Para compensar a bad vibe do último post (consegui resolver o assunto, mas não sem muito estresse envolvido), quero falar sobre alguns livros que estão me ajudando muito no planejamento das aulas de artes. Ministrar aula para crianças demanda disposição para oferecer atividades lúdicas, que elas sintam prazer em realizar. Por isso, investi em alguns títulos que trazem ideias e recursos, além do conteúdo propriamente dito. É claro que, na maioria das vezes, a realidade da escola pública oferece limitações, principalmente em relação a materiais mais caros, mas tudo é adaptável. 

O título já entrega o que o livro oferece: são 300 atividades envolvendo desenho, pintura, colagem, sucata, escultura, dentre outros. Como disse anteriormente, tem coisas que não se aplicam à realidade da escola pública, é preciso adaptar. Mas o importante é ter uma fonte confiável para buscar essas propostas, principalmente quando queremos tocar num assunto e não sabemos muito bem como conduzir. Por exemplo, quando trabalhei Idade Média, usei uma das atividade de desenho para introduzir o que era díptico e tríptico.

Um livro que me acompanha desde a faculdade, e que vale o investimento (esta é a versão pocket, mais barata). O Gombrich ainda é um dos autores de maior prestígio no que diz respeito à história da arte, por isso, sempre estudo os capítulos referentes à aula que vou ministrar antes de dar qualquer informação para os estudantes. Um bom título sobre história da arte auxilia não só no planejamento das aulas, como também no projeto pedagógico anual e em projetos menores, que podem ser desenvolvidos ao longo dos semestres.

Este calhamaço foi adquirido por causa das imagens. Aula de artes sem imagens não dá! As crianças sentem curiosidade sobre a textura, tamanho das obras, querem saber mais sobre os artistas. Embora eu retire muita imagem da internet e apresente na mídia virtual, o livro tem uma fisicalidade que faz diferença na compreensão do que está sendo mostrado. Também traz algumas curiosidades sobre artistas e períodos.

Meus alunos simplesmente amam esse livro. Ele tem um formato maior e cada período/obra de arte traz um contexto muito interessante, repleto de curiosidades. Também há pequenas imagens mostrando a proporção das obras em relação às crianças, e isso é muito interessante para usar em aula, ajuda no sentido de dimensão espacial. Dá ênfase para a arte produzida fora da Europa e pelos povos originários, o que já é uma vantagem em relação a outros títulos semelhantes.

Meu Livro de Artes

A proposta deste é bastante semelhante ao anterior, com a diferença que traz várias atividades que podem ser aplicadas com as crianças. Já fiz algumas delas como, por exemplo, as máscaras africanas. Novamente, vai do professor adaptar o conteúdo à sua realidade. Se não dá pra fazer com o material indicado no livro, procure na sua escola algo equivalente ou teste maneiras novas de realizar a tarefa. O legal deste título são as releituras, que podem servir como recurso lúdico para as crianças entenderem as obras.

O que um livro precisa ter para ser um bom suporte no planejamento das aulas?

• Informações confiáveis. Tem muita coisa esquisita, pra dizer o mínimo, em várias coleções pedagógicas e também em sites. Referência é tudo;
• Inclusão da arte produzida por mulheres, afinal, estamos em 2018;
• Se afastar do eurocentrismo e trazer obras e atividades relacionadas aos povos originários das Américas, da Ásia, da Oceania e da África. Isso também é o mínimo que um livro de artes deve oferecer em 2018.
• Sobre arte brasileira, existem ótimos títulos da Katia Canton voltados especificamente para crianças, que falarei mais adiante.

Eu não queria ter que vir aqui, neste domingo de sol, para fazer um desabafo tão triste, mas como este é meu blog, meu espaço querido, que continuará existindo independentemente de rede social, me obrigo a deixar o registro: estou exausta.

