O tema de agosto do projeto Girls Artist Gang é meet the artist (conheça a artista), em homenagem ao Dia do Artista, que comemora-se amanhã, 24 de agosto. Eu já havia feito essa tag em 2015, e em vídeo no ano passado, para o Girls Video Lab. Aproveitei também para atualizar meu autorretrato, pois o último que fiz e gostei foi em 2014. Ao final do post, você pode conferir a imagem completa, mas antes, quero mostrar mais desse retrato aquarelado, que significa muito para mim.

Acredito que, além de ser um dos temas mais recorrentes na história da arte, o autorretrato é também um dos maiores desafios para qualquer artista. Ao contrário do que se possa imaginar, não é uma questão que se resume à verossimilhança. Ano passado assisti a uma palestra do Hiro, no Iconic, e ele tocou nesse assunto: muitas vezes olhamos para aqueles retratos ultra realistas de celebridades, encontrados aos montes pela internet, mas a única emoção que o desenho passa está na expressão fotográfica da figura, e não na arte em si. É o tipo de trabalho que achamos bonito, mas que não prende a nossa atenção por muito tempo (não estou criticando quem faz esse tipo de arte, ok?).

Eu venho adiando a participação nessa tag desde o início do ano, quando ela bombou novamente, justamente porque não queria me desenhar. Mas fui me sentindo confiante para encarar o desafio, com toda a bagagem que eu não tinha alguns anos atrás.  E não me refiro só à parte técnica de execução, mas também a tudo em mim que, no passado, foi motivo de vergonha e que, hoje, abraço da melhor maneira possível, como parte integrante daquilo que sou: minhas olheiras, meu nariz calejado dos óculos, dentre tantos detalhes que me tornam quem eu sou. 

Escolhi trabalhar no papel Arches grano fino, um dos melhores para aquarela que já usei. A base do desenho é neutra, ou seja, fiz de memória, genericamente, e só depois de todas as áreas do rosto demarcadas, comecei a me olhar no espelho para ver as peculiaridades. A pintura seguiu tudo o que já estou acostumada a fazer, mas tomei o cuidado para representar as olheiras como as manchas que são, e não como dois círculos roxos chapados ao redor dos olhos. O segredo foi inserir várias camadas de tinta ocre, e finalizar com lápis de cor marrom claro. E SIM, eu me coloco demais nas minhas ilustrações, mas faço isso de maneira muito mais inconsciente do que se possa imaginar. O resultado:

Vários elementos presentes no meu dicionário de códigos e símbolos estão reunidos nesse autorretrato, como o crescente na testa, os cílios longuíssimos e - aquilo que não poderia faltar - a galáxia, meu universo particular de criações. A montagem da tag completa ficou assim:

Depois dessa experiência, risquei mais um medo da minha lista: o de retratar a mim mesma. Certamente isso também me ajudará a ilustrar outras pessoas, e se você se interessou por um retrato personalizado, é só mandar um e-mail para lidiane@lidydutra.com.

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Para ver meus trabalhos profissionais, acesse o Behance ou a categoria Portfólio.

Esta postagem ia demorar um pouco mais para sair, mas como muita gente pediu e recebi mensagens com todo tipo de dúvida, resolvi sistematizar algumas dicas que me ajudaram até aqui a expor meus trabalhos. Já vou deixar bem sinalizado agora que a minha experiência se resume à uma cidade do interior do RS, e não a um grande centro, como São Paulo, por exemplo. Então o que se aplica aqui, pode não ser igual ao que rola em outros lugares. 

Eu comecei a expor ainda na faculdade. Logo no primeiro ano, participei da mostra cultural que acontecia em paralelo com a mostra de produção universitária. E até o final da graduação foi assim. Sempre que havia semana acadêmica, atividades complementares, palestras, qualquer oportunidade de mostrar o que fazia, eu aproveitava. Em 2007, inclusive, participei da etapa regional do Salão SESI Descobrindo Talentos, e todas as vezes que ministrei aulas, cursos e oficinas, incentivava meus alunos a expor.

