Livros
Mostrando postagens com marcador Livros. Mostrar todas as postagens

Minha opinião sobre os livros para colorir, 10 anos depois


Há dez anos atrás Jardim Secreto virava uma frebre mundial, com milhares de exemplares vendidos. Na época, diversas pessoas tomaram conta do YouTube e do Instagram, as principais redes sociais naquele momento, ensinando como colorir os livros para colorir, mostrando canetinhas diversas (as mais famosas eram as Copic e as Chameleon, que mudavam de cor conforme eram pressionadas) e ensinando as técnicas "corretas" para cobrir peles, paisagens, flores, dentre outros.


Os livros para colorir causaram um alvoroço e, depois de Jardim Secreto, a autora Johanna Basford lançou uma leva de outros títulos explorando mundos mágicos (exceto sobre Halloween pois, segundo ela, não se sentiria confortável em desenhar coisas assustadoras para compor um livro). Também vieram na esteira desse sucesso muitos títulos semelhantes, de mandalas a gatos psicodélicos, passando por obras de arte para colorir e oceanos cheios de tesouros.


Naquela época, fui indagada sobre o que eu achava desses livros, e a minha resposta foi: acho o máximo. Tomando como exemplo Jardim Secreto, era um livro com ilustrações extremamente elaboradas, e requeria da pessoa o desenvolvimento de um senso estético para preencher as composições. Fiz algumas páginas para colorir com ilustrações minhas e, recentemente, montei outro mini e-book com mais alguns trabalhos, e com a mesma proposta.

O que me chateava já lá atrás era a quantidade de gente que brotou do rejunte querendo ensinar técnicas para as pessoas, que só desejavam dar uma pausa e, talvez, recordar a infância, quando também coloriam livros da Barbie e de personagens de filmes e desenhos. Também começou um consumismo desenfreado por lápis e canetinhas profissionais, materiais caros e que servem a outras propostas. Tudo virou uma corrida para mostrar a quantidade de coisas que as pessoas compravam, e teve gente que se endividou em nome desse hobby.

Recentemente, percebi uma movimentação estranha nas estatísticas da postagem na qual dou a minha opinião, de maio de 2015. Em algumas semanas, ela foi simplesmente a postagem mais acessada do blog. Novamente o interesse sobre o assunto cresceu, levantado agora pelos Bobbie Goods. Para a minha surpresa, me deparei com alguns vídeos no TikTok que usavam meu texto como roteiro, me fazendo lembrar aquele gosto amargo do plágio que tanto vivenciei nos 15 anos desse espaço. 

Por isso, resolvi refrescar minha opinião sobre os livros de colorir para adultos. Continuo achando a proposta excelente, mas alguns pontos chamaram minha atenção nessa nova leva de livrinhos:

Infantilização das narrativas: se antes tínhamos ilustrações intrincadas e complexas composições, os livros de colorir atuais apresentam uma infantilização de suas narrativas, substituindo os mundos mágicos elaborados por ursinhos em atividades aconchegantes em suas casinhas. É como se tivéssemos realmente retornado aos livros para colorir da infância, só que dessa vez em folhas de 180g próprias para marcadores a base de álcool.

Não tenho nada contra pintar Bobbie Goods, até comprei um similar. Só achei peculiar essa simplicação dos livros, efeito talvez da massificação e da rapidez trazidas com o TikTok (sempre ele) e com algoritmos contruídos para dar uma experiência cada vez mais individualizada para o usuário, o colocando dentro de uma bolha. Acho curioso como a complexidade das mandalas foi substituída por cenários extremamente simplificados, compostos por céu, casa, chão, urso... É como se até mesmo aquilo que foi feito para um momento de pausa não devesse nos tomar muito tempo, sendo colorido com a maior rapidez possível, o que nos leva ao próximo tópico.

Performance para consumo rápido: se há 10 anos atrás os cenários já eram montados para a performance, agora isso escalonou. É preciso mostrar quantas páginas foram coloridas e como elas foram criativamente preenchidas com cores e texturas; é preciso catalogar as texturas encontradas; é preciso ensinar a sobrepor luz e sombra nas cenas; é preciso ter uma placa muito específica para colocar embaixo da folha, evitando que a tinta passe para o outro desenho; é preciso acelerar o vídeo 2x para mostrar como somos produtivos em nossos hobbies. Fora isso, as canetas do momento são as Touch ou as Ohuhu, que são importadas e caras, junto aos lápis de cor com todo tipo de efeito possível. Toda a performance do colorir é voltada para a rede social, para o desejo e para o consumo. Há quem vai colorir porque realmente quer, e há quem vai vender o desejo não só pelo livro, como pelo material, pela mesa, pelo quarto milimetricamente pensado para aparecer no vídeo, pela luminária, pelo telefone. É doentio e sintomático de uma sociedade em recessão econômica, na qual as narrativas estão cada vez mais conservadoras.  

Uso de IA para baratear custos e surfar no hype: se antes as editoras tinham que recorrer aos bancos de imagem para elaborar um livro para colorir às pressas, hoje é só dar um comando para a inteligência artificial gerar uma infinidade de ilustrações, que podem ser impressas e publicadas em questão de dias. São imagens que emulam os Bobbie Goods e também qualquer outra coisa que seja relevante o suficiente para alguém obter lucro com ela. Os direitos autorais não importam, o que importa é o dinheiro que se pode ganhar com isso. De editoras grandes a pequenos criadores que enxergam nesses livros gerados por IA uma oportunidade de renda, vamos engrossando o caldo das imagens massificadas e não fazendo os debates que precisamos sobre as implicações éticas, ambientais e estéticas dessas novas tecnologias.

Livros para colorir de artistas que recomendo


Mini e-book para colorir: ano passado lancei um mini e-book com poucas ilustrações, pois já lancei várias páginas para colorir ao longo do tempo e as disponibilizei gratuitamente. Esse e-book foi feito com a exposição Trívia em mente, para quem gosta de figuras femininas poderosas.



Wildflower Folk, da Christine Karron: descobri esse livro nas minhas andanças pela Amazon e achei uma pérola. Talvez eu nunca tenha coragem para colorir essas páginas, pois elas já são por si só uma obra de arte. A Christine está lançando outro livro de colorir, então vale a pena acompanhar o trabalho dela.

Wildlings, da Clarissa Paiva: a Clarissa é uma artista brasileira com um traço lindo e mágico, e o seu livro de colorir foi lançado em 2021. As ilustrações, assim como as da Christine Karron, são maravilhosas mesmo sem colorir, a vontade é de emoldurar todas.

