos de artistas no Facebook, que promovem exposições e atividades periódicas. Ano passado, participei de uma exposição no Rio de Janeiro, por conta do grupo Elas por Elas - as desenhistas brasileiras;

5. Após reservar o espaço, defina como será sua exposição: duração em dias ou semanas, originais ou reproduções, divulgação, valores das obras, contrapartidas do local (molduras, cavaletes, limpeza, segurança...). Tenha todas as conversas registradas, tire fotos e catalogue as obras e, se possível, faça contrato. Já passei pelo incômodo de ter trabalhos extraviados e foi o registro fotográfico que me possibilitou recuperá-los;

6. Deixe suas informações de contato, compra e tudo o que for relevante em legendas de destaque, ao lado das obras. E se prepare para uma enxurrada de perguntas via redes sociais, acontece;

7. Cuide da divulgação pessoalmente. Mesmo que o espaço envie press release, não conte só com isso. Dê atenção para quem visita e marca em fotos ou manda mensagens parabenizando, é um cuidado e carinho com o público. Elementais foi toda divulgada no boca-a-boca e pelas minhas redes, pois a imprensa não publicou o release enviado pelo shopping. Mas a audiência fez a exposição acontecer;

8. Não terceirize aquilo que você pode cuidar sozinho como, por exemplo, montagem e desmontagem. Problemas acontecem e, se você estiver por perto na hora certa, pode contorná-los. Também é bom fazer uma visita semanal ao local, para ver se está tudo bem, limpinho e arrumado do jeito que você deixou; 

9. Fazer coquetel de abertura não é mais uma obrigação. Cheguei a discutir bastante sobre isso, e muita gente endossou que não estaria lá pela comida, mas sim por mim. A abertura de Catrinas (2012) foi cheia de gostosuras ou travessuras, com doces e decoração de Halloween, um dia mágico que ficou na minha memória. Mas para Elementais, não senti essa necessidade, por ser num shopping, durante a semana, com muitas pessoas queridas não podendo se deslocar até lá. E caso for fazer coquetel, veja no que o lugar pode ajudar, não arque com tudo sozinho;

10. Não deixe que a frustração sobre algo que deu errado anteriormente tire a sua vontade de expor. Se eu fosse contar todos os percalços de Elementais, vocês chorariam litros. Mas a recepção ao meu trabalho, o público, o apoio dos amigos e da família, me levantaram para seguir adiante, e acabou dando certo. Como já falei acima, problemas acontecem, e nós vamos nos fortalecendo a cada queda, para não cometer o mesmo erro lá na frente, ou saber o risco que se corre ao firmar determinadas parceiras. É um processo de interação muito legal com o público, e uma grande oportunidade de venda.

Resumindo

*Photo by Juan Di Nella on Unsplash

Depois de muito tempo transitando somente entre a aquarela e o grafite, voltei a usar lápis de cor para cobrir totalmente um desenho. Tenho preferido usar este material mais como complemento ou detalhe fino, pois é um processo mais demorado e, vendo alguns trabalhos antigos, sinto que me perdia demais nas cores. Por isso, resolvi fazer este exercício de "reciclar" a técnica que me acompanha desde quando eu nem sonhava em ilustrar.

Materiais utilizados

Então Elementais passou... ontem fiz as últimas entregas dos prints vendidos (só sobraram dois!) e encerro, de vez, esta etapa proveitosa, porém cansativa, do meu ano artístico. Não espero voltar a expor tão cedo, pois minha vida parou para que eu pudesse dar conta de toda a carga física e emocional que esse tipo de atividade representa.

Talvez para quem esteja de fora, seja difícil compreender tudo o que envolve montar uma exposição. Recentemente reli o ótimo livro Reflexões sobre a Arte, do Alfredo Bosi, no qual o autor faz alguns apontamentos muito interessantes. Um deles é de que arte é um fazer humano, um conjunto de atos pelos quais se transforma o que a natureza e a cultura nos oferecem. O mesmo reitera que, por se tratar de uma produção, logo, a arte pressupõe trabalho. A própria distinção entre artista e artífice vem muito mais de uma separação econômica e social do que das diferenças entre o trabalho criativo de um ou outro.

Mas não é raro que uma parcela de pessoas fique com a impressão de que é fácil reunir um número x de obras para serem exibidas, afinal, o artista faz o que gosta e, naturalmente, tem um dom para isso. São tantos equívocos que fica difícil sistematizar, mas vou tentar: em primeiro lugar, todo profissional deveria gostar minimamente do que faz, e isso não vai impedir que momentos estressantes aconteçam, é natural. Segundo, dom não existe. Dizer que alguém tem o dom de desenhar é eliminar qualquer traço de estudo para se aprimorar. Recomendo dois vídeos interessantes sobre o assunto, um da Alê Presser e outro da Ana Blue.