Assim que saí da faculdade e comecei a investir no trabalho como ilustradora freelancer, continuei com essa mentalidade de expor em qualquer lugar que me oferecesse oportunidade, o que me fez entrar em muitas roubadas. Aqui em Rio Grande, existe uma coisa que apelidei de cultura do varal: a pessoa junta uma meia dúzia de trabalhos e monta um varal com cordinha e pregador de roupa, literalmente em qualquer lugar. Não importa se vai sujar, se vai bater um vento e levar tudo, se vai ficar feio. Isso começou a me incomodar profundamente, pois mesmo que eu creia que a arte deve ser acessível e estar em todos os lugares, por quê diabos tem que ser de qualquer jeito? Então, depois de alguns estresses, passei a recusar convites de última hora para montar exposições em locais que não garantiriam a integridade mínima dos meus trabalhos. Em outras palavras, comecei a selecionar. E, ao contrário do que se possa imaginar, isso não é ser metida: é ter respeito pelo que se faz, e mostrar aos outros como deve ser o tratamento correto com a arte.

1. Tenha algo concreto para expor, sejam conjuntos de ilustrações, séries temáticas, retrospectiva dos últimos anos, comissionados por tema/assunto ou encomenda específica para o local. Mulheres (2015) foi feita exclusivamente para a ocasião, enquanto Elementais (2017) foi uma seleção dos últimos dois anos de produção. Busque unidade;

2. Mantenha suas redes sociais ativas, organizadas e atualizadas, assim, é mais fácil encontrar você e ter o primeiro contato com seu trabalho. Uma dica que dou é ter o mesmo username para as redes principais (você me encontra como lidydutra em praticamente todos os lugares);

3. Mantenha um e-mail profissional e link para o portfólio atualizado e organizado. Muitos lugares fazem o primeiro contato por rede social, mas toda a tratativa é formalizada por e-mail, e é de bom tom você ter uma assinatura no rodapé, com link para seu site. Neste vídeo a Sula e a Ale dão dicas sobre montagem de portfólio;

4. Tenha contatos na imprensa local, centros culturais e museus. Fique de olho em editais de seleção, curadoria e ocupação e, periodicamente, mande um release para esses locais sobre seus projetos e interesse em firmar parceria. Também é legal fazer parte de grupos de artistas no Facebook, que promovem exposições e atividades periódicas. Ano passado, participei de uma exposição no Rio de Janeiro, por conta do grupo Elas por Elas - as desenhistas brasileiras;

5. Após reservar o espaço, defina como será sua exposição: duração em dias ou semanas, originais ou reproduções, divulgação, valores das obras, contrapartidas do local (molduras, cavaletes, limpeza, segurança...). Tenha todas as conversas registradas, tire fotos e catalogue as obras e, se possível, faça contrato. Já passei pelo incômodo de ter trabalhos extraviados e foi o registro fotográfico que me possibilitou recuperá-los;

6. Deixe suas informações de contato, compra e tudo o que for relevante em legendas de destaque, ao lado das obras. E se prepare para uma enxurrada de perguntas via redes sociais, acontece;

7. Cuide da divulgação pessoalmente. Mesmo que o espaço envie press release, não conte só com isso. Dê atenção para quem visita e marca em fotos ou manda mensagens parabenizando, é um cuidado e carinho com o público. Elementais foi toda divulgada no boca-a-boca e pelas minhas redes, pois a imprensa não publicou o release enviado pelo shopping. Mas a audiência fez a exposição acontecer;

8. Não terceirize aquilo que você pode cuidar sozinho como, por exemplo, montagem e desmontagem. Problemas acontecem e, se você estiver por perto na hora certa, pode contorná-los. Também é bom fazer uma visita semanal ao local, para ver se está tudo bem, limpinho e arrumado do jeito que você deixou; 

