Depois de muito tempo transitando somente entre a aquarela e o grafite, voltei a usar lápis de cor para cobrir totalmente um desenho. Tenho preferido usar este material mais como complemento ou detalhe fino, pois é um processo mais demorado e, vendo alguns trabalhos antigos, sinto que me perdia demais nas cores. Por isso, resolvi fazer este exercício de "reciclar" a técnica que me acompanha desde quando eu nem sonhava em ilustrar.

Materiais utilizados

Então Elementais passou... ontem fiz as últimas entregas dos prints vendidos (só sobraram dois!) e encerro, de vez, esta etapa proveitosa, porém cansativa, do meu ano artístico. Não espero voltar a expor tão cedo, pois minha vida parou para que eu pudesse dar conta de toda a carga física e emocional que esse tipo de atividade representa.

Talvez para quem esteja de fora, seja difícil compreender tudo o que envolve montar uma exposição. Recentemente reli o ótimo livro Reflexões sobre a Arte, do Alfredo Bosi, no qual o autor faz alguns apontamentos muito interessantes. Um deles é de que arte é um fazer humano, um conjunto de atos pelos quais se transforma o que a natureza e a cultura nos oferecem. O mesmo reitera que, por se tratar de uma produção, logo, a arte pressupõe trabalho. A própria distinção entre artista e artífice vem muito mais de uma separação econômica e social do que das diferenças entre o trabalho criativo de um ou outro.

Mas não é raro que uma parcela de pessoas fique com a impressão de que é fácil reunir um número x de obras para serem exibidas, afinal, o artista faz o que gosta e, naturalmente, tem um dom para isso. São tantos equívocos que fica difícil sistematizar, mas vou tentar: em primeiro lugar, todo profissional deveria gostar minimamente do que faz, e isso não vai impedir que momentos estressantes aconteçam, é natural. Segundo, dom não existe. Dizer que alguém tem o dom de desenhar é eliminar qualquer traço de estudo para se aprimorar. Recomendo dois vídeos interessantes sobre o assunto, um da Alê Presser e outro da Ana Blue.

Por trás das ilustrações plenamente alinhadas nos expositores, existe um mundo de trabalho que deve ser reconhecido, a começar pelo criativo: a concepção e execução das ideias, para posterior finalização e tratamento digital. Depois disso, o processo é puramente burocrático: colocar essas artes para venda, ficar de olho nos plágios, atualizar o portfólio e as redes para conseguir mais clientes. Sem contar as horas dedicadas aos estudos. Fora que, na grande maioria das vezes, o artista executa sozinho todas as atividades, desde a ideia que gerou o primeiro esboço, até a fila dos Correios para despachar uma encomenda. É por isso que esse processo não pode desaparecer sob a desculpa de ser fácil ou dom.

Para Elementais, tive que definir praticamente sozinha uma série de pormenores (tive ajuda do Antonio no serviço pesado): me reunir com a assessoria do shopping para escolher o mês; definir a quantidade de trabalhos, o tema e quais ilustras se encaixavam (foram horas planejando somente isso); pesquisar formatos de impressão e orçamentos em gráficas da cidade e de fora; me deslocar até outra cidade para buscar o material impresso; definir o valor final das peças e como as venderia; me programar para o dia da montagem e preparar o esquema de colagem, legendas e códigos interativos; divulgar fortemente, todos os dias; tirar fotos e comentar nas de quem me visitou; responder mensagens com dúvidas dos clientes; monitorar as peças reservadas; ir de vez em quando verificar se estava tudo bem com o material; marcar o dia e hora da desmontagem; desmontar com cuidado para não danificar; deixar o local limpo; fazer o acabamento, embalar e entregar os trabalhos vendidos; monitorar os pagamentos; não esquecer de fotografar e registrar todos os processos - de notas fiscais a e-mails.

Paralelo a isso segui trabalhando, produzindo, atualizando as redes com outras coisas, respondendo outros clientes, tentando estudar e viver um pouco. Então é muito importante criar a consciência coletiva de que quem faz o que gosta, geralmente em profissões criativas (ilustração, música, dança, teatro, animação de festa infantil, hora do conto e por aí vai), tem um trabalho como qualquer outro.