Por trás das ilustrações plenamente alinhadas nos expositores, existe um mundo de trabalho que deve ser reconhecido, a começar pelo criativo: a concepção e execução das ideias, para posterior finalização e tratamento digital. Depois disso, o processo é puramente burocrático: colocar essas artes para venda, ficar de olho nos plágios, atualizar o portfólio e as redes para conseguir mais clientes. Sem contar as horas dedicadas aos estudos. Fora que, na grande maioria das vezes, o artista executa sozinho todas as atividades, desde a ideia que gerou o primeiro esboço, até a fila dos Correios para despachar uma encomenda. É por isso que esse processo não pode desaparecer sob a desculpa de ser fácil ou dom.

Para Elementais, tive que definir praticamente sozinha uma série de pormenores (tive ajuda do Antonio no serviço pesado): me reunir com a assessoria do shopping para escolher o mês; definir a quantidade de trabalhos, o tema e quais ilustras se encaixavam (foram horas planejando somente isso); pesquisar formatos de impressão e orçamentos em gráficas da cidade e de fora; me deslocar até outra cidade para buscar o material impresso; definir o valor final das peças e como as venderia; me programar para o dia da montagem e preparar o esquema de colagem, legendas e códigos interativos; divulgar fortemente, todos os dias; tirar fotos e comentar nas de quem me visitou; responder mensagens com dúvidas dos clientes; monitorar as peças reservadas; ir de vez em quando verificar se estava tudo bem com o material; marcar o dia e hora da desmontagem; desmontar com cuidado para não danificar; deixar o local limpo; fazer o acabamento, embalar e entregar os trabalhos vendidos; monitorar os pagamentos; não esquecer de fotografar e registrar todos os processos - de notas fiscais a e-mails.

Paralelo a isso segui trabalhando, produzindo, atualizando as redes com outras coisas, respondendo outros clientes, tentando estudar e viver um pouco. Então é muito importante criar a consciência coletiva de que quem faz o que gosta, geralmente em profissões criativas (ilustração, música, dança, teatro, animação de festa infantil, hora do conto e por aí vai), tem um trabalho como qualquer outro.

Outra coisa que acontece, frequentemente, é a supervalorização da aura artística, da arte como processo extraordinário, porém, sem fim comercial. Vejo muitos colegas acadêmicos condenarem quem, assim como eu, aceita encomendas, reproduz e vende seus trabalhos, através de uma leitura equivocada do ensaio de Walter Benjamin, publicado em 1936, chamado A obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica. Eu também acredito que o momento da criação é único e que a obra original carrega em si um significado que perdurará muito mais do que uma reprodução, porém, vivemos num mundo conectado, interativo, no qual o público pode acompanhar em tempo real o trabalho de seu artista favorito e, neste cenário, é compreensível que produtos, prints e até mesmo obras totalmente virtuais (como wallpapers para celular, por exemplo) sejam apreciadas - e vendidas. Inclusive, considera-se aqui o caso de ilustrações digitais, que só existem no computador mesmo, fazendo com que toda impressão seja uma espécie de original.*

Eu não quis escrever esta postagem para reclamar, pois só tenho a agradecer por ter mostrado meu trabalho e vendido a grande maioria, além do carinho e comparecimento em massa do público, que não só visitou, como fez questão de me ajudar na divulgação. Meu objetivo é dar visibilidade para este "outro lado" do processo criativo, que envolve burocracias, suor e problemas, mas que, mesmo assim, é uma parte importante do todo e deve ser encarada com a devida seriedade. E se for de interesse dos leitores, posso dar dicas para quem deseja montar uma exposição, a partir das minhas experiências.

Abraços,
Lidiane 💖

*Editei este parágrafo em 10/08 para melhorar a compreensão das minhas ideias.

No início da semana fiz minha primeira live no Instagram (e esqueci de salvar). Não planejei, nem avisei ninguém, apenas peguei o tripé, liguei a câmera e fiquei meia hora batendo papo com várias pessoas queridas e fazendo a line art dessa ilustra. E isso foi muito bom, em vários aspectos. Pra começar, tenho muito medo de desenhar em público; receio dos olhares e julgamentos. Toda vez que penso em ir para o shopping ou até mesmo para a casa do namorado munida de lápis e sketchbook, eu travo e não consigo produzir. Além da tristeza, vem a decepção e aquela pontada de síndrome da impostora.

Mas durante a live várias ideias foram surgindo, eu destravei a mão e consegui conversar sobre materiais, fazer todas as marcações de valores e, inclusive, definir a inspiração para a figura. Estou apaixonada pelo livro Art of Loish, e bebi na fonte das meninas de longos cabelos e cores excepcionais, dessa artista que amo muito, por influência de dona Isabella Pessoa.