9. Fazer coquetel de abertura não é mais uma obrigação. Cheguei a discutir bastante sobre isso, e muita gente endossou que não estaria lá pela comida, mas sim por mim. A abertura de Catrinas (2012) foi cheia de gostosuras ou travessuras, com doces e decoração de Halloween, um dia mágico que ficou na minha memória. Mas para Elementais, não senti essa necessidade, por ser num shopping, durante a semana, com muitas pessoas queridas não podendo se deslocar até lá. E caso for fazer coquetel, veja no que o lugar pode ajudar, não arque com tudo sozinho;

10. Não deixe que a frustração sobre algo que deu errado anteriormente tire a sua vontade de expor. Se eu fosse contar todos os percalços de Elementais, vocês chorariam litros. Mas a recepção ao meu trabalho, o público, o apoio dos amigos e da família, me levantaram para seguir adiante, e acabou dando certo. Como já falei acima, problemas acontecem, e nós vamos nos fortalecendo a cada queda, para não cometer o mesmo erro lá na frente, ou saber o risco que se corre ao firmar determinadas parceiras. É um processo de interação muito legal com o público, e uma grande oportunidade de venda.

Resumindo

*Photo by Juan Di Nella on Unsplash

Depois de muito tempo transitando somente entre a aquarela e o grafite, voltei a usar lápis de cor para cobrir totalmente um desenho. Tenho preferido usar este material mais como complemento ou detalhe fino, pois é um processo mais demorado e, vendo alguns trabalhos antigos, sinto que me perdia demais nas cores. Por isso, resolvi fazer este exercício de "reciclar" a técnica que me acompanha desde quando eu nem sonhava em ilustrar.

Materiais utilizados

Então Elementais passou... ontem fiz as últimas entregas dos prints vendidos (só sobraram dois!) e encerro, de vez, esta etapa proveitosa, porém cansativa, do meu ano artístico. Não espero voltar a expor tão cedo, pois minha vida parou para que eu pudesse dar conta de toda a carga física e emocional que esse tipo de atividade representa.

Talvez para quem esteja de fora, seja difícil compreender tudo o que envolve montar uma exposição. Recentemente reli o ótimo livro Reflexões sobre a Arte, do Alfredo Bosi, no qual o autor faz alguns apontamentos muito interessantes. Um deles é de que arte é um fazer humano, um conjunto de atos pelos quais se transforma o que a natureza e a cultura nos oferecem. O mesmo reitera que, por se tratar de uma produção, logo, a arte pressupõe trabalho. A própria distinção entre artista e artífice vem muito mais de uma separação econômica e social do que das diferenças entre o trabalho criativo de um ou outro.

Mas não é raro que uma parcela de pessoas fique com a impressão de que é fácil reunir um número x de obras para serem exibidas, afinal, o artista faz o que gosta e, naturalmente, tem um dom para isso. São tantos equívocos que fica difícil sistematizar, mas vou tentar: em primeiro lugar, todo profissional deveria gostar minimamente do que faz, e isso não vai impedir que momentos estressantes aconteçam, é natural. Segundo, dom não existe. Dizer que alguém tem o dom de desenhar é eliminar qualquer traço de estudo para se aprimorar. Recomendo dois vídeos interessantes sobre o assunto, um da Alê Presser e outro da Ana Blue.

Por trás das ilustrações plenamente alinhadas nos expositores, existe um mundo de trabalho que deve ser reconhecido, a começar pelo criativo: a concepção e execução das ideias, para posterior finalização e tratamento digital. Depois disso, o processo é puramente burocrático: colocar essas artes para venda, ficar de olho nos plágios, atualizar o portfólio e as redes para conseguir mais clientes. Sem contar as horas dedicadas aos estudos. Fora que, na grande maioria das vezes, o artista executa sozinho todas as atividades, desde a ideia que gerou o primeiro esboço, até a fila dos Correios para despachar uma encomenda. É por isso que esse processo não pode desaparecer sob a desculpa de ser fácil ou dom.

