Essas acima são as apostilas do curso de Pintura. Um dos primeiros conteúdos abordados é a teoria das cores e o círculo cromático, e isso mostra o quanto o curso era correto, apesar de parecer duro aos olhos de hoje: ele começava do zero e do que é fundamental.

Alguns exercícios de natureza-morta (still life) em aquarela e de contraste tonal. Sempre havia uma demonstração do conteúdo abordado através de um exercício, que precisávamos replicar. Nesse exercício, além do conteúdo, era também apresentada uma técnica, como aquarela, pastel, óleo, acrílica. Tudo era realmente muito explicado, pois como não havia a figura do professor presente, o estudante tinha que ser capaz de aprender o que estava na apostila sozinho.

Agora, algumas páginas das apostilas de desenho artístico. Dá pra ter uma ideia do que era estudado pelo sumário, novamente com ênfase no básico dos fundamentos, indo gradativamente para a parte mais complexa. E também a parte do desenho da figura humana permeava todas as apostilas, começando da construção da cabeça e seus elementos, para depois as composições mais complexas, envolvendo a figura de corpo inteiro.

Os famosos esquemas para desenhar as partes do rosto, que vemos bastante hoje em dia nas redes sociais... E um estudo detalhado da posição das mãos.

Incidência de sombra e luz e diferentes rotações da cabeça.

Os conteúdos relacionados à anatomia eram bem completos, falando sobre a musculatura e ossatura do corpo humano, bem como mostrando esquemas de proporção das partes.

Por fim, alguns exemplos de composição com tecidos, desenho de animais e, é claro, ilustração botânica. Por mais que seja um material que tem, por alto, uns 30 anos e já esteja defasado em vários pontos (optei por não mostrar os nus, pois o que mais aparece é mulher pelada pra desenhar...), algumas coisas são atemporais, embora hoje em dia se encontre esse conteúdo muito melhor explicado em plataformas como a Domestika, e também no YouTube e outras redes sociais.

Foi muito legal revisitar essas apostilas, pois muito do que sei vem daqui, e também como forma de mostrar para quem está começando agora o quanto era difícil achar conteúdos sobre artes, gratuitos então, nem se fala! Sempre existiram as boas almas que disponibilizavam materiais e traduções preciosas, mas comparado à oferta de conteúdos que temos hoje em dia, foi um salto e tanto.

Por isso, valorize o artista que produz conteúdo, que ensina a desenhar e pintar, e disponibiliza esse material de graça na internet. Sempre curta, compartilhe e apoie da maneira que for possível, pois é uma luta permanente por reconhecimento e para driblar algoritmos. E se o seu artista favorito lançou um curso ou material pago, e você puder investir, faça isso! Todo mundo sai ganhando. 😉

Para saber como participar da Blogagem Coletiva, é só clicar aqui.

Eu ainda não tinha vindo aqui depois da mudança de layout do blog, na realidade não venho aqui há mais de um mês e acho interessante como, apesar de tudo, aqui é um espaço atemporal, nunca sinto que estou tirando a poeira de algo antiquado; é um lugar para o tempo certo.

E justamente nesse intervalo que estive ausente daqui, aconteceram várias discussões sobre - novamente - os algoritmos das redes sociais, o quanto a rede x ou a y vai privilegiar um conteúdo em detrimento ao outro. Enquanto isso, por aqui, sinto que estou longe de toda essa pressão, enquanto várias pessoas estão retomando as blogagens coletivas, se engajando em newsletters e mostrando que a internet é um espaço muito mais diverso do que qualquer rede comprada pelo tio Zuck. 

Resumindo um pouco desse layout: eu já queria trocar a carinha do blog há horas, mas não encontrava um template que correspondesse ao que gostaria de passar daqui por diante, até que fui de rodapé em rodapé nos blogs que leio (onde geralmente se encontra quem fez o template) e cheguei na loja da Kate. E agora tenho tudo o que queria para meu blog, que era dar bastante destaque para o portfólio, a loja e como entrar em contato comigo.  

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Essa aquarela de bonsai (na verdade, pré-bonsai) surgiu de um rascunho feito em 2018! É pra isso que eu mantenho meu banco de ideias: além de sempre ter alguma coisa "no forninho", estou sempre me retroalimentando de coisas boas que fiz no passado, e que podem ser aproveitadas no futuro. É uma forma de olhar com carinho para a minha própria produção, e ver que nem tudo precisa ser uma grande novidade nunca antes vista. O processo criativo é cheio de surpresas, lidamos com fases de pura espontaneidade, alternando com outras de intensa pesquisa interna e externa.

E essa aquarela foi um grande exercício de construção de camadas de cor e textura, a partir das referências visuais das plantas aqui de casa. A figueira é uma árvore linda e que oferece muitas possibilidades de estudo, assim como a natureza de uma maneira geral. Observar árvores, flores, jardins e parques abre a nossa mente para a criação, é por isso que existe todo um movimento para desemparedar a infância, tornando as escolas lugares com amplo acesso às áreas naturais (tem um livro muito bom sobre o assunto aqui).