Usei novamente o papel do bloco Mix-Media, da linha Canson XL (a primeira foi com Mer-tea) e, mais uma vez, bateu a decepção. A textura do lado direito é muito estriada, praticamente igual ao papel para aquarela da linha universitária, por isso decidi usar o avesso. Prendi bem com fita, para que ele não ondulasse, o que realmente funcionou. Mas na hora de aquarelar, o papel só faz borrão e poça d'água. 

Ao iniciar a marcação com dioxazine já percebi que a tarefa não seria das mais fáceis, e quando coloquei o sombra queimada, tive a certeza: não vai rolar! Não entendo como uma marca disponibiliza no mercado nacional um produto tão aquém do esperado, visto que artistas gringas, como a Jacquelin De Leon, usam esse sketchbook, e ele sequer parece ter a mesma textura (nesse vídeo dá pra ter noção do que estou falando). Fica aquela sensação de comprar gato por lebre, e mesmo que outras pessoas usem e se adaptem, não é um material que eu recomendo.

Depois desse banho de água fria, não queria perder meu trabalho, então levei o caráter multi-técnicas do papel até as últimas consequências. Usei pastel seco para fazer toda a cobertura da pele, trabalhando em tons de azul, marrom e branco. Em seguida, reforcei com lápis de cor e marcador. No final das contas, consegui salvar a ilustra e deixar a pele no tom desejado, mas não sem lançar mão de mil materiais e fazer uma verdadeira fuzarca. A aquarela serviu como base para todo o resto, e se eu tiver que mostrar um ponto positivo desse papel, foi que ele aguentou tudo sem fazer uma ondulação sequer e sem rasgar (somente na hora de tirar a fita).

- papel Canson Mix-Media XL 300g;

- lápis grafite Lyra 2B;

- aquarelas Sennelier e Van Gogh;

- pincéis pelo sintético Keramik;

- Pastel seco e esfuminhos Derwent;

- Lápis de cor Polycolor e Staedtler Karat;

- multiliner Copic;

- guache branco Talens;

- marcador Posca dourado.

Embora tenha conseguido chegar ao resultado esperado (ela lembra a Tempestade, dos X-Men!), fico um pouco frustrada por ter que recorrer a tantos materiais para contornar o defeito de um deles, ainda mais que ando numa vibe de reduzir cada vez mais o que uso. Foi a primeira vez que usei o lápis grafite da Lyra, este sim sensacional, e ocupando desde já um lugar de destaque no meu coração. Lembrando que sempre é bom fixar todo e qualquer trabalho com verniz apropriado, assim, sua durabilidade será maior.

Me conte nos comentários se você já teve problemas com algum material e o que fez para lidar com a situação. E também o que achou de Solar. 🌻

Depois de muito tempo de molho involuntário, criei coragem para retomar os estudos e finalizar alguns rascunhos que estavam em espera. Como contei no último post, o motivo para esse afastamento não foi bloqueio criativo, mas sim cansaço causado pela divulgação da exposição (que segue até o dia 31 de julho). E eu senti muita falta de produzir para mim, de ler os livros que comprei e voltar a estudar anatomia. Decidi que a primeira semana das minhas férias seria dedicada a tudo isso. E, assim, nasceu mais uma ilustração da Série Botânicas: Lavanda.

Além de ter ficado muito satisfeita com o resultado do desenho e da pintura, pois estou sempre tentando refinar o que aprendo da melhor forma, essa ilustra tem um lado sentimental também. Senta que lá vem história...

Sou apaixonada por lavanda, cresci sentindo esse cheiro, já que é o perfume favorito da minha mãe. Lá na infância, minha primeira deo-colônia foi uma lavanda da Xuxa (eu tinha t-u-d-o dela, estamos falando da década de 1980), e até hoje meus perfumes favoritos são aqueles com essência dessa planta, até mesmo incenso, aromatizador de ambientes e produtos de limpeza. Também é uma das minhas cores prediletas, pois transmite calma e acolhimento. E mesmo com todos esses pontos favoráveis, eu nunca tinha desenhado uma florzinha sequer na vida. Já estava mais do que na hora de reverter a situação.

Utilizei uma referência fotográfica apenas para não errar muito nas proporções do rosto, o resto foi desenhado de imaginação, inclusive as flores. Para conseguir esse tom do cabelo, misturei dioxazine, rosa quinacridone e azul da Prússia, bem diluídos em água, até chegar no ponto mais suave. E para espalhar a tinta, bastante aguada. A coloração da pele segue o que já tenho feito nas últimas ilustrações, e aqui reduzi ainda mais o retoque com lápis de cor marrom e multiliner sépia, coloquei somente o necessário. Queria passar suavidade. Só subi o tom na coroa de flores, para dar destaque, inclusive finalizei com uma tinta transparente com glitter.

- Papel Canson Moulin DuRoy;

- Aquarelas Cotman e Van Gogh;

- Pincéis Keramik;

- Lápis 2B Royal & Langnickel e de cor Polycolor;

- Multiliner Copic sépia;

- Tinta Confetti Acrilex.

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