Outra coisa que acontece, frequentemente, é a supervalorização da aura artística, da arte como processo extraordinário, porém, sem fim comercial. Vejo muitos colegas acadêmicos condenarem quem, assim como eu, aceita encomendas, reproduz e vende seus trabalhos, através de uma leitura equivocada do ensaio de Walter Benjamin, publicado em 1936, chamado A obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica. Eu também acredito que o momento da criação é único e que a obra original carrega em si um significado que perdurará muito mais do que uma reprodução, porém, vivemos num mundo conectado, interativo, no qual o público pode acompanhar em tempo real o trabalho de seu artista favorito e, neste cenário, é compreensível que produtos, prints e até mesmo obras totalmente virtuais (como wallpapers para celular, por exemplo) sejam apreciadas - e vendidas. Inclusive, considera-se aqui o caso de ilustrações digitais, que só existem no computador mesmo, fazendo com que toda impressão seja uma espécie de original.*

Eu não quis escrever esta postagem para reclamar, pois só tenho a agradecer por ter mostrado meu trabalho e vendido a grande maioria, além do carinho e comparecimento em massa do público, que não só visitou, como fez questão de me ajudar na divulgação. Meu objetivo é dar visibilidade para este "outro lado" do processo criativo, que envolve burocracias, suor e problemas, mas que, mesmo assim, é uma parte importante do todo e deve ser encarada com a devida seriedade. E se for de interesse dos leitores, posso dar dicas para quem deseja montar uma exposição, a partir das minhas experiências.

Abraços,
Lidiane 💖

*Editei este parágrafo em 10/08 para melhorar a compreensão das minhas ideias.

No início da semana fiz minha primeira live no Instagram (e esqueci de salvar). Não planejei, nem avisei ninguém, apenas peguei o tripé, liguei a câmera e fiquei meia hora batendo papo com várias pessoas queridas e fazendo a line art dessa ilustra. E isso foi muito bom, em vários aspectos. Pra começar, tenho muito medo de desenhar em público; receio dos olhares e julgamentos. Toda vez que penso em ir para o shopping ou até mesmo para a casa do namorado munida de lápis e sketchbook, eu travo e não consigo produzir. Além da tristeza, vem a decepção e aquela pontada de síndrome da impostora.

Mas durante a live várias ideias foram surgindo, eu destravei a mão e consegui conversar sobre materiais, fazer todas as marcações de valores e, inclusive, definir a inspiração para a figura. Estou apaixonada pelo livro Art of Loish, e bebi na fonte das meninas de longos cabelos e cores excepcionais, dessa artista que amo muito, por influência de dona Isabella Pessoa.

Usei novamente o papel do bloco Mix-Media, da linha Canson XL (a primeira foi com Mer-tea) e, mais uma vez, bateu a decepção. A textura do lado direito é muito estriada, praticamente igual ao papel para aquarela da linha universitária, por isso decidi usar o avesso. Prendi bem com fita, para que ele não ondulasse, o que realmente funcionou. Mas na hora de aquarelar, o papel só faz borrão e poça d'água. 

Ao iniciar a marcação com dioxazine já percebi que a tarefa não seria das mais fáceis, e quando coloquei o sombra queimada, tive a certeza: não vai rolar! Não entendo como uma marca disponibiliza no mercado nacional um produto tão aquém do esperado, visto que artistas gringas, como a Jacquelin De Leon, usam esse sketchbook, e ele sequer parece ter a mesma textura (nesse vídeo dá pra ter noção do que estou falando). Fica aquela sensação de comprar gato por lebre, e mesmo que outras pessoas usem e se adaptem, não é um material que eu recomendo.

Depois desse banho de água fria, não queria perder meu trabalho, então levei o caráter multi-técnicas do papel até as últimas consequências. Usei pastel seco para fazer toda a cobertura da pele, trabalhando em tons de azul, marrom e branco. Em seguida, reforcei com lápis de cor e marcador. No final das contas, consegui salvar a ilustra e deixar a pele no tom desejado, mas não sem lançar mão de mil materiais e fazer uma verdadeira fuzarca. A aquarela serviu como base para todo o resto, e se eu tiver que mostrar um ponto positivo desse papel, foi que ele aguentou tudo sem fazer uma ondulação sequer e sem rasgar (somente na hora de tirar a fita).

- papel Canson Mix-Media XL 300g;

- lápis grafite Lyra 2B;

- aquarelas Sennelier e Van Gogh;

- pincéis pelo sintético Keramik;

- Pastel seco e esfuminhos Derwent;

- Lápis de cor Polycolor e Staedtler Karat;

- multiliner Copic;

- guache branco Talens;

- marcador Posca dourado.