Para Elementais, tive que definir praticamente sozinha uma série de pormenores (tive ajuda do Antonio no serviço pesado): me reunir com a assessoria do shopping para escolher o mês; definir a quantidade de trabalhos, o tema e quais ilustras se encaixavam (foram horas planejando somente isso); pesquisar formatos de impressão e orçamentos em gráficas da cidade e de fora; me deslocar até outra cidade para buscar o material impresso; definir o valor final das peças e como as venderia; me programar para o dia da montagem e preparar o esquema de colagem, legendas e códigos interativos; divulgar fortemente, todos os dias; tirar fotos e comentar nas de quem me visitou; responder mensagens com dúvidas dos clientes; monitorar as peças reservadas; ir de vez em quando verificar se estava tudo bem com o material; marcar o dia e hora da desmontagem; desmontar com cuidado para não danificar; deixar o local limpo; fazer o acabamento, embalar e entregar os trabalhos vendidos; monitorar os pagamentos; não esquecer de fotografar e registrar todos os processos - de notas fiscais a e-mails.

Paralelo a isso segui trabalhando, produzindo, atualizando as redes com outras coisas, respondendo outros clientes, tentando estudar e viver um pouco. Então é muito importante criar a consciência coletiva de que quem faz o que gosta, geralmente em profissões criativas (ilustração, música, dança, teatro, animação de festa infantil, hora do conto e por aí vai), tem um trabalho como qualquer outro.

Outra coisa que acontece, frequentemente, é a supervalorização da aura artística, da arte como processo extraordinário, porém, sem fim comercial. Vejo muitos colegas acadêmicos condenarem quem, assim como eu, aceita encomendas, reproduz e vende seus trabalhos, através de uma leitura equivocada do ensaio de Walter Benjamin, publicado em 1936, chamado A obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica. Eu também acredito que o momento da criação é único e que a obra original carrega em si um significado que perdurará muito mais do que uma reprodução, porém, vivemos num mundo conectado, interativo, no qual o público pode acompanhar em tempo real o trabalho de seu artista favorito e, neste cenário, é compreensível que produtos, prints e até mesmo obras totalmente virtuais (como wallpapers para celular, por exemplo) sejam apreciadas - e vendidas. Inclusive, considera-se aqui o caso de ilustrações digitais, que só existem no computador mesmo, fazendo com que toda impressão seja uma espécie de original.*

Eu não quis escrever esta postagem para reclamar, pois só tenho a agradecer por ter mostrado meu trabalho e vendido a grande maioria, além do carinho e comparecimento em massa do público, que não só visitou, como fez questão de me ajudar na divulgação. Meu objetivo é dar visibilidade para este "outro lado" do processo criativo, que envolve burocracias, suor e problemas, mas que, mesmo assim, é uma parte importante do todo e deve ser encarada com a devida seriedade. E se for de interesse dos leitores, posso dar dicas para quem deseja montar uma exposição, a partir das minhas experiências.

Abraços,
Lidiane 💖

*Editei este parágrafo em 10/08 para melhorar a compreensão das minhas ideias.

No início da semana fiz minha primeira live no Instagram (e esqueci de salvar). Não planejei, nem avisei ninguém, apenas peguei o tripé, liguei a câmera e fiquei meia hora batendo papo com várias pessoas queridas e fazendo a line art dessa ilustra. E isso foi muito bom, em vários aspectos. Pra começar, tenho muito medo de desenhar em público; receio dos olhares e julgamentos. Toda vez que penso em ir para o shopping ou até mesmo para a casa do namorado munida de lápis e sketchbook, eu travo e não consigo produzir. Além da tristeza, vem a decepção e aquela pontada de síndrome da impostora.

Mas durante a live várias ideias foram surgindo, eu destravei a mão e consegui conversar sobre materiais, fazer todas as marcações de valores e, inclusive, definir a inspiração para a figura. Estou apaixonada pelo livro Art of Loish, e bebi na fonte das meninas de longos cabelos e cores excepcionais, dessa artista que amo muito, por influência de dona Isabella Pessoa.