Hoje à tarde abri meu computador com intuito de pagar alguns boletos (#prioridades) e aproveitei para fazer a checagem semanal de páginas que estão usando algum trabalho meu indevidamente. Sim, eu faço isso quase sempre. É a única maneira que encontrei de me precaver contra possíveis plágios. Toda semana reservo uns minutos para checar páginas que estão na minha "lista negra" (uma série de espaços que já publicaram trabalhos meus sem os créditos) e também colocar meu nome no Google e ver as pesquisas recentes. Parece algo extremamente bobo, mas já peguei muita gente na mentira só com essa ação simples. Só que hoje, ao colocar meu nome nas pesquisas recentes do Google, apareceu um link ativo da Urban Arts.

Em 2015, após uma mudança nos termos de uso do site, que passou a exigir exclusividade em cima das obras, resolvi encerrar minha conta nesta loja virtual, visto que vendia relativamente pouco. Entrei em contato por e-mail e Facebook, sendo atendida muito solicitamente neste último. Fechei minha loja, agradeci a oportunidade e dei a questão como acabada. Mas hoje, o link da loja reapareceu, como que por magia, não só ativo mas com seis trabalhos que eu já havia retirado de lá sendo vendidos, sem meu consentimento.

Uma loja online, que diz apoiar artistas, lucrando em cima deles na maior cara de pau. Imediatamente comecei a mandar mensagens por todos os canais possíveis, tirei prints das conversas lá de 2015 sobre o encerramento do espaço, e publicizei nas minhas redes sociais todo o descontentamento e indignação que a questão trouxe.

Novamente digo: estou exausta. Porque não é a primeira vez e, infelizmente, não vai ser a última que alguém vai querer lucrar em cima da minha arte e da arte de outras pessoas. Estou exausta de ter que entrar em contato e ameaçar com processo toda vez que uma página ou loja faz algo de errado comigo, justamente porque essa responsabilidade não é minha. Ética e respeito deveriam ser coisas sagradas, não deveríamos nos preocupar com isso.

Estou exausta de receber mensagens em tom blasé de "nós não sabíamos que a arte era sua", "achamos a imagem sem os créditos", "você deveria se proteger mais".

Empurrar para cima do artista (algo que acontece muito frequentemente com mulheres, vejam só) a responsabilidade de terceiros terem ética é assinar um atestado de que é culpa nossa se nossos trabalhos forem roubados. É culpa nossa se quisermos ter visibilidade, se quisermos viver dignamente dos frutos dos nossos sonhos, do nosso trabalho. Por que artista bom tem que passar fome, não é? Tem que viver na invisibilidade, aceitando as poucas migalhas que jogam para ele...

Estou exausta de ver domingos arruinados, de gastar tempo, energia e dinheiro arrumando a lambança alheia, de ter que me explicar 500 vezes sobre porque divulgo e como divulgo o que faço. Eu não tenho solução, eu não sei o que fazer. Só vim aqui desabafar, mesmo.

Atualização 04/07/2018: ontem a equipe da Urban Arts (depois de pedir para que eu aguardasse por dois dias) entrou em contato para esclarecer a questão. Disseram que houve um problema na plataforma devido a uma atualização, com as artes em formato ímã, e que por isso as minhas voltaram para o site. Nenhuma foi comercializada, segundo eles. As artes já foram retiradas do ar. Porém, fiz questão de pontuar duas coisas fundamentais: a primeira é que a UA deveria, em tese, ter retirado todas as minhas artes da sua base de dados em 2015, quando encerrei meu espaço. Esse problema no site demonstrou que eles ainda estão de posse dos arquivos e pode fazer o que bem entender com eles, a qualquer momento. Isso é errado. A segunda é que o link permanece ativo com meu nome, mesmo não tendo arte nenhuma. É uma loja "vazia". Ou seja, quem me procura pelo Google cai nesse link e gera tráfego para a UA, e não para minha loja oficial ou meu site. E isso também é erradíssimo. Falei que vou continuar monitorando e insisti para que retirem minhas artes de sua base de dados na amizade, e para que deletem aquele link maldito, para não ficar gerando tráfego no meu nome. Dificilmente vou conseguir alguma coisa sem uma carteirada judicial, mas é o que temos. Agradeço todas as pessoas que compartilharam e se solidarizaram com a minha situação.