31 bruxas para colorir, da Carol Rempto: esse é para quem curte personagens de terror fofos, com 31 desenhos de bruxas. Dá pra colorir um desenho por dia, numa espécie de desafio ao estilo Inktober.

Floriography Coloring Book, da Jessica Roux: para quem gosta do livro Floriografia, ele possui uma versão para colorir (ainda não traduzida). O diferencial desse livro é que na página ao lado está a ilustração completa com cores, que serve como uma espécie de guia.

Não são de colorir, mas inspiram a criar




Painting Calm, da Inga Buividavice: outro livro que achei na Amazon ao acaso, Painting Calm tem uma proposta slow, com aquarelas inspiradas nas cores e formas da natureza. É um livro com atividades tanto para principiantes quanto pessoas experientes em aquarela, feito para desestressar e ampliar o repertório imagético.



Watercolor with me in the forest, da Dana Fox: esse livro é todo feito em papel para aquarela com excelente gramatura, suportando muitas camadas de tinta e água. Traz ilustrações mágicas, inspiradas na natureza, e também o risco do desenho, para que a pessoa foque em aquarelar, de acordo com as guias apresentadas.

Uma coisa é certa: temos a necessidade de criar algo e, seja através de livros para colorir, para desestressar ou para aquarelar, o importante é que cada um procure aquilo que o faz feliz e bem, não só porque está na moda, dá status ou visualizações. Se o desejo é movido pelo consumismo ou pela ideia de "não ficar para trás" numa modinha, pense duas vezes antes de gastar dinheiro com livros, canetas e lápis.

*Os links para os livros das artistas mencionadas não são patrocinados.

Leia mais →

Linda Nochlin e "Por que não houve grandes mulheres artistas?"

 

Salomé com a cabeça de São João Batista, Artemisia Gentileschi, 1610-15.
Salomé com a cabeça de São João Batista, Artemisia Gentileschi. 1610-15.

Por que não houve grandes mulheres artistas? é um artigo de Linda Nochlin publicado na década de 1970, no qual a autora responde a essa questão de maneira incisiva: não existiram grandes mulheres artistas do mesmo modo que não existiram grandes artistas orientais, africanos e sul-americanos, pois a arte ocidental está alicerçada num forte recorte social, que privilegia o homem branco europeu burguês. Fora desse recorte, não há espaço para se pensar a genialidade ou a grandeza artística.

Eu poderia encerrar o post aqui, mas são tantas camadas (e longe de mim contemplar todas elas), que minha cabeça ficou fervilhando após a leitura do texto. Na realidade, ela vem fervilhando desde Modos de Ver, que trouxe uma forte interrogação e me fez entrar num hiato de produção pessoal, justo por não ver muita coerência entre a minha leitura e a minha prática artística. E é saudável que esses momentos de choque aconteçam, pois o questionamento é uma constante da vida, quem não se questiona é porque já se conformou com uma situação péssima, ou é tão privilegiado que pode se dar ao luxo de viver uma existência alienada da realidade.

Em Modos de Ver, John Berger traz uma problematização extensa sobre alguns dos pilares imagéticos da tradição ocidental, como o nu, a pintura a óleo e a natureza morta. Todos esses, em algum grau, servem para reafirmar a noção de propriedade sobre alguém ou algo, seja do corpo da mulher, do acúmulo de riquezas ou de grandes extensões de terra. E como proprietário, se entende o homem branco europeu burguês.

Nochlin faz um caminho semelhante, partindo do pressuposto de que a pergunta é um tanto truncada. Ela nos leva a pensar, num primeiro momento, que sim, existem muitas mulheres artistas, e passamos a elencá-las como uma lista de supermercado, justificando que não há cabimento pensar que grandes mulheres artistas nunca existiram. Ou então, seguimos a linha de que há um estilo de arte inerentemente feminino difícil de mapear.

Mas, de acordo com Nochlin, a resposta correta é de que não existiram grandes mulheres artistas do mesmo modo que não existiram afroamericanos equivalentes a Kooning ou Warhol, pois as coisas na arte e em tantas outras esferas é desestimulante “para todos aqueles que, como as mulheres, não tiveram a sorte de nascer brancos, preferencialmente classe média e acima de tudo homens.” (p. 8)

a ingênua ideia de que arte é a expressão individual de uma experiência emocional, a tradução da vida pessoal em termos visuais. A arte quase sempre não é isso; a grande arte nunca o é. O fazer arte envolve uma forma própria e coerente de linguagem, mais ou menos dependente ou livre de convenções, esquemas ou noções temporalmente definidos que precisam ser aprendidos ou trabalhados através do ensino ou de um período longo de experimentação individual. A linguagem da arte, materialmente incorporada em tinta, linha sobre tela ou papel, na pedra, ou barro, plástico ou metal nunca é uma história dramática ou um sussurro confidencial. (p. 7)

São poucas as áreas vistas como historicamente femininas que são disputadas por homens e, quando isso acontece, geralmente a posição alcançada surge acompanhada pelo status: homens cozinheiros se tornam chefs, por exemplo, enquanto as mulheres seguem exercendo as funções mais rotineiras dessas profissões.

No cerne da pergunta Por que não houve grandes mulheres artistas? estão embutidos vários estereótipos a respeito do fazer artístico, dentre eles, o mito do Grande Artista, aquele que possui a genialidade, sem levar em conta as condições sociais, econômicas, de gênero e raça que possibilitam que esses artistas desenvolvam suas técnicas. Isso cria uma narrativa romantizada e cheia de lendas sobre artistas descobertos em condições excepcionais, ou que superaram seus mestres de maneira notável. Mas, como aponta Nochlin:

Não há dúvida, por exemplo, que o jovem Picasso tenha, aos quinze anos (e, em apenas um dia) passado em todos os exames admissionais para a Academia de Arte de Barcelona e, mais tarde, para a de Madri, uma grande demonstração de proeza, já que a maioria dos candidatos precisava de um mês para tal. Porém, gostaria de saber mais sobre histórias semelhantes de candidatos precoces que não alcançaram nada mais além da mediocridade ou o próprio fracasso. Estes são casos que não interessam aos historiadores da arte, estudar com mais detalhes, por exemplo, o papel protagonizado pelo pai de Picasso, professor de arte, na sua precocidade pictórica. E se Picasso tivesse nascido menina? Teria o senhor Ruiz prestado tamanha atenção ou estimulado a mesma ambição de sucesso na pequena Pablita? (p. 17-8)

Nos Séculos XVII e XVIII, a transmissão da profissão artística de pai para filho era amplamente reconhecida. E os filhos dos acadêmicos não pagavam taxas pelas aulas. Muitos artistas tinham pais também artistas, o que ampliava o acesso ao que precisavam para desenvolver sua arte. Sendo assim, esses artistas tiveram contato, desde a mais tenra idade, quando os estímulos são essenciais para aquisição da linguagem e desenvolvimento expressivo, aos materiais e métodos que possibilitaram aflorar seu “talento", em detrimento de qualquer ideia de gênio absoluto isolado do meio social.

Não vou comentar sobre como Nochlin fecha seu texto, pois acho válida a leitura do artigo na íntegra, e também a reflexão trazida pela Edições Aurora no posfácio. Mas o que fica é que precisamos retirar uma grande camada de verniz romantizador da história da arte e de como mulheres e minorias são tratadas pelas instituições oficiais e entre seus pares.

O que fica para mim, enquanto artista, é que não tenho a pretensão de salvar o planeta com a minha arte, nem que sou o último baluarte da arte feminina, mas que o ato de criar é valioso para mim e dá sentido à minha vida. E isso precisa bastar.

O artigo de Linda Nochlin pode ser encontrado aqui.
5★
Leia mais →

Modos de ver, de John Berger

 


Pense num livro que oferece uma visão totalmente disruptiva sobre arte e suas relações com a publicidade e com o capitalismo? Modos de ver é um livro originado a partir da série homônima de 1972. Embora mais de 50 anos separem o lançamento da obra da minha leitura, esse é um daqueles livros atemporais, e que merecem ser relidos de tempos em tempos. Custei a trazer uma impressão aqui, pois foi muito difícil colocar em palavras o tanto que esse livro me impactou, e o quanto eu ansiava por um texto tão incisivo e ao mesmo tempo tão irreverente.


Lá em junho do ano passado eu já tinha publicado um texto reflexivo sobre arte, IA e lifestyle, sobre o que o público espera ver de um artista na internet - não os seus métodos, ou os seus materiais, mas sim a aesthetic da sua vida e quanto isso agrega de valor ao ser consumido. E alguns meses mais tarde, ao ler John Berger, senti que minha linha de pensamento tinha algum fundamento. Vou colocar abaixo a sinopse da editora e em seguida minhas partes favoritas:


Nestes ensaios clássicos baseados na série televisiva inglesa Modos de ver, exibida em 1972, John Berger revoluciona a crítica de arte ao apontar as estruturas de poder presentes no processo de criação de imagens. Se hoje, cinquenta anos após a escrita deste livro, ainda é preciso reforçar que “uma imagem é a recriação ou a reprodução de uma visão” — ou, como afirma Djaimilia Pereira de Almeida em seu prefácio, que devemos encarar “a visão enquanto vivificação e a observação da arte como paralela à observação da vida” —, a leitura de Berger, essencial em tempos de propagandas por toda parte, se faz mais urgente do que nunca.


O primeiro texto parte da pintura a óleo, técnica consagrada pela arte europeia. Após a reprodutibilidade técnica, tornou-se possível ver trabalhos a óleo fora dos castelos, igrejas e residências privadas a que se destinaram um dia, e, isolados de seu contexto original, eles circulam pelo mundo sem serem de fato compreendidos. Quando se instituiu que eram obras de arte, esses trabalhos passaram a ser interpretados — e mistificados — segundo pressupostos como beleza, verdade e genialidade, os quais eram ditados pelo modo de ver específico de uma minoria social no poder.

Em outro ensaio, John Berger aborda a representação da mulher na arte ocidental, apreendendo de que maneiras na tradição do nu o corpo feminino se tornou objeto a serviço do olhar masculino. Com perspicácia, o autor afirma que o protagonista de um nu jamais é mostrado: ele é o espectador diante do quadro, para quem as “figuras assumem a sua nudação”. Berger esmiúça, ainda, as naturezas-mortas, que em seu auge expunham objetos extorquidos por feitorias escravocratas. E não se priva de olhar para o impacto da publicidade no século 20, expondo como ela se vale da tradição artística para explorar os impulsos consumistas de quem a observa.

Coletivo, emancipatório e com toda a vitalidade da insurreição social dos anos 1970, Modos de ver é um tratado contra o sequestro do olhar pela imagem na sociedade capitalista e um alerta para a linguagem não verbal.
A própria sinopse já entrega vários pontos interessantíssimos, e tentar ir além aqui é chover no molhado. Então, trago os pontos que mais me impactaram e me fizeram pensar (e me tiraram o sono):

A reprodutibilidade técnica

Logo no primeiro capítulo, o autor vai trazer uma reflexão atualizada acerca da reprodutibilidade de imagens (Walter Benjamin) e o quanto as reproduções de obras (Monalisa, por exemplo), se tornam elas mesmas referenciais, a partir do momento que são postas ao lado de outras imagens. Berger faz uma crítica à noção de patrimônio cultural nacional, que está amparado numa noção de autoridade da arte.
A arte do passado não existe mais da forma como existia. A sua autoridade está perdida. Em seu lugar, há uma linguagem de imagens. O que importa, agora, é saber quem utiliza essa linguagem e para quais fins. Isso envolve questões de direitos autorais de reprodução, controle de gráficas e editoras de arte, a totalidade da política de programação de galerias e museus de arte públicos. (...) Um povo ou uma classe alienada de seu próprio passado tem muito menos liberdade para fazer escolhas e agir como povo ou como classe que outros capazes de encontrar seu lugar na história. É por essa razão - e só por ela - que toda a arte do passado se tornou agora uma questão política. (p. 46)

Sobre nudez e nudação

Sabe aquele artista que sempre representa o corpo nu, principalmente o feminino, com um toque fetichista e que causa um incômodo que muitas mulheres, ao ver a obra, não sabem dizer de onde vem? Aqui nós temos uma explicação muito contundente (vinda de um homem branco europeu, a ironia). Berger fala que a mulher nasce num espaço pré determinado socialmente, e é acompanhada pela sua autoimagem durante toda a vida. A mulher vive em constante vigília sobre seus atos, principalmente em relação aos homens. "Homens olham para mulheres; mulheres observam a si mesmas sendo olhadas." (p. 58)

Vergonha, vaidade, julgamento e submissão são expressados em nus femininos a partir da história de Eva, dentro da tradição europeia; nus que possuem como protagonista não o corpo desnudo, mas o espectador, geralmente um homem, que olha para ele (modelo e obra) como senhor e dono dessa propriedade. A partir disso, Berger traz os conceitos de nudez e nudação, dentro da tradição pictórica europeia: nudez é estar desnudo, o nu é uma forma artística. Estar desnudo é algo natural, fazemos para tomar banho, por exemplo. Estar nu é ser visto desnudo por outros e se tornar um objeto por isso.