Usei novamente o papel do bloco Mix-Media, da linha Canson XL (a primeira foi com Mer-tea) e, mais uma vez, bateu a decepção. A textura do lado direito é muito estriada, praticamente igual ao papel para aquarela da linha universitária, por isso decidi usar o avesso. Prendi bem com fita, para que ele não ondulasse, o que realmente funcionou. Mas na hora de aquarelar, o papel só faz borrão e poça d'água. 

Ao iniciar a marcação com dioxazine já percebi que a tarefa não seria das mais fáceis, e quando coloquei o sombra queimada, tive a certeza: não vai rolar! Não entendo como uma marca disponibiliza no mercado nacional um produto tão aquém do esperado, visto que artistas gringas, como a Jacquelin De Leon, usam esse sketchbook, e ele sequer parece ter a mesma textura (nesse vídeo dá pra ter noção do que estou falando). Fica aquela sensação de comprar gato por lebre, e mesmo que outras pessoas usem e se adaptem, não é um material que eu recomendo.

Depois desse banho de água fria, não queria perder meu trabalho, então levei o caráter multi-técnicas do papel até as últimas consequências. Usei pastel seco para fazer toda a cobertura da pele, trabalhando em tons de azul, marrom e branco. Em seguida, reforcei com lápis de cor e marcador. No final das contas, consegui salvar a ilustra e deixar a pele no tom desejado, mas não sem lançar mão de mil materiais e fazer uma verdadeira fuzarca. A aquarela serviu como base para todo o resto, e se eu tiver que mostrar um ponto positivo desse papel, foi que ele aguentou tudo sem fazer uma ondulação sequer e sem rasgar (somente na hora de tirar a fita).

- papel Canson Mix-Media XL 300g;

- lápis grafite Lyra 2B;

- aquarelas Sennelier e Van Gogh;

- pincéis pelo sintético Keramik;

- Pastel seco e esfuminhos Derwent;

- Lápis de cor Polycolor e Staedtler Karat;

- multiliner Copic;

- guache branco Talens;

- marcador Posca dourado.

Embora tenha conseguido chegar ao resultado esperado (ela lembra a Tempestade, dos X-Men!), fico um pouco frustrada por ter que recorrer a tantos materiais para contornar o defeito de um deles, ainda mais que ando numa vibe de reduzir cada vez mais o que uso. Foi a primeira vez que usei o lápis grafite da Lyra, este sim sensacional, e ocupando desde já um lugar de destaque no meu coração. Lembrando que sempre é bom fixar todo e qualquer trabalho com verniz apropriado, assim, sua durabilidade será maior.

Me conte nos comentários se você já teve problemas com algum material e o que fez para lidar com a situação. E também o que achou de Solar. 🌻

Depois de muito tempo de molho involuntário, criei coragem para retomar os estudos e finalizar alguns rascunhos que estavam em espera. Como contei no último post, o motivo para esse afastamento não foi bloqueio criativo, mas sim cansaço causado pela divulgação da exposição (que segue até o dia 31 de julho). E eu senti muita falta de produzir para mim, de ler os livros que comprei e voltar a estudar anatomia. Decidi que a primeira semana das minhas férias seria dedicada a tudo isso. E, assim, nasceu mais uma ilustração da Série Botânicas: Lavanda.

Além de ter ficado muito satisfeita com o resultado do desenho e da pintura, pois estou sempre tentando refinar o que aprendo da melhor forma, essa ilustra tem um lado sentimental também. Senta que lá vem história...

Sou apaixonada por lavanda, cresci sentindo esse cheiro, já que é o perfume favorito da minha mãe. Lá na infância, minha primeira deo-colônia foi uma lavanda da Xuxa (eu tinha t-u-d-o dela, estamos falando da década de 1980), e até hoje meus perfumes favoritos são aqueles com essência dessa planta, até mesmo incenso, aromatizador de ambientes e produtos de limpeza. Também é uma das minhas cores prediletas, pois transmite calma e acolhimento. E mesmo com todos esses pontos favoráveis, eu nunca tinha desenhado uma florzinha sequer na vida. Já estava mais do que na hora de reverter a situação.