Embora tenha conseguido chegar ao resultado esperado (ela lembra a Tempestade, dos X-Men!), fico um pouco frustrada por ter que recorrer a tantos materiais para contornar o defeito de um deles, ainda mais que ando numa vibe de reduzir cada vez mais o que uso. Foi a primeira vez que usei o lápis grafite da Lyra, este sim sensacional, e ocupando desde já um lugar de destaque no meu coração. Lembrando que sempre é bom fixar todo e qualquer trabalho com verniz apropriado, assim, sua durabilidade será maior.

Me conte nos comentários se você já teve problemas com algum material e o que fez para lidar com a situação. E também o que achou de Solar. 🌻

Depois de muito tempo de molho involuntário, criei coragem para retomar os estudos e finalizar alguns rascunhos que estavam em espera. Como contei no último post, o motivo para esse afastamento não foi bloqueio criativo, mas sim cansaço causado pela divulgação da exposição (que segue até o dia 31 de julho). E eu senti muita falta de produzir para mim, de ler os livros que comprei e voltar a estudar anatomia. Decidi que a primeira semana das minhas férias seria dedicada a tudo isso. E, assim, nasceu mais uma ilustração da Série Botânicas: Lavanda.

Além de ter ficado muito satisfeita com o resultado do desenho e da pintura, pois estou sempre tentando refinar o que aprendo da melhor forma, essa ilustra tem um lado sentimental também. Senta que lá vem história...

Sou apaixonada por lavanda, cresci sentindo esse cheiro, já que é o perfume favorito da minha mãe. Lá na infância, minha primeira deo-colônia foi uma lavanda da Xuxa (eu tinha t-u-d-o dela, estamos falando da década de 1980), e até hoje meus perfumes favoritos são aqueles com essência dessa planta, até mesmo incenso, aromatizador de ambientes e produtos de limpeza. Também é uma das minhas cores prediletas, pois transmite calma e acolhimento. E mesmo com todos esses pontos favoráveis, eu nunca tinha desenhado uma florzinha sequer na vida. Já estava mais do que na hora de reverter a situação.

Utilizei uma referência fotográfica apenas para não errar muito nas proporções do rosto, o resto foi desenhado de imaginação, inclusive as flores. Para conseguir esse tom do cabelo, misturei dioxazine, rosa quinacridone e azul da Prússia, bem diluídos em água, até chegar no ponto mais suave. E para espalhar a tinta, bastante aguada. A coloração da pele segue o que já tenho feito nas últimas ilustrações, e aqui reduzi ainda mais o retoque com lápis de cor marrom e multiliner sépia, coloquei somente o necessário. Queria passar suavidade. Só subi o tom na coroa de flores, para dar destaque, inclusive finalizei com uma tinta transparente com glitter.

- Papel Canson Moulin DuRoy;

- Aquarelas Cotman e Van Gogh;

- Pincéis Keramik;

- Lápis 2B Royal & Langnickel e de cor Polycolor;

- Multiliner Copic sépia;

- Tinta Confetti Acrilex.

Veja todos os meus materiais de arte favoritos, clicando aqui.

Eu simplesmente deletei da mente a atualização com o que rola no meu feed, aqui no blog. E ando um pouco sem vontade de postar e ilustrar, não que falte ideias ou esteja com bloqueio criativo, pelo contrário, estou ótima. É cansaço ocasionado pela exposição. Sempre que exponho acontece o mesmo, fico exausta com toda a movimentação que isso provoca na minha vida, por isso, logo após o término de Elementais, vou voltar para a caverna. Falando nela, a visitação vai até o dia 31 de julho e todas as peças estão à venda, não perca! Abro o post com uma foto do meu cantinho, que tanta gente curte acompanhar.

Em maio rolou o Mermay e, agora, estou fazendo um resgate de ilustras antigas que estão na exposição. Por isso, tem pouca produção que foge a esses dois eventos. A primeira imagem (em sentido horário) foi um projeto que abandonei até segunda ordem. Achei que a nudez da figura ficou muito gratuita, e detesto isso. Já vemos imagens de mulheres nuas em contextos desnecessários diariamente; não quero me censurar ou colocar um véu puritano na minha arte, apenas preciso enxergar com clareza por que a figura está nua, com que propósito. Até ter isto claro, o projeto está arquivado. Já a segunda imagem é a line art para este trabalho muito amorzinho que fiz para uma ONG. Abaixo, a versão 2017 do artxartist, desafio que fiz ano passado. Por fim, meu livro maravilhoso sobre a Sylvia Ji (e já chegou também o da Loish!), em breve pretendo gravar um vídeo folheando esta lindeza.