A pintura a óleo

A pintura a óleo que Berger fala não é apenas a técnica, mas sim a forma de expressão artística que se desenvolveu no período de ascensão do capitalismo, e que exigia semelhança pictórica, para que o colecionador pudesse legitimar suas posses através da arte. 
A pintura a óleo teve sobre as aparências o mesmo efeito que o capitalismo teve sobre as relações sociais.  Reduziu tudo ao padrão nivelador dos objetos. Tudo se tornou permutável porque tudo se tornou mercadoria. Toda realidade era medida mecanicamente por sua materialidade. (p. 101)
O mesmo vai acontecer com as naturezas-mortas, que se tornaram a tradução visual das grandes propriedades de terra, encomendadas pelos seus senhores para novamente mostrar um marcador de classe social. Dá vontade de sair correndo e gritando depois de ler esse capítulo.

Imagens publicitárias

Já as imagens publicitárias se valem desses elementos da tradição europeia para nos vender uma vida que não achamos que precisamos ter, mas que o capitalismo tardio nos faz acreditar que sim, precisamos. Elas criam necessidade de consumo.
A publicidade tem sempre em vista o futuro consumidor. Oferece-lhe uma imagem de si mesmo tornada atraente pelo produto ou pela oportunidade que ela procura ven-der. A imagem o induz a invejar a si mesmo tal como ele poderia vir a ser. No entanto, o que torna invejável essa "pessoa que ele poderia vir a ser"? A inveja alheia. A publicidade não tem a ver com os objetos, e sim com as relações sociais. Não é o prazer que ela promete, e sim a felicidade: a felicidade tal como vista do ex-terior, pelos outros. O glamour é a felicidade de ser invejado. (p. 150)
Depois de ler essa paulada, não cheguei a nenhuma conclusão, apenas a reflexões que vão se intensificando através das minhas vivências e do próprio curso da história, vide o que estamos observando acontecer com a moderação de conteúdo em redes sociais e toda a narrativa criada em períodos eleitorais, por exemplo. Ter consciência de toda essa trama é assustador, a vontade é largar tudo e sumir do mapa, mas é extremamente necessário para um artista engajado em seu tempo. Afinal, nossa arte serve a quem?

5★
Leia mais →

Como Ser Artista, Jerry Saltz


Como ser artista foi meu segundo livro lido da Editora Seiva. O primeiro, Arte e Medo, li em maio do ano passado e gostei bastante. Já essa leitura foi bastante afetada pela minha percepção, pois foi logo após ler o excepcional Modos de Ver, de John Berger, que pretendo falar em breve. Então, custei a entrar na ambientação do livro, mas depois que isso aconteceu, gostei bastante da experiência.

Como ser artista foi escrito pelo crítico de arte Jerry Saltz e é dividido em 63 pequenos capítulos, que geralmente não chegam a uma página, como se fossem "pílulas" para artistas. Esses 63 capítulos estão subdivididos em "passos": Você é um completo amador; Como começar de fato; Aprenda a pensar como artista; Entre no mundo da arte; Sobreviva ao mundo da arte; Conquiste um cérebro galático. 

Saltz, por ser crítico de arte, fala com bastante acidez e assertividade sobre o mercado de arte e o cinismo que permeia as relações desse meio, sem romantizá-lo. Esse foi um dos pontos que mais gostei e, de certa forma, me lembrou um livro de ficção que também li ano passado, chamado Meu ano de descanso e relaxamento, de Ottessa Moshfegh, no qual a protagonista trabalha numa galeria e convive com pessoas medíocres, mas com muito QI e investimento.

Quero destacar alguns quotes que me impactaram e que levei pra vida:
Cada obra de arte é uma paisagem cultural do artista, feita de suas memórias, dos momentos que passou trabalhando, de suas esperanças, energias e neuroses, da época em que vive e de suas ambições. Das coisas que são envolventes, misteriosas, significativas, resistentes ao tempo. p. 19

Recentemente eu estava olhando uma série de tediosas fotografias de nuvens em preto e branco quando um galerista se aproximou para me informar que "Essas são imagens de nuvens sobre a cidade de Ferguson, no Missouri. Elas falam sobre protestos e violência policial". Eu me irritei. "Não falam, não! São apenas imagens de nuvens que não têm nada a ver com nada. Não são nem interessantes como fotografia!" Uma obra de arte não pode depender de explicações. O sentido tem que estar ali, no trabalho. Como disse Frank Stella: "Não existem boas ideias para pinturas, existem apenas boas pinturas". A pintura se torna a ideia. p. 59-60

A perfeição não existe. Nada nunca está verdadeiramente perfeito; sempre é possível fazer mais. Que pena! Está tão bom quanto pode estar neste momento e provavelmente isso é mais do que suficiente. O próximo trabalho será melhor, ou diferente, ou mais a sua cara. Não se prenda a um superprojeto para sempre. Por enquanto, faça algo, aprenda algo ou siga em frente. Caso contrário, afundará até a cintura na areia movediça do perfeccionismo. p. 73

Não posso pegar leve nesta próxima parte: algumas pessoas são mais bem relacionadas que outras. Elas vão conseguir doze apoiadores mais rápido. O mundo da arte está cheio de gente privilegiada. É injusto e é desigual. Especialmente para mulheres e artistas que foram racializados, assim como para aqueles acima dos quarenta. O caminho é mais difícil para esses artistas. Todos nós precisamos mudar isso. p. 110

Na maior parte das vezes, as características do seu trabalho que mais incomodam as pessoas são precisamente as que precisam ser cultivadas, levadas tão ao extremo do eixo do vício que acabam se tornando virtudes. p. 123

Vale destacar também os capítulos em que Saltz fala sobre a invenção da perspectiva pelo Ocidente; sobre o uso do ateliê como espaço sagrado do artista; e também o capítulo Arte é um verbo, no qual ele critica o lugar passivo que a arte tem em museus e galerias, sendo que ela historicamente é algo ativo, que permeia a nossa vida e nossas experiências.

Como ser artista é um livro rápido de ser livro e uma boa indicação para as férias.

4★

Leia mais →

Arte e Medo

 


Disclaimer: O Rio Grande do Sul está em estado de calamidade pública, devido às enchentes que atingiram quase 90% das cidades. O site AJUDA-RS tem uma lista atualizada de locais para doação, vaquinhas confiáveis, pessoas e animais encontrados, abrigos e voluntariado. Ajude o RS doando, compartilhando e apoiando os gaúchos. Apoie artistas, editoras, agentes culturais que foram atingidos pelas enchentes. Se não puder doar, mande uma mensagem para aquela pessoa que mora no RS, certamente sua preocupação faz diferença nessa hora. Eu estou bem, a salvo, mas a minha cidade também precisa de ajuda. Para ajudar Rio Grande, em específico, recomendo seguir o perfil SOS Rio Grande.

Meu último post foi sobre o livro O Ato Criativo, cheio de ressalvas quanto a abordagem privilegiada do autor. Mas Arte e Medo: observações sobre os desafios (e recompensas) de fazer arte, lançado originalmente em 1993 e traduzido agora pela Seiva, vai totalmente na contramão da leitura anterior.

O foco da obra é no fazer artístico - o fazer de pessoas comuns, fazer que nem sempre será reconhecido, vendido ou exposto num museu, mas que carrega significado e importância para quem o faz. Em tempos de documentar a vida na internet, para deixá-la para uma posteridade que sabe-se lá se virá ou não, um livro com mais de 30 anos vem nos lembrar que a boa arte é aquela que faz sentido para quem a produz, e que reconhecimento, fama ou qualquer outra contrapartida é quase um efeito colateral.

...as únicas pessoas que vão se importar com seu trabalho são aquelas que se importam pessoalmente com você. Aquelas próximas o bastante para saber que fazê-lo é essencial para o seu bem-estar. Elas sempre irão se importar com o seu trabalho, se não por ser excepcional, por ser seu... (p. 19)

Arte e medo não é um livro carregado de receitas, não ensina a ganhar seguidores e nem a fazer seu trabalho bombar. É um livro que fala muito mais à solidão do artista, aquela da página em branco, e ao medo de iniciar um novo projeto, de não ser bom o suficiente, de se tornar uma farsa ou uma cópia. É o tipo de livro "de ateliê", que nos coloca de novo nos trilhos, quando parecemos estar perdidos no meio do nosso próprio processo.

Na verdade, uma das poucas certezas sobre a cena artística contemporânea é que alguém, que não é você, está decidindo qual arte - e quais artistas - faz parte dela. São tempos difíceis para a modéstia, a artesania e a ternura. (p. 78)

Apensar de ser fininho, a leitura não é tão rápida assim, pois nos faz pensar, recordar, dar voltas e criar cenários e discussões em nossa cabeça. O medo é algo que vai nos acompanhar durante a jornada artística, mas, na minha opinião, a solidão é o ponto-chave do livro e como vamos aprendendo a conviver com ela - muito mais do que o receio de qualquer coisa.

Uma das partes que mais me pegou foi sobre arte e docência, pois passo por isso na minha rotina:

Quem leciona já conhece o padrão. Ao final da semana escolar, o sujeito tem pouca energia sobrando para qualquer atividade artística mais exigente do que preparar argila ou limpar pincéis. Ao final do semestre, dar atenção aos trabalhos inacabados (e aos relacionamentos desgastados) pode muito bem ser mais urgente do que criar qualquer arte nova. Existe um risco real (e com exemplos abundantes) de que um artista que leciona descambe para algo muito menor: um professor que costumava fazer arte. (p. 88)

Após concluir essa leitura, fiquei pensando o por quê artistas precisam de obras assim, que validem seus sentimentos e sua prática (não vejo o mesmo interesse em publicações para cirurgiões, advogados ou engenheiros). Trabalhar com a área de humanas e com subjetividades nos leva a ser testados o tempo todo, e isso é bastante cansativo, pois o trabalho não acaba ao chegar em casa, ele está sempre permeando tudo e bebendo de todas as fontes para ser feito. 

Talvez seja uma das tantas lições que uma sociedade focada na produtividade e na performance deva aprender: que a arte nem sempre vai gerar um produto, nem sempre terá uma utilidade, ou uma explicação óbvia para o restante das pessoas.


5★
Leia mais →

O Ato Criativo: uma forma de ser



O Ato Criativo: uma forma de ser, é um livro escrito pelo produtor musical Rick Rubin. Descobri esse título através das minhas pesquisas pela Amazon e só depois fiquei sabendo do hype em outras redes sociais. Rubin é produtor de um dos meus álbuns favoritos, o autointitulado da banda Audioslave, de 2002. E também do Vol. 3: (The Subliminal Verses), do Slipknot, de 2004.


A obra é uma mistura de Roube como um artista & conselhos de vida do autor e, apesar de algumas passagens inspiradoras, como um todo, achei o livro bem mais do mesmo, com aquela vibe espiritual de boutique, vinda de gente privilegiada, que já conquistou uma posição de destaque em seu nicho e agora prega coisas como: tire cinco minutos do seu dia para meditar e você verá um milagre acontecer em sua vida.


O livro é dividido em capítulos curtos, nos quais Rubin fala sobre a fonte para inspiração, a constância no trabalho criativo, o sentido da obra de arte para o artista e para o espectador, alternando com pequenos poemas, que oferecem para os leitores um lembrete do por quê se dedicar à criação e como podemos vencer nosso próprios demônios para enfrentar seja a folha em branco, a primeira nota de uma música ou os movimentos num palco.

Viver como um artista é uma prática.

Você se engaja nela

ou não


Não faz sentido dizer que você não é bom nisso.

É como dizer "Não sou bom em ser monge".

Você vive como um monge ou não.


Tendemos a pensar na obra do artista

como o produto.


A obra real do artista

é um modo de estar no mundo.


(p. 37)

Dentre os capítulos que mais gostei está Hábitos, no qual o autor traz uma lista de pensamentos e hábitos não propícios ao trabalho, dentre eles culpar os outros pelas interferências no seu processo e não se sentir bom o bastante. Também gostei de Sucesso, no qual Rubin fala que essa medida está entre artista e obra; no quanto o artista está pronto para deixar sua criação ir, e não baseado em sucesso popular, que depende de um conjunto de fatores e alinhamentos (muito necessário em tempos de redes sociais). 


Mas o tom geral do livro é bem ligado com espiritualidade, e não há nada de errado com isso, o problema é aquele que falei lá no começo: é o de uma pessoa privilegiada, que pode se dar ao luxo de sair para fazer uma trilha para se reconectar com sua criatividade, por exemplo. E sabemos que essa não é a realidade da grande maioria dos artistas, que estão numa luta diária para pagar as contas.


O Ato Criativo custa R$ 59,90 e não vou impedir ninguém de gastar esse valor, caso queira realmente ler esta obra, mas deixo registrado aqui que existem muitos livros mais densos, com mais lastro teórico e até com vivências artísticas mais próximas da realidade de muitos criadores. Para uma lista com várias indicações que já resenhei aqui no blog, vá até a seção FAQ ou procure pela tag LIVROS.

Leia mais →

Van Gogh: a salvação pela pintura 🌻

Este livro representou um bálsamo, para mim, em meio à pandemia e ao pandemônio nosso de cada dia. Por isso, resolvi comentar brevemente sobre Van Gogh: a salvação pela pintura, do Rodrigo Naves (para quem acha que já ouviu esse nome em algum lugar, ele é o responsável pela introdução do livro Arte Moderna, de Giulio Carlo Argan).

Não tenho pretensão de fazer uma resenha completa, apenas a indicação de uma obra que me fez passar dias pensando em suas proposições. Sinopse:

A obra crítica de Rodrigo Naves caminha em tensão permanente entre as noções de forma e história. Seu livro A forma difícil, lançado originalmente em 1996, é um marco na interpretação da arte brasileira. A partir de leituras minuciosas das obras de Guignard, Volpi, Debret e Amilcar de Castro, Rodrigo discute a dificuldade de emancipação da forma moderna na arte brasileira. Em seus ensaios, a análise da materialidade específica de cada trabalho é sempre o ponto de partida. Não é diferente nesta poderosa interpretação da obra de Van Gogh. Atento à fatura expressiva das icônicas telas do artista holandês, Rodrigo procura entendê-las à luz da ideia de salvação, profundamente enraizada na formação protestante do pintor (seu pai era pastor de orientação calvinista e ele próprio foi pastor assistente). As consequências críticas do argumento são inúmeras ― e contribuem para uma imagem mais nuançada da trajetória do artista, refém de incontáveis estereótipos associados à genialidade e à loucura. O Van Gogh que surge destas páginas não é apenas o gênio instável e atormentado, mas um artista consciente dos mínimos aspectos de seu ofício, ao qual se via ligado como a uma predestinação religiosa. A liberdade de referências típica dos mais prendados ensaístas, o rigor da análise formal ― devedor de exigentes leituras de estética ―, a limpidez do estilo, a originalidade dos pontos de vista, a assertividade das opiniões, o espírito de provocação, todos esses predicados da influente obra de Rodrigo Naves se fazem presentes neste ensaio. Como nos quadros do pintor holandês, vaza luz das páginas deste livro. E ela nos ajuda a enxergar com mais nitidez os enigmas do mundo lá fora.

Como a sinopse já entrega, esse pequeno grande ensaio (pouco mais de 100 páginas, algumas delas preenchidas por imagens, mas de uma densidade gigante) desloca o olhar relacionado estritamente à doença mental, que muitas pessoas imputam à obra de Van Gogh. Aqui, Rodrigo Naves enfatiza outros aspectos que  levaram o artista a desenvolver seus quadros da maneira como conhecemos hoje: sua religiosidade, sua ideia de trabalho, sua postura política e sua maneira de encarar o mundo.

Van Gogh era de família protestante, tendo inclusive atuado como pastor metodista. E, de acordo com o que sugere Naves no livro, o protestantismo está intimamente ligado à ideia de trabalho árduo, e de que há valor em todo tipo de trabalho, desde um açougueiro (atividade considerada "suja"), até um operário. Todos têm a bênção divina. O pintor também era socialista, de esquerda, e sempre buscou estar ao lado da classe trabalhadora. Seus olhar diante das mudanças do mundo moderno e o impacto disso nos mais pobres e na paisagem, também são partes constituintes da sua obra artística.

Vale a pena a leitura das Cartas a Theo, compilado de correspondências que Van Gogh enviou ao irmão, como leitura complementar ao livro de Rodrigo Naves. Deixo aqui um trecho sobre o que Vincent fala sobre desenho:
Que quer dizer desenhar? Como se consegue fazê-lo? É a ação de abrir passagem através de um muro de ferro, que parece interpor-se entre o que se sente e o que é possível realizar. Que fazer para atravessar esse muro, porque não adianta bater fortemente sobre ele; para conseguir, é preciso corrê-lo lenta e pacientemente com uma lima, esta é a minha opinião. (p. 28)
Abaixo, vou deixar o vídeo da live com o autor, que por si só já é uma aula de História da Arte. E a forte recomendação de leitura desse livro. 😉

Leia mais →

Livro: Color Harmony For Artists (Ana Victoria Calderón) 🎨


Este livro foi uma sugestão que vi no Instagram da Ana Blue, que está sempre antenada e estudando muitas coisas interessantes sobre aquarela. Assim que vi, me chamou atenção, primeiro por ser da Ana Victoria Calderón, que é uma artista que acompanho há bastante tempo (ela tem vários cursos na Domestika que estou louca pra fazer). Segundo que esse livro me lembrou muito o site Design Seeds, que pega imagens e extrai a paleta de cores delas, e é uma excelente fonte de inspiração para artistas. E a proposta é realmente bastante parecida com a desse site, já que a obra também foca na experiência de aprender a olhar para uma imagem e retirar dela uma gama de cores para além do "o céu é azul" e "a maçã é vermelha". O grande diferencial talvez esteja no processo criativo da Ana Victoria, e na forma que ela escolheu para compartilhar suas vivências.


O livro começa com uma pequena, mas muito oportuna, introdução à teoria da cor e ao círculo cromático. Saber trabalhar com o círculo já é metade do caminho numa pintura, pois é possível extrair combinações muito interessantes usando cores complementares, análogas e variando tons e temperatura. Eu vou deixar aqui o link para o download de um arquivo em pdf, para quem deseja ter um círculo cromático como referência. Em lojas de materiais artísticos, é possível comprar um como este aqui.


Quem já tem experiência com pintura pode achar essa parte introdutória bem básica, mas eu acho interessante sempre fazer um resgate do que é primordial, pois vejo muitos jovens artistas preocupados em achar um estilo, em ter seguidores, mas negligenciando o estudo dos fundamentos. Então é muito inteligente a autora mostrar, através do seu processo criativo e das tintas que ela gosta de usar, noções como valor tonal. Passada essa introdução, vamos para as paletas propriamente ditas, divididas em diversos assuntos - de animais a paisagens e minerais. Vale destacar que a motivação para a escrita desse livro foi uma visita da Ana Victoria a Sedona, no Arizona, e ao impacto visual que a paisagem teve sobre ela.