Utilizei uma referência fotográfica apenas para não errar muito nas proporções do rosto, o resto foi desenhado de imaginação, inclusive as flores. Para conseguir esse tom do cabelo, misturei dioxazine, rosa quinacridone e azul da Prússia, bem diluídos em água, até chegar no ponto mais suave. E para espalhar a tinta, bastante aguada. A coloração da pele segue o que já tenho feito nas últimas ilustrações, e aqui reduzi ainda mais o retoque com lápis de cor marrom e multiliner sépia, coloquei somente o necessário. Queria passar suavidade. Só subi o tom na coroa de flores, para dar destaque, inclusive finalizei com uma tinta transparente com glitter.

- Papel Canson Moulin DuRoy;

- Aquarelas Cotman e Van Gogh;

- Pincéis Keramik;

- Lápis 2B Royal & Langnickel e de cor Polycolor;

- Multiliner Copic sépia;

- Tinta Confetti Acrilex.

Veja todos os meus materiais de arte favoritos, clicando aqui.

Eu simplesmente deletei da mente a atualização com o que rola no meu feed, aqui no blog. E ando um pouco sem vontade de postar e ilustrar, não que falte ideias ou esteja com bloqueio criativo, pelo contrário, estou ótima. É cansaço ocasionado pela exposição. Sempre que exponho acontece o mesmo, fico exausta com toda a movimentação que isso provoca na minha vida, por isso, logo após o término de Elementais, vou voltar para a caverna. Falando nela, a visitação vai até o dia 31 de julho e todas as peças estão à venda, não perca! Abro o post com uma foto do meu cantinho, que tanta gente curte acompanhar.

Em maio rolou o Mermay e, agora, estou fazendo um resgate de ilustras antigas que estão na exposição. Por isso, tem pouca produção que foge a esses dois eventos. A primeira imagem (em sentido horário) foi um projeto que abandonei até segunda ordem. Achei que a nudez da figura ficou muito gratuita, e detesto isso. Já vemos imagens de mulheres nuas em contextos desnecessários diariamente; não quero me censurar ou colocar um véu puritano na minha arte, apenas preciso enxergar com clareza por que a figura está nua, com que propósito. Até ter isto claro, o projeto está arquivado. Já a segunda imagem é a line art para este trabalho muito amorzinho que fiz para uma ONG. Abaixo, a versão 2017 do artxartist, desafio que fiz ano passado. Por fim, meu livro maravilhoso sobre a Sylvia Ji (e já chegou também o da Loish!), em breve pretendo gravar um vídeo folheando esta lindeza.


Agora tenho cadernos pautados com espiral no meu Studio do Colab55, aproveitei uma promoção para adquirir um e conferir a qualidade. No ritmo de Mulher-Maravilha, comprei um sketchbook de qualidade totalmente duvidosa na Riachuelo (risos). Abaixo, minha contribuição junina para o Girls Artist Gang, cujo tema foi inverno. E também alguns estudos de anatomia que andei praticando. Diferentemente do rascunho arquivado, aqui a nudez serve para estudo, inclusive as fotos usadas como referência são para este fim. Agradeço a Isabella Pessoa pelas excelentes contribuições, que me ajudaram a melhorar diversos aspectos.


Mais uma botânica saindo do papel, dessa vez será em tons de lavanda, uma das minhas plantinhas favoritas. Falando em botânicas, uma foto da caneca com a estampa Monstera, lá do meu Studio no Colab55. Com o caderno pautado, montei uma espécie de bullet journal, no qual anoto ideias para ilustrações, postagens e estudos. Usei também um dos adesivos à venda na loja. Mais um estudo de mocinha, como as galáxias estão sendo a grande sensação da exposição, acho que farei o cabelo dela assim.

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