Atualização 05/07/2018: este tweet. 

Photo by Oscar Keys on Unsplash.

Deusa Beyoncé lançou clipe novo totalmente gravado no Museu do Louvre e isso é motivo mais do que suficiente para que eu traga a terceira parte do post sobre clipes musicais com referências na história da arte (veja aqui a parte 1 e aqui a parte 2).

O álbum surpresa da Bey e do Jay Z veio acompanhado desse clipe maravilhoso, para o qual o casal simplesmente fechou o Louvre para gravação (#poder). Tem muita análise quadro a quadro rolando pela internet, e o que posso dizer, dentro da minha experiência no estudo da história da arte, é a importância de dois artistas negros usarem um espaço historicamente  branco/colonizador para contar sua história e dar protagonismo a um elenco também negro. Beyoncé da Samotrácia é ♥

Esse clipe ficou de fora das outras seleções por incompetência minha, mesmo. A obra foi dirigida por Natasha Pincus e a body art que cobre os artistas via stop motion é de autoria de Emma Hack.

Certamente você já deve ter visto um gif desse clipe rolando pelo Facebook, sem saber que se tratava da cantora chinesa Jane Zang. Nele, é possível ver referências a várias obras que ganham vida, de Van Gogh a Dalí.

Um dos clipes mais clássicos da banda grunge é também uma obra-prima da animação, dirigido por Kevin Altieri e Todd McFarlane. Envolveu o trabalho de mais de cem (eu disse c-e-m) ilustradores, que tiveram em torno de um mês para finalizar as artes do clipe.

O clipe usa como pano de fundo o quadro A Liberdade Guiando o Povo, de Eugéne Delacroix. O próprio nome da canção foi extraído de uma obra da mexicana Frida Kahlo.

Um dos clipes mais caros da história da música, a colaboração futurista entre os irmãos Jackson se passa em uma nave espacial, na qual Michael visualiza e quebra algumas obras referentes a diversos períodos artísticos.

Por fim, a banda que é sensação entre todas as minhas amigas ilustradoras tem um clipe que além de se passar em um museu, traz algumas referências a pinturas famosas e escolas artísticas.

Espero que tenham curtido minhas indicações, assim que eu recolher mais referências, volto para uma 4ª edição do post.

Tive a honra de ser convidada pela minha amiga Isabella Pessoa para compor seu projeto Ink Dancers, que entrará em breve para financiamento coletivo no Catarse. Ink Dancers foi o tema que a Bella escolheu para o Inktober do ano passado, e todas as bailarinas maravilhosas que ela criou podem ser conferidas lá no Instagram. Uma delas, inclusive, é em minha homenagem e eu não poderia ter ficado mais feliz com isso.

Há três anos atrás eu já havia produzido uma bailarina, para uma escola de dança, com um cabelo de galáxia bem expressivo, e resolvi retomar o tema, só que dessa vez todo o corpo da bailarina foi coberto de estrelas e nebulosas. Deixei apenas as sapatilhas douradas em evidência.

- Papel para aquarela Arches satinado 300g;

- Aquarelas Sennelier e Cotman;

- Guache dourado Talens;

- Canetas Pentel e Posca douradas e brancas.

Espero que a Bella tenha curtido o resultado e já estou louca para ver o artbook pronto! Assim que tiver detalhes do projeto volto aqui para divulgar, lembrando que sua ajuda é muito importante para que os sonhos dos seus artistas preferidos se tornem realidade. E para conferir o trabalho lindo da Bella e encomendar uma ilustra personalizada, é só segui-la em @bellapessoa.

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Disclaimer: Neste post vou preservar as identidades dos estudantes por motivos éticos, apresentando imagens que não mostrem seus rostos.