A seguir, algumas das paletas que mais gostei:




O grande diferencial desse livro é que, para cada imagem e cada paleta extraída, a autora dá dicas de como chegar a um tom mais pastel, ou como tornar sua aquarela mais vibrante, quais marcas (a partir da experiência dela) têm as tintas mais adequadas para se chegar a um determinado resultado, além de diferenciar bastante os efeitos de aquarelas em pastilha, bisnaga e líquidas, e suas interações com o guache branco.

Ana Victoria tem uma escrita muito entusiasmada, é possível ver, através das palavras dela e de todo o estudo que envolveu o desenvolvimento da obra, o quanto a arte permeia sua vida e o quanto é gratificante, para ela, dividir e multiplicar conhecimento, a partir do seu próprio processo. Aprender a ver uma imagem e admirar as cores de uma paisagem é sempre um ponto de partida interessante para o desenvolvimento de uma pintura, e ela intercala momentos mais realistas com outros de pura experimentação.

Enquanto obra "técnica", Color Harmony pode até não agregar muito para quem tem uma longa caminhada na pintura, mas enquanto jornada artística é um excelente diário e fonte de inspiração.



Color Harmony For Artists não tem uma tradução para o português (o único livro da Ana Victoria que encontrei traduzido foi Aquarela criativa: um passo a passo para iniciantes), mas é num nível de inglês fácil de acompanhar. Comprei meu exemplar pela Amazon, e como os livros importados não estão com preços muito convidativos, a dica é colocar no carrinho e esquecer, até que o site notifique você de que o preço baixou. 

E para quem não está podendo gastar com livros no momento, recomendo o já mencionado site Design Seeds e também o Coolors. Existem vários aplicativos para celular que têm a função de extrair a paleta de cores das imagens, e para quem é usuário da Adobe, também é possível criar bibliotecas de cores a partir dos seus trabalhos.

*Nenhum desses links foi patrocinado, as indicações foram feitas unicamente com o intuito de informar e complementar o conteúdo do post.
Leia mais →

Pequeno Guia de Incríveis Artistas Mulheres


Tenho trazido mais dicas, desabafos e leituras porque, basicamente, é o que tenho feito nos últimos tempos. Só consegui retomar meus estudos de desenho essa semana, em decorrência das férias escolares. Ainda pretendo fazer um resumão do meu primeiro semestre docente mas, antes disso, quero publicar outras coisas pra não ficar falando só de escola.

O livro do qual quero falar é, ao mesmo tempo, necessário e muito triste. Pequeno guia de incríveis artistas mulheres que sempre foram consideradas menos importantes que seus maridos, escrito pela Beatriz Calil, é um daqueles livros que lança uma luz sobre o apagamento da produção feminina na história da arte e, além disso, sobre o quanto artistas mulheres são lembradas como acessórias aos seus maridos e companheiros. Ou é a esposa dedicada, que cuida e deixa seu esposo criar, ou a amante/musa destruidora de lares. 

Sinopse: Como o título entrega, trata-se de um trabalho artístico corajoso: admite, desde o princípio, o equívoco de uma história que escolheu celebrar os homens artistas em detrimento de suas companheiras. Que relegou o brilhantismo delas e de suas obras às celas de manicômios, salas de estar, camas. Que transformou mulheres fortes em vítimas de abuso, artistas competentes em belas acompanhantes para eventos sociais. E então o olhar de Beatriz pousa sobre elas. É que é tempo ainda - é sempre - de lhes fazer justiça.


Beatriz selecionou 16 artistas estrangeiras (ela planeja um segundo volume só com artistas brasileiras), entre elas Simone de Beauvoir e Camille Claudel, para contar brevemente suas histórias, obras de destaque, relevância para o meio artístico e como foram sumariamente apagadas ou relegadas à coadjuvantes dos homens aos quais estavam ligadas. Um dos casos mais emblemáticos, para mim, é Yoko Ono: artista multifacetada, é vista por muitos apenas como esposa de John Lennon e responsável pela separação dos Beatles (olhos revirando).


Por também ser artista visual, a autora fez intervenções em imagens dessas artistas, apagando os homens das fotografias. É nesse espaço em branco deixado pela figura masculina que as histórias das mulheres são recontadas, num esforço para que sua relevância não seja esquecida. 

“Todo esse meu trabalho partiu, na verdade, das fotos das artistas com os maridos. Comecei a interferir nessas imagens. Em muitas delas, fica claro que o importante ali é o marido. A mulher está sorrindo olhando para ele, ou ele está em maior destaque. E muitas são divulgadas com legendas como ‘Picasso e a amante’, ‘fulano e a esposa’”. Comecei a buscar inverter isso na própria imagem.” -  Beatriz Calil, em entrevista ao NEXO.
Link para matéria © 2018 | Todos os direitos deste material são reservados ao NEXO JORNAL LTDA., conforme a Lei nº 9.610/98. A sua publicação, redistribuição, transmissão e reescrita sem autorização prévia é proibida.


Por ser um livro curto (58 páginas) li de uma só vez, e recomendo fortemente que todas as mulheres que trabalham com arte tenham acesso a este tipo de informação. Ao final do texto, a autora traz estatísticas relacionadas à representatividade feminina em galerias de São Paulo e os dados são alarmantes, apesar de não causarem surpresa. Aqui no blog já publiquei um texto sobre as musas, que deu bastante o que falar na época, e serve como complemento para quem se interessou pelo livro. Adquiri meu exemplar diretamente pelo site da Editora Urutau. 

Dois links com entrevistas de Beatriz Calil:

Conheça meu portfólio profissional
Leia mais →

Livros que me auxiliam no planejamento das aulas


Para compensar a bad vibe do último post (consegui resolver o assunto, mas não sem muito estresse envolvido), quero falar sobre alguns livros que estão me ajudando muito no planejamento das aulas de artes. Ministrar aula para crianças demanda disposição para oferecer atividades lúdicas, que elas sintam prazer em realizar. Por isso, investi em alguns títulos que trazem ideias e recursos, além do conteúdo propriamente dito. É claro que, na maioria das vezes, a realidade da escola pública oferece limitações, principalmente em relação a materiais mais caros, mas tudo é adaptável. 