Agora tenho cadernos pautados com espiral no meu Studio do Colab55, aproveitei uma promoção para adquirir um e conferir a qualidade. No ritmo de Mulher-Maravilha, comprei um sketchbook de qualidade totalmente duvidosa na Riachuelo (risos). Abaixo, minha contribuição junina para o Girls Artist Gang, cujo tema foi inverno. E também alguns estudos de anatomia que andei praticando. Diferentemente do rascunho arquivado, aqui a nudez serve para estudo, inclusive as fotos usadas como referência são para este fim. Agradeço a Isabella Pessoa pelas excelentes contribuições, que me ajudaram a melhorar diversos aspectos.


Mais uma botânica saindo do papel, dessa vez será em tons de lavanda, uma das minhas plantinhas favoritas. Falando em botânicas, uma foto da caneca com a estampa Monstera, lá do meu Studio no Colab55. Com o caderno pautado, montei uma espécie de bullet journal, no qual anoto ideias para ilustrações, postagens e estudos. Usei também um dos adesivos à venda na loja. Mais um estudo de mocinha, como as galáxias estão sendo a grande sensação da exposição, acho que farei o cabelo dela assim.

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Elementais

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Interatividade

Serviço

Vendas

Embora eu seja uma completa negação no quesito acompanhamento de séries, quando gosto de alguma não penso duas vezes antes de recomendar, e Abstract: the art of design, disponível na Netflix, é uma daquelas produções que toda pessoa que trabalha com criatividade deveria assistir. No início do ano, quando a série foi lançada, eu estava me preparando para um concurso, e ter contato com a visão de profissionais que são referência em suas áreas me ajudou demais, não só na hora da prova, como também a repensar práticas e hábitos de trabalho.

A primeira temporada tem oito episódios com cerca de 45 minutos cada, mostrando o ponto de vista de profissionais de diversas áreas relacionadas ao design: ilustradores, arquitetos, designers gráficos, fotógrafos, dentre outros. Mas os que mais chamaram a minha atenção e abriram meus horizontes foram três: o do ilustrador Christoph Niemann, o da designer gráfica Paula Scher e o do fotógrafo Platon.

Christoph Niemann é um ilustrador alemão extremamente metódico e, em muitos momentos, me peguei rindo de sua sistemática de trabalho, pois sou uma control freak assumida. Ele trabalha pontualmente das 9h às 18h em seu estúdio (que não é em sua casa), e encara a folha em branco como um problema a ser resolvido. Tive a sensação de que alguém nesse mundo me entende hahaha. Niemann já fez várias capas para a conceituada revista New Yorker e traz uma visão de trabalho artístico muito séria, que envolve doses parecidas de criatividade e racionalidade. Sempre digo que arte é trabalho, não é algo que surge num passe de mágica. É preciso respeitar o artista como qualquer outro trabalhador, e acredito que abrir a série justamente assim ajuda a firmar essa linha de pensamento.

Paula Scher é o poder da experiência, que mulher incrível! Seu trabalho é simples, porém marcante. Profissional de decisões ágeis e certeiras, sabe dosar como ninguém a ideia do cliente com a criação de sua equipe. A cena em que uma das designers apresenta a identidade visual de um espetáculo para os contratantes representa a rotina de quem precisa lidar com este drama diariamente. Além disso, seu design se confunde com a história da cultura popular norte-americana, das capas de discos do Bob Dylan até projetos urbanos espalhados por Nova York. E sua força em meio a uma área quase que exclusivamente masculina é uma fonte de inspiração para todas as mulheres que precisam provar que são capazes e competentes. Quero morar no arquivo da Paula, sério.