Sempre que posto alguma foto referente à escola nas minhas redes sociais, vem uma leva de pessoas perguntar como tem sido a experiência docente, e também deixar recados muito carinhosos, que certamente fazem a diferença no meu dia-a-dia de pessoa ansiosa, que acha sempre que está indo pelo caminho errado.

Trabalhar com crianças pequenas tem sido extremamente diferente de tudo o que já vivi (e olha que tenho bastante história pra contar). Elas são muito receptivas à arte e descobrir coisas novas, sejam materiais, lugares, conceitos, e também muito antenadas no que acontece nas plataformas virtuais, nos super heróis e músicas do momento. Por isso, tento sempre integrar as atividades com o cotidiano delas, sem deixar de apresentar coisas novas e histórias das regiões do mundo que estamos estudando.

Minha base de trabalho é a história da arte pois, a partir dela, é possível contemplar os objetivos de aprendizagem disponibilizados para as escolas, e também oferecer repertório visual diversificado, abrindo bastante margem para as atividades gráfico-plásticas. Tento sempre focar no desenho, que é minha área nativa, pois uma das coisas não tão legais que notei logo no início é que as crianças têm desenhado pouco. 

Uma das primeiras atividades que fiz foi a produção de um retrato e um autorretrato (acima), não só para trabalhar observação e imaginação, como também para despertar o respeito pelas diferenças e pelo espaço dos colegas. Antes de entrar no estudo da história da arte propriamente dito, fiz uma introdução de conceitos básicos como memorização, dimensão espacial, sentido de direção e também elementos básicos da linguagem visual. 

Nas imagens anteriores, alguns trabalhos sobre pintura rupestre, desenvolvidos pelas turmas de 1º ano. A foto que abre esse post é da aula sobre máscaras africanas, que fiz com o 3º ano. A turma confeccionou máscaras em papel kraft, recortes de revistas, barbantes, lã e lantejoulas.

Aqui, eu no Dia Nacional do Livro Infantil, representado a Cuca do Sítio do Pica-Pau Amarelo hahaha. Foi um dia muito divertido, várias professoras encarnaram personagens de Monteiro Lobato, e eu pude me realizar ao entrar com a trilha sonora da sensacional Cássia Eller! Acho que as crianças passaram uma semana me chamando de Cuca hehehe...

Eu vou criar uma categoria específica para assuntos relacionados ao ensino de Artes, chamada Sala de Aula. Por enquanto, queria só matar a curiosidade de quem sempre pergunta pelas aulas, mas aos poucos quero sistematizar postagens de ajuda, como planos de aula e atividades para quem ministra aulas para Educação Infantil e Anos Iniciais. Tem muito material bom para os Anos Finais e Ensino Médio, mas senti bastante dificuldade em relação aos pequenos, por isso, quero usar minha experiência para montar um pequeno repositório para ajudar outros(as) professores(as).

A internet é esse lugar maravilhoso, que nos proporciona entrar em contato com pessoas de várias partes do mundo, firmar parcerias, tecer amizades que se expandem para o mundo real e mostrar nosso trabalho para o maior número possível de apreciadores e clientes em potencial. Se não fosse pela exposição na web, certamente eu ainda estaria guardando desenhos numa pasta catálogo preta, sem ter coragem de mostrá-los para ninguém, o que dirá vendê-los.

Mas existe um lado obscuro da rede, onde as pessoas não têm o menor pudor em utilizar perfis falsos (ou até mesmo suas próprias contas pessoais) para destilar ódio contra os outros. Supostamente protegidos pelo anonimato e por um avatar, esse grupo se acha no direito de falar todo tipo de impropério nas contas alheias, com a desculpa de ser só a sua opinião.

Nos últimos dias, passei por uma onda de hate que há muito tempo não acontecia. Minha última ilustra recebeu uma enxurrada de comentários ofensivos no Pinterest, que iam desde "essa droga não está parecida com a Marilyn" até "o que está acontecendo nesse nariz, ela parece estar cheirada". Na hora minha reação foi reportar tudo como spam e bloquear os perfis, a maioria em inglês e sem foto, contas inativas ou robôs usados para causar estrago, mesmo. 

Pessoalmente, não me sinto mais ofendida com esse tipo de prática, pois se uma imagem é repetidamente compartilhada, vai aparecer algum comentário escroto, é inevitável. No caso da minha ilustra, ela foi salva várias vezes num curto espaço de tempo, e pode ter atraído um público que não é o meu. Mas já passei por situações horrorosas, que estragaram meu dia e me deixaram super mal, então gostaria de deixar algumas dicas que ajudaram a me blindar mais contra os haters.

Essa frase é do Lenadro Karnal, uma pessoa que certamente lida com muitos haters, e que adotei para a vida. Eu simplesmente não dou palco para os odiosos, pois o que eles querem é aparecer. Quanto mais você tenta rebater um comentário ou argumentar com a pessoa, pior fica e mais audiência ruim você chama. A solução que encontrei foi dar block logo de cara. Simples assim, não tem conversa, pois o hater não quer discutir de maneira saudável com você, ele só quer ter razão e achar que a sua opinião é a verdade absoluta. Aqui funciona mais ou menos como o paradoxo da tolerância.

Quem é frequentador assíduo do blog já está acostumado com os comentários moderados, inclusive tenho uma página inteira dedicada à política de privacidade que adotei. A moderação inibe uma série de atitudes maldosas, visto que o comentário não ficará visível logo de cara, e perderá seu "efeito surpresa". Já a maioria das redes sociais possui filtros de palavras, que nada mais são do que listas de termos que você considera ofensivos e que não gostaria de ver atrelados ao seu trabalho. No meu Instagram, por exemplo, um dos termos filtrados é "vagabunda". Também é possível definir um filtro geral para comentários, assim, palavras de baixo calão são automaticamente retidas em spam.

Essa talvez seja a dica mais difícil, mas realmente não leve para o lado pessoal. A maioria dos haters sequer conhece você ou seu trabalho, e acabou caindo no seu perfil "acidentalmente". Eu costumo dizer que essas pessoas fazem roleta russa sobre quem vão importunar e, de vez em quando, temos a má sorte de sermos sorteados. Caso o hater seja alguém que você conheça, tente procurar a pessoa no privado e perguntar o que está acontecendo. Isso vale para as famosas indiretas, quando você se vê num fogo cruzado de shade e não sabe como proceder. Chame no privado e pergunte o que houve, uma boa conversa resolve na maioria das vezes.

Se o comentário maldoso extrapolou todos os limites e virou perseguição, tome medidas legais. Tire prints de todos os comentários e conversas e registre um boletim de ocorrência na delegacia de crimes virtuais. Se a pessoa insistir em perturbar, diga que todas as providências já foram tomadas e a polícia foi acionada. Isso ajuda a coibir a ação desses perfis e serve como prova num futuro processo.

Espero ter ajudado quem está passando por uma situação constrangedora na internet e repito: não deixe que meia dúzia de pessoas desocupadas atrapalhem sua vida e seu trabalho. A rede é maravilhosa em vários aspectos e ajuda muitas pessoas que não teriam a oportunidade de desenvolver sua arte se dependessem só do mundo real. Cerque-se de pessoas do bem, que darão suporte a você e coragem para seguir adiante. Seja legal e crie uma corrente do bem entre artistas (follow friday, grupos de interação, etc.). E corte o mal pela raiz quando e se ele chegar até você.

*Imagem por Igor Ovsyannykov via Unsplash

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Ontem a atriz Marilyn Monroe estaria completando 92 anos, caso estivesse viva, e várias homenagens a esta lenda do cinema se espalharam pela internet. E eu resolvi pagar uma dívida antiga, que era fazer um retrato digno da diva, já que todas as minhas tentativas anteriores foram bastante insatisfatórias. 