300 Propostas de Artes Visuais

O título já entrega o que o livro oferece: são 300 atividades envolvendo desenho, pintura, colagem, sucata, escultura, dentre outros. Como disse anteriormente, tem coisas que não se aplicam à realidade da escola pública, é preciso adaptar. Mas o importante é ter uma fonte confiável para buscar essas propostas, principalmente quando queremos tocar num assunto e não sabemos muito bem como conduzir. Por exemplo, quando trabalhei Idade Média, usei uma das atividade de desenho para introduzir o que era díptico e tríptico.


A História da Arte

Um livro que me acompanha desde a faculdade, e que vale o investimento (esta é a versão pocket, mais barata). O Gombrich ainda é um dos autores de maior prestígio no que diz respeito à história da arte, por isso, sempre estudo os capítulos referentes à aula que vou ministrar antes de dar qualquer informação para os estudantes. Um bom título sobre história da arte auxilia não só no planejamento das aulas, como também no projeto pedagógico anual e em projetos menores, que podem ser desenvolvidos ao longo dos semestres.

História Ilustrada da Arte

Este calhamaço foi adquirido por causa das imagens. Aula de artes sem imagens não dá! As crianças sentem curiosidade sobre a textura, tamanho das obras, querem saber mais sobre os artistas. Embora eu retire muita imagem da internet e apresente na mídia virtual, o livro tem uma fisicalidade que faz diferença na compreensão do que está sendo mostrado. Também traz algumas curiosidades sobre artistas e períodos.

Arte para Crianças

Meus alunos simplesmente amam esse livro. Ele tem um formato maior e cada período/obra de arte traz um contexto muito interessante, repleto de curiosidades. Também há pequenas imagens mostrando a proporção das obras em relação às crianças, e isso é muito interessante para usar em aula, ajuda no sentido de dimensão espacial. Dá ênfase para a arte produzida fora da Europa e pelos povos originários, o que já é uma vantagem em relação a outros títulos semelhantes.

Meu Livro de Artes

A proposta deste é bastante semelhante ao anterior, com a diferença que traz várias atividades que podem ser aplicadas com as crianças. Já fiz algumas delas como, por exemplo, as máscaras africanas. Novamente, vai do professor adaptar o conteúdo à sua realidade. Se não dá pra fazer com o material indicado no livro, procure na sua escola algo equivalente ou teste maneiras novas de realizar a tarefa. O legal deste título são as releituras, que podem servir como recurso lúdico para as crianças entenderem as obras.

O que um livro precisa ter para ser um bom suporte no planejamento das aulas?


  • Informações confiáveis. Tem muita coisa esquisita, pra dizer o mínimo, em várias coleções pedagógicas e também em sites. Referência é tudo;
  • Inclusão da arte produzida por mulheres, afinal, estamos em 2018;
  • Se afastar do eurocentrismo e trazer obras e atividades relacionadas aos povos originários das Américas, da Ásia, da Oceania e da África. Isso também é o mínimo que um livro de artes deve oferecer em 2018.
  • Sobre arte brasileira, existem ótimos títulos da Katia Canton voltados especificamente para crianças, que falarei mais adiante.

Lembrando que todas as informações deste post são baseadas na minha experiência docente, que não é a única, nem a certa, nem a errada. É apenas uma experiência, dentre tantas outras. Se você também tem alguma sugestão de livro, pode deixar nos comentários.

Photo by Alisa Anton on Unsplash
Leia mais →

Estudando Brian Froud


Nos dois últimos anos tenho investido nos meus estudos e também na aquisição de bons livros de arte, que me auxiliem não só com a parte técnica, como também a entender o processo criativo de artistas que admiro. Embora muitas coisas estejam ao alcance de um clique, nada substitui a qualidade de um livro impresso, principalmente se ele contém muitas ilustrações. Ainda quero fazer um vídeo mostrando algumas obras do meu acervo.

E no Natal, resolvi me presentear com um dos artbooks do Brian Froud. Para quem não sabe, Froud é o responsável pela concepção de todas as criaturas presentes nos filmes Labirinto: a magia do tempo (1986) e O Cristal Encantado (1982). Já os bonecos foram manufaturados por sua esposa, a artista Wendy Froud. O título escolhido foi Good Faeries, Bad Faeries, e comprei meu exemplar pela Amazon.

Escolhi esse livro porque eu amo fadas e, nos últimos tempos, tenho me sentido muito atraída a estudar mais sobre contos, fábulas, mitologia, todo tipo de história que me leve ao mundo mágico. Acho que isso tem muito a ver com a minha vontade de ilustrar um livro com essa temática, todo em técnicas tradicionais. 

Então, logo que o livro chegou, comecei a fazer alguns sketches baseados nas figuras, cópias para estudo mesmo, para me ajudar a entender o traço e também arriscar em outros tipos de corpos e poses. Postei alguns desses estudos no Instagram:




Dentre esses rascunhos, resolvi pegar um deles, a Vervain Faerie, para fazer um estudo completo, prestando atenção na proporção, nos valores, e tentando me aproximar ao máximo das cores originais com aquarela e lápis de cor. O resultado:
Não mexi muito na imagem para deixar as texturas tanto do papel quanto da tinta e do lápis aparentes. Utilizei uma das amostras de papel Canson Heritage grana fina que a Koralle me enviou algum tempo atrás, com alta gramatura (600g). Já os lápis e aquarelas são os mesmos que utilizo sempre. Nas asas da fada, coloquei um pouco de guache dourado também.

Acho importante ter algumas coisas em mente antes de fazer uma cópia para estudo: a primeira é que não precisa ficar exatamente igual ao original, o objetivo é capturar os elementos marcantes daquela ilustração e tentar compreender como se chega lá. Segundo, você precisa colocar seu cérebro para funcionar e enxergar verdadeiramente o que está fazendo. No caso desse estudo, precisei reproduzir o tom de pele oliva, e consegui através da mistura de sépia com sap green. Por fim, cópia para estudo se restringe a isso: estudar! Portanto, sempre sinalize esse tipo de trabalho, pois é muito deselegante não deixar claro para o público que aquela não é uma criação original. 

Depois dessa experiência, resolvi que vou incluir na minha rotina, nem que seja pelo menos uma vez ao mês, estudos baseados em artistas de que gosto, elegendo uma obra para tentar reproduzir. Também selecionei algumas ilustrações do livro Good Faeries, Bad Faeries para quem não conhece o traço de Brian Froud. Ele é um artista tradicional por excelência, e seu gestual é impecável:




Conheça meu Portfólio profissional
Leia mais →
Assinar: Comentários (Atom)
© Lidiane Dutra • Theme by MG Studio