Já o fotógrafo Platon é um bálsamo em meio ao que se tornou a fotografia contemporânea (comercialmente falando). Num mundo lotado de ensaios de new borns cheios de efeito blur do Photoshop (sério, as pessoas perderam os critérios e estão transformando crianças em bonecos de cera) e de profissionais que acreditam que seu valor artístico se restringe ao equipamento, ver o relato deste cara que usa um scanner de negativos fabricado pela NASA na década de 1980, é algo sensacional. Chorei em vários momentos, pois ele é a personificação da mistura exata entre técnica e olhar. Extremamente carismático, Platon rouba toda a série ao mostrar seu processo criativo, como posiciona os modelos, quais os critérios utilizados na hora de editar uma imagem, tudo permeado por uma simplicidade que pode chocar os desavisados. A textura e a personalidade das pessoas está presente em cada retrato; são histórias de vida costuradas naquela granulação tão rica da fotografia preto e branco (saudades revelar os filmes no laboratório).

Se você tiver a oportunidade de assistir Abstract, faça de coração aberto, apreciando cada episódio (não é necessário ver em ordem, você pode partir direto para o que chamou mais atenção) e, principalmente, incorpore esses ensinamentos preciosos em sua rotina. Não são somente histórias de profissionais de sucesso, mas sim de como cada uma de nossas experiências ajuda a moldar nossa visão de mundo, e influencia diretamente todas as nossas ações, reforçando a máxima de que todo conhecimento é válido.

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Para ver meus trabalhos profissionais, acesse o Behance ou a categoria Portfólio.

Em março recebi um e-mail da ONG portuguesa Ajudaris, a respeito de um projeto colaborativo chamado Histórias da Ajudaris em Gondomar, um livro cheio de contos escritos por crianças em situação de vulnerabilidade social, e ilustrado por diferentes artistas. Fiquei feliz com o convite e por saber que meu trabalho chega em lugares tão distintos quanto o interior do RS até a Europa.

Por se tratar de um projeto sem fins lucrativos, de uma instituição que eu não conhecia, tratei de me informar sobre, pesquisar no site quem já havia participado, como era o livro, escrevi um e-mail com dúvidas que foi prontamente respondido e, depois de ponderar, resolvi aceitar o convite. 

Para quem fica receoso em participar de projetos que não vão pagar em dinheiro, de estar caindo no conto do pagamento através de divulgação, sugiro que se informe sobre o proponente e analise o contexto da situação. Acho que trabalho solidário sempre é válido, não é uma coisa que vai desvalorizar sua arte ou desestabilizar o mercado. Então, a dica que dou é: pesquise sobre quem está entrando em contato e quais formas de contrapartida, que não seja a financeira, vão te oferecer.

Acabei ilustrando dois contos bem curtinhos, de uma menina e de um menino, histórias encantadas repletas de princesas, dragões e castelos:

Ilustração Menina

O texto conta a história de três irmãs que partilham um grande coração, e que saem em altas aventuras por reinos encantados. Para esse trabalho, busquei referências na história da arte, pois eu precisava ter em mente que o universo dessas crianças pertence a uma cultura completamente diferente da minha. Acabei me inspirando na pintura As Três Graças, de Emile Vernon, para compor o universo dessas irmãs. O coração em formato de colcha de retalhos faz alusão às aventuras vividas e compartilhadas.

Materiais utilizados

- Papel Canson Montval 300g;

- Lápis Staedtler Mars Lumograph 2B;

- Aquarelas Van Gogh e W&N;

- Pincéis Keramik pelo sintético;

- Multiliner Copic.

Ilustração Menino

O conto narra a história de um menino que, ao ficar velho, gostaria de renascer como criança num mundo de fantasia, com direito a castelos, dragões e muita magia. Resolvi voltar para o efeito galáxia em aquarela e reproduzir a silhueta de um castelo, envolto nessa atmosfera mágica de, literalmente, um universo de possibilidades.

Materiais utilizados

- Papel Canson Montval 300g;

- Aquarelas Van Gogh e W&N;
- Guache Talens branco;

- Pincéis Keramik pelo sintético;
- Marcador Posca e multiliner Copic.

Você pode conhecer mais sobre o projeto no site da Ajudaris e ver as edições anteriores do livro. Assim que eu tiver um exemplar, atualizo esse post com imagens. Fiquei bastante feliz com o resultado, espero que os pequenos autores gostem do meu trabalho e sintam-se abraçados, aqui do Brasil, pois fiz cada traço com muito carinho e amor.

Atualizado em 19/11/17: meu exemplar do livro chegou na semana passada e fiquei emocionada com o resultado final.