Num esforço hercúleo, vasculhei meus álbuns do Picasa e descobri este estudo aqui, que até estava bom pela época em que foi feito - 2010, depois de anos sem desenhar - e este outro aqui (da mesma época, vai entender), que apesar de até ter sido publicado numa página dedicada à Marilyn, está o quadro da dor.

Voltando para o presente, achei que era o momento mais apropriado para colocar novamente meus aprendizados em prática e utilizar justamente a minha zona de conforto - o grafite - para entregar um retrato minimamente fiel, com todas as proporções no lugar. Acho que consegui, finalmente!

Já no primeiro rascunho passado a limpo consegui ver semelhança com a foto que peguei como referência. Geralmente vejo os artistas optando por imagens icônicas da atriz, com seus lábios vermelhos e poses sensuais, mas achei esta foto tão meiga e delicada, quase passando uma paz de espírito, que decidi utilizá-la como ponto de partida.

Trabalhei somente com o lápis 4B da Staedtler e esfuminho, e essa caneta dourada da Pentel para a coroa. O papel utilizado foi o Canson XL Croqui. O resultado:

Acredito que consegui chegar ao meu propósito, ainda dei uma leve mexida no Photoshop para arrumar algumas coisas que ficaram fora de lugar. Gostei de como a textura e o tom amarelado do papel deram um ar vintage, que combinou muito com a ilustração. Eterna! 💋

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E o meu MerMay 2018 chegou ao fim! Assim como no ano passado, curti e aprendi muito com esse desafio, além de ficar extremamente feliz com os resultados que consegui alcançar, principalmente por ter me dedicado a produzir toda a semana e reorganizar minha vida para dar conta das atividades da escola (em fim de trimestre) e todo o resto, sem enlouquecer.

O que me deixou mais feliz foi saber que eu posso me organizar para fazer de tudo um pouco, com qualidade, sem precisar abandonar as coisas pelo caminho. Também adorei ver o movimento pela internet, com várias artistas optando por não fazer o desafio de 31 dias, mas apenas algumas ilustras, de acordo com seu tempo e vontade. Acho que desafios de desenho servem justamente pra isso: para incorporar esses temas na nossa rotina, porém sem pressão, seguindo nosso fluxo natural.

A primeira sereia do desafio foi a Delphine, seguida por Naia, Muriel e, agora, Talassa. Todos esses nomes retirei de um blog que sugeria nomes de sereias, não foi nada tão especial quanto em 2017, mas mesmo assim são nomes que emprestam personalidade e estilo para cada ilustração.

Para a última ilustra quis muito fazer um cenário que não fosse abstrato, até mesmo porque a foto que busquei para a referência era de uma modelo na praia. Então, recorri aos meus estudos de dois anos atrás, do curso de aquarela da Sabrina, e decidi pintar o fundo de maneira digna. Para fazer a cor da areia, misturei ocre, burnt umber e cinza payne.

Em seguida, foram camadas e mais camadas de azuis (da prússia, cerúleo) para fazer o horizonte, que poderia ter ficado melhor, mas achei bem digno, visto que nunca mais fiz uma paisagem. Complementei com algumas pedras com algas, e toda a finalização foi com lápis de cor e caneta branca para os pontos de luz. O resultado:

- Papel para aquarela Moulin DuRoy grana fina, 300g, 100% algodão;

- Aquarelas Maimeri, Winsor & Newton e Van Gogh;

- Lápis de cor Polycolor Koh-I-Noor;

- Multiliner Staedtler;

- Caneta gel Sakura branca e Pentel dourada e prata para os detalhes.

Lembrando que sempre fixo meus trabalhos com verniz fosco da Acrilex.

As sereias que mais curti fazer foram justamente a primeira (Delphine) e a última (Talassa). Acredito que não esperava bons resultados com nenhuma delas, e acabei me surpreendendo. Espero que quem me acompanhou até aqui tenha curtido o desafio e se motivado a participar também. Quem quiser conferir todas as ilustras em ordem, é só acessar o álbum do MerMay lá no meu Behance. Deixe nos comentários qual foi sua preferida! 🧜

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