E como a era louca das plantas chega para todas, me aguardem, pois o que aparecia pontualmente entre um trabalho e outro vai se tornar bastante corriqueiro: já tenho uma costela-de-adão para chamar de minha e comecei a espalhar suculentas pela casa. Os motivos florais vêm com tudo.

Dolores II, a minha costela-de-adão. O hit vem!

Já faz alguns anos que criei um "banco de projetos", que já foi uma prancheta na parede e hoje é um gaveteiro muito mais organizado, onde guardo absolutamente todo e qualquer rascunho, referência impressa, anotação, line art e tudo mais que envolve ideias que desejo transformar em ilustração. Algumas passam nesse "banco" alguns dias, outras ficam ali por anos, como que esperando o momento certo para aflorar no papel. É como se elas e eu estivéssemos nos preparando, e tem muita coisa que simplesmente fica por ali. Recentemente, incluí dois sketchbooks nesse banco, mas a maioria são folhas soltas, já falei em outras oportunidades que é assim que gosto de trabalhar.

E foi ali pelo final do ano passado que tive a ideia de representar Lilith, essa deusa tão misteriosa, juntando referências de livros sobre mitologias e da cultura pop, como o vindouro jogo Diablo IV. Como quase tudo o que acontece no meu Instagram, postei e saí correndo, nunca mais dei satisfação daquele sketch. Foi lá para o tal "banco". 

Algumas semanas atrás, resolvi revisitar esse projeto, mas me deparei com uma dificuldade gigante em encontrar o material adequado e acertar o tom da finalização. Comecei com aquarela e abandonei. Investi no pastel seco e achei tudo péssimo. Nesse momento, parei para pensar: o que estava me bloqueando tanto? E novamente me peguei pensando, um pensamento bastante obsessivo que tento sempre dissipar, que é nossa, como eu fazia coisas boas há uns quatro anos atrás e agora só faço merda. E ao invés de lamentar como o passado era bom, voltei aqui ao blog e fui dar uma olhada no meu processo criativo daquela época, para refletir sobre o que eu precisava melhorar agora.

Percebi que eu simplesmente havia perdido o hábito de marcar os valores da pintura com lápis e, posteriormente, com payne's grey ou dioxazine, um processo que era a espinha dorsal do meu trabalho e me ajudava a dimensionar o que fazer na pintura. Munida dessa informação, deixei de me lamentar e botei a mão na massa, à moda antiga.

Materiais utilizados

Não tenho pretensão de fazer uma resenha completa, apenas a indicação de uma obra que me fez passar dias pensando em suas proposições. Sinopse:

Resolvi aproveitar o feriado de ontem (03/06) para fazer algo que queria há bastante tempo: limpar meu godê de aquarelas, que uso ininterruptamente desde 2016, e estava em petição de miséria, como dá para ver acima. Sim, eu sei que não existe aquarela "suja", podemos reaproveitá-las, basta adicionar água e tomar cuidados contra o mofo, mas já não era mais o meu caso. Muitas tintas acabaram, sim, mofando. Além disso, como fui adicionando cores novas à medida que comprava, os tons estavam fora de ordem, o que causava uma confusão na hora do uso. E isso era uma das coisas que eu mais queria arrumar. 

Além disso, vários tons já não me agradavam, e tenho pensado bastante em reduzir minha paleta de cores nas ilustrações. Fiquei pensando nisso depois da última participação no art vs artist, achei tudo muito colorido e desordenado, queria dar um sentindo de unidade aos meus trabalhos. Quando falo em reduzir a paleta de cores, me refiro a usar menos cores nas ilustrações (no máximo 4) e aproveitar seus subtons para fazer misturas, como fiz no meu retrato para o curso da Isadora Zeferino. Algumas ilustradoras com paletas bem definidas que me inspiram são a Pri Barbosa e a Nanda Corrêa. Mas sinto que ainda estou tateando na busca pela "minha paleta".

Agora todos os meus marrons e terrosos estão juntos, seguido pelos vermelhos, rosados, roxos, azuis e verdes. Fiquei muito feliz com essa disposição, pois me dá uma organização visual muito boa na hora de usar as tintas. Além disso, posso visualizar também como combinar melhor através do círculo cromático, já que fui dispondo a cor e seus tons quentes e frios lado a lado.

Aproveitei para juntar também todas as aquarelas em pastilha que tenho num único estojo. Ainda vou organizá-lo melhor, nesse momento só passei as half pans para cá, mas deixarei com a mesma disposição da paleta das aquarelas em bisnaga, e procurarei alternar entre as duas quando for trabalhar, pensando em como aproveitar ao máximo o que o estojo me oferece. Ainda são muitas cores, eu sei. Mas acredito que organizá-las já é um bom caminho para pensar na minha paleta de cores pessoal. 

Para acompanhar meus trabalhos em tempo quase real, é só seguir no Instagram.

Este post deve ser apreciado ao som de Telepatía, da Kali